|
Реферат: Рембрандт (Искусство и культура)
[pic]
Rembrandt
(1606-1669)
[pic]
Rembrandt was a Dutch baroque artist who ranks as one of the greatest
painters in the history of Western art. His full name was Rembrandt
Harmenszoon van Rijn, and he possessed a profound understanding of human
nature that was matched by a brilliant technique- not only in painting but
in drawing and etching- and his work made an enormous impact on his
contemporaries and influenced the style of many later artists. Perhaps no
painter has ever equaled Rembrandt's chiaroscuro effects or his bold
impasto.
Life
Born in Leiden on July 15, 1606, Rembrandt was the son of a miller.
Despite the fact that he came from a family of relatively modest means, his
parents took great care with his education. Rembrandt began his studies at
the Latin School, and at the age of 14 he was enrolled at the University of
Leiden. The program did not interest him, and he soon left to study art-
first with a local master, Jacob van Swanenburch, and then, in Amsterdam,
with Pieter Lastman, known for his historical paintings. After six months,
having mastered everything he had been taught, Rembrandt returned to
Leiden, where he was soon so highly regarded that although barely 22 years
old, he took his first pupils, among them Gerrit Dou.
Rembrandt moved to Amsterdam in 1631; his marriage in 1634 to Saskia
van Uylenburgh, the cousin of a successful art dealer, enhanced his career,
bringing him in contact with wealthy patrons who eagerly commissioned
portraits. An exceptionally fine example from this period is the Portrait
of Nicolaes Ruts (1631, Frick Collection, New York City). In addition,
Rembrandt's mythological and religious works were much in demand, and he
painted numerous dramatic masterpieces such as The Blinding of Samson
(1636, Stдdelsches Kunstinstitut, Frankfurt). Because of his renown as a
teacher, his studio was filled with pupils, some of whom (such as Carel
Fabritius) were already trained artists. In the 20th century, scholars have
reattributed a number of his paintings to his associates; attributing and
identifying Rembrandt's works is an active area of art scholarship.
In contrast to his successful public career, however, Rembrandt's family
life was marked by misfortune. Between 1635 and 1641 Saskia gave birth to
four children, but only the last, Titus, survived; her own death came in
1642. Hendrickje Stoffels, engaged as his housekeeper about 1649,
eventually became his common-law wife and was the model for many of his
pictures.
Despite Rembrandt's financial success as an artist, teacher, and art
dealer, his penchant for ostentatious living forced him to declare
bankruptcy in 1656. An inventory of his collection of art and antiquities,
taken before an auction to pay his debts, showed the breadth of Rembrandt's
interests: ancient sculpture, Flemish and Italian Renaissance paintings,
Far Eastern art, contemporary Dutch works, weapons, and armor.
Unfortunately, the results of the auction-including the sale of his house-
were disappointing.
These problems in no way affected Rembrandt's work; if anything, his
artistry increased. Some of the great paintings from this period are The
Jewish Bride (1632), The Syndics of the Cloth Guild (1661, Rijksmuseum,
Amsterdam), Bathsheba (1654, Musйe du Louvre, Paris), Jacob Blessing the
Sons of Joseph (1656, Staatliche Gemдldegalerie, Kassel, Germany), and a
self-portrait (1658, Frick Collection). His personal life, however,
continued to be marred by sorrow, for his beloved Hendrickje died in 1663,
and his son, Titus, in 1668. Eleven months later, on October 4, 1669,
Rembrandt died in Amsterdam.
Early Painting
Rembrandt may have created more than 600 paintings as well as an
enormous number of drawings and etchings. The style of his earliest
paintings, executed in the 1620s, shows the influence of his teacher,
Pieter Lastman, in the choice of dramatic subjects, crowded compositional
arrangements, and emphatic contrasts of light and shadow. The Noble Slav
(1632, Metropolitan Museum of Art, New York City) shows Rembrandt's love of
exotic costumes, a feature characteristic of many of his early works.
A magnificent canvas, Portrait of a Man and His Wife (1633, Isabella
Stewart Gardner Museum, Boston), shows his early portrait style-his
preoccupation with the sitters' features and with details of clothing and
room furnishings; this careful rendering of interiors was to be eliminated
in his later works. Members of Rembrandt's family who served as his models
are sometimes portrayed in other guises, as in Rembrandt's Mother as the
Prophetess Anna (1631, Rijksmuseum), or the wistful Saskia as Flora, (1634,
the Hermitage, Saint Petersburg).
Perhaps no artist ever painted as many self-portraits (about 60), or
subjected himself to such penetrating self-analysis. Not every early
portrayal, however, can be interpreted as objective representation, for
these pictures frequently served as studies of various emotions, later to
be incorporated into his biblical and historical paintings. The self-
portraits also may have served to demonstrate his command of chiaroscuro;
thus, it is difficult to tell what Rembrandt looked like from such a self-
portrait as the one painted about 1628 (Rijksmuseum, on loan from the Daan
Cevat Collection, England), in which deep shadows cover most of his face,
barely revealing his features. On the other hand, in none of these youthful
self-portraits did he attempt to disguise his homely features.
Biblical subjects account for about one-third of Rembrandt's entire
production. This was somewhat unusual in Protestant Holland of the 17th
century, for church patronage was nonexistent and religious art was not
regarded as important. In Rembrandt's early biblical works, drama was
emphasized, in keeping with baroque taste.
Among Rembrandt's first major public commissions in Amsterdam was the
Anatomy Lesson of Dr. Tulp (1632, Mauritshuis, The Hague). This work
depicts the regents of the Guild of Surgeons gathered for a dissection and
lecture. Such group portraits were a genre unique to Holland and meant
substantial income for an artist in a country where neither church nor
royalty acted as patrons of art. Rembrandt's painting surpasses
commemorative portraits made by other Dutch artists with its interesting
pyramidal arrangement of the figures, lending naturalism to the scene.
Middle Period
Many of Rembrandt's paintings of the 1640s show the influence of
classicism in style and spirit. A 1640 self-portrait (National Gallery,
London), based on works by the Italian Renaissance artists Raphael and
Titian, reflects his assimilation of classicism both in formal organization
and in his expression of inner calm. In the Portrait of the Mennonite
Preacher Anslo and His Wife (1641, Staatliche Museen, Berlin-Dahlem),
quieter in feeling than his earlier work, the interplay between the figures
is masterfully rendered; the preacher speaks, perhaps explaining a biblical
passage to his wife, who quietly listens. A number of Rembrandt's other
works depict dialogues and, like this one, represent one specific moment.
In the moving Supper at Emmaus (1648, Musйe du Louvre), Rembrandt's use of
light immediately conveys the meaning of the scene.
His group portraiture continued to develop in richness and complexity.
The so-called Night Watch-more accurately titled The Shooting Company of
Captain Frans Banning Cocq (1642, Rijksmuseum)-portrays the bustling
activity of a military company, gathered behind its leaders, preparing for
a parade or shooting contest. In departing from the customary static mode
of painting rows of figures for the corporate portrait, Rembrandt achieved
a powerful dramatic effect. Despite the popular myth that the painting was
rejected by those who commissioned it, and led to a decline in Rembrandt's
reputation and fortune, it was actually well received. Many of Rembrandt's
landscapes in this middle period are romantic and based on his imagination
rather than recording specific places. The inclusion of ancient ruins and
rolling hills, not a part of the flat Dutch countryside, as in River Valley
with Ruins (Staatliche Gemдldegalerie, Kassel), suggests a classical
influence derived from Italy.
Late Period
Rembrandt's greatest paintings were created during the last two
decades of his life. Baroque drama, outward splendor, and superficial
details no longer mattered to him. His self-portraits, portrayals of single
figures and groups, and historical and religious works reveal a concern
with mood and with spiritual qualities. His palette grew richly coloristic
and his brushwork became increasingly bold; he built thick impastos that
seem miraculously to float over the canvas. In Portrait of the Painter in
Old Age (1669?, National Gallery, London), Rembrandt's features betray a
slightly sarcastic mood. One of his finest single portraits (1654,
Stichting Jan Six, Amsterdam) is that of Jan Six. Six, wearing a deeply
colored red, gold, and gray costume, is shown putting on a glove. The
portrait is painted in a semiabstract style that demonstrates Rembrandt's
daring technical bravura. Six's quiet, meditative mood is expressed by the
subtle play of light on his face. In such late biblical works as Potiphar's
Wife Accusing Joseph (1655, Staatliche Museen, Berlin-Dahlem), and the very
moving Return of the Prodigal Son (1669?, the Hermitage) Rembrandt
concentrated on the inherent psychological drama rather than on the
excitement of the narrative as he had in works of his early period. In
general, after his early period, Rembrandt was not particularly interested
in allegorical and mythological subjects.
Graphic Work
For Rembrandt, drawing and etching were as much major vehicles of
expression as painting. Some 1400 drawings, recording a wide range of
outward and inner visions, are attributed to him, works mostly done for
their own sake rather than as preparatory studies for paintings or prints.
The majority of them are not signed, because they were made for his private
use. Rembrandt's early drawings (of the 1630s) were frequently executed in
black or red chalk; later his favorite medium became pen and ink on white
paper, often in combination with brushwork, lending a tonal accent. In some
drawings, such as The Finding of Moses (1635?, Rijksprentenkabinet,
Amsterdam), a few charged lines indicating three figures carry maximum
expression. Other drawings were, in contrast, highly finished, such as The
Eastern Gate at Rhenen (Oostpoort) (1648?, Musйe, Bayonne, France), which
displays details of architecture and perspective. He made masterful
drawings throughout the early as well as mature phases of his career. An
example of an early work is Portrait of a Man in an Armchair, Seen Through
a Frame (1634, private collection, New York City), done in chalk,
considered Rembrandt's most finished portrait drawing. Superb later works
are Nathan Admonishing David (1655-1656?, Metropolitan Museum), done with a
reed pen, and a genre piece, A Woman Sleeping (Hendrickje?) (1655?, British
Museum, London), a powerful brush drawing universally praised as one of his
finest.
Rembrandt's etchings were internationally renowned even during his
lifetime. He exploited the etching process for its unique potential,
using scribbling strokes to produce extraordinarily expressive lines. In
combination with etching he employed the drypoint needle, achieving
special effects with the burr in his mature graphic work. Indeed,
Rembrandt's most impressive etchings date from his mature period. They
include the magnificent full-length portrait of Jan Six (1647,
Bibliothиque Nationale, Paris), the famous Christ Healing the Sick, also
known as the 100 Guilder Print (1642-1645?), the poetic landscape Three
Trees (1643), and Christ Preaching, or La Petite Tombe (1652?), all in
the British Museum.
[pic]The Music Party, 1626, oil on wood, Rijksmuseum at Amsterdam.
[pic]The Rich Old Man from the Parable, detail, 1627, oil on wood,
Gemдldegalerie, Berlin.
[pic]Self Portrait, 1627, oil on canvas, Staatliche Museen Kassel,
Gemдldegalerie Alte Meister.
[pic]Self Portrait, 1629, oil on canvas, The Mauritshuis at The Hague.
[pic]Self Portrait, 1629, panel, Pinakothek at Munich.
[pic]Artist in his Studio, 1629, oil on panel, Museum of Fine Arts,
Boston.
[pic]Bust of an Old Man in a Fur Cap, 1630, oil on wood, Tiroler
Landesmuseum Ferdinandeum, Innsbruck.
[pic]Belshazzar's Feast, 1630-35, National Gallery at London.
[pic]Nicolaes Ruts, 1631, oil on mahogany panel, Frick Collection at New
York.
Реферат на тему: Рембрандт
Рембрандт ван Рейн.
Голландия в 17-м веке была одной из самых богатых стран Европы. В её
столицу Амстердам стекались товары со всех концов мира. Разбогатевшие
голландские купцы и банкиры хотели, чтобы произведения искусства отражали
всю их жизнь.
Живопись была в ту пору наиболее популярным и развитым видом искусства.
Каждый мало-мальски состоятельный голландец считал картину лучшим
украшением своего жилища. По словам современника, в голландских городах
«все дома были напичканы картинами».
Несмотря на то, что одни художники писали в основном портреты, другие -
жанровые сцены, третьи - натюрморты, четвертые - пейзажи, все они
стремились изображать окружающую жизнь реалистически: правдиво, просто, без
прикрас. Это им удалось, и многие из них прославились на века.
Но как ни высоко было мастерство голландских живописцев 17-го века, всех
их превзошёл своим великим искусством Рембрандт ван Рейн. Он велик
удивительной простотой и человечностью. Средствами живописи Рембрандт
сумел, как никто до него, раскрыть внутренний мир человека, его сложные
душевные переживания.
Рембрандт родился в голландском городе Лейдене в семье мельника. Отец
хотел, чтобы он стал учёным, но юноша нашёл своё призвание в живописи.
Учился у известного художника Питера Ластмана. Первые самостоятельные
работы Рембрандта относятся к середине 20-х годов. Он переехал в Амстердам
в 1632, и жил там до конца жизни, в культурном центре Голландии, и скоро к
нему пришёл большой успех . Художник внимательно изучает характеры людей,
проявление чувств, свидетельства духовной жизни. Обращение к библейским
сюжетам позволяет придать содержанию масштабность, глубокий смысл. Ему
заказывали много картин и портретов. Но шумная слава никогда не привлекала
Рембрандта. Он не стремился угождать богатым горожанам. И чем серьёзнее и
глубже становилось его искусство, тем меньше нравилось оно богатым,
самодовольным заказчикам.
Рембрандт стремится соединить в своих произведениях земное и возвышенное, в
то же время, избежать патетики, сделать своих героев более близкими
зрителю. Однако и бюргерская приземленность, прозаическая обыденность
голландской жизни того времени ему тоже чужда. В 30-е годы он пишет себя и
свою жену Саскию в фантастических, необычных костюмах ("Флора", 1634;
"Автопортрет с Саскией"). Рембрандт становится самым популярным художником
в Голландии, он богат, прославлен, счастлив, завален заказами. Многие из
заказных портретов превратились в подлинные шедевры ("Ночной дозор", 1642).
Однако все это благополучие скоро рухнуло. Любимая Рембрандтом жена умерла
вскоре после рождения сына Титуса. 40-е годы становятся вехой и в
творчестве художника, оно приобретает законченность и определенность. Его
принципы - стремление к внутренней правде, раскрытие душевной красоты
персонажа- не меняются до конца жизни художника. Живописная манера отвечает
творческим задачам: уходят барочные эффекты в цвете, в компоновке картин,
художник пренебрегает деталями, антуражем. Вместо этого - смелое, широкое
письмо, золотисто-коричневый колорит, мягкий свет, обволакивающий персонажи
("Даная", 1647;”Давид и Ионафан”,1642;"Святое
семейство",1646;"Вирсавия",1654,”Благословление Иакова”).
Он писал то, что наблюдал в жизни, и всё, что он изображал, становилось
необычайно поэтичным. Это чудо совершала кисть великого мастера. В картинах
Рембрандта господствует полумрак, и мягкий золотистый свет выделяет из него
фигуры. Сами краски, словно согретые внутренним теплом, мерцают , как
драгоценные камни. «Изгнание торгующих из храма" (1626 ДЕРЕВО, МАСЛО 43 х
33). было написано Рембрандтом в двадцатилетнем возрасте. Некоторые черты
этого произведения говорят о неопытности начинающего мастера, хотя многое
уже предвещает его будущие шедевры. Нетрудно заметить в картине
профессиональные огрехи: ошибки в перспективе и в пропорциях. Однако уже
сам выбор сюжета — свидетельство независимых устремлений молодого
живописца. Вопреки привязанностям большинства голландских живописцев к
бытовому жанру, он обращается к исторической картине на библейский сюжет и
пишет ее с непривычным для „малых голландцев" драматическим накалом
страстей. Воссозданные на полотне крайние эмоциональные состояния — страха,
ужаса, гнева — свидетельство раннего интереса художника к внутреннему миру
чело века. Это несколько гротескное заострение душевных проявлений и было
исходной точкой в творческом пути Рембрандта, который привел его в
дальнейшем к открытию многоплановой жизни человеческой души. Наконец, важно
и то, что уже здесь молодой живописец стремится к воссозданию не только
характеров, но и нравственных проблем. Изображая библейский сюжет изгнания
Христом торговцев и менял из храма, Рембрандт отстаивает мысль о
несовместимости суетной погони за жизненными благами с высоким
предназначением человека.
“Кухня" Рембрандта — самый выдающийся рисунок голландской школы. С XVIII
столетия до середины 1930-х годов этот лист был известен под названием
„Блинщица". Его новое определение — „Кухня" — предложила В. М. Невежина,
которая увидела в композиции интерьер кухни в доме самого Рембрандта на
улице Бестрат в Амстердаме, а в главных персонажах рисунка — изображения
Хендрикье Стоффельс и ее маленькой дочери Корнелии.
Произведение зрелого Рембрандта, эта композиция раскрывает его мастерство
рисовальщика, его индивидуальное видение мира, его ощущение жизни.
Исполненный быстром в традиционной технике пера и размывки, лист построен
на сочетании немногих скупых линий и тонких переходов светотени. Мерцающая,
глубокая и прозрачная, она преобразует прозаическую сцену лиричный образ.
Картины и гравюры Рембрандта гораздо шире известны публике, нежели его
рисунки, остававшиеся на протяжении долгого времени предметом интересов
небольшого круга собирателей и знатоков. Между тем фигура Рембрандта-
рисовальщика ни в чем не уступает Рембрандту-живописцу или офортисту.
Рисунки мастера, сохранившиеся в огромном количестве — около 1700 листов,
составляют автономную область его творчества. И одной из самых
замечательных особенностей рембрандтовских рисунков является их способность
делать зрителя свидетелем и соучастником рождения художественной мысли
гениального мастера. К числу таких листов относится и небольшая зарисовка “
Женщина с ребенком"(1650-е г. БУМАГА, БИСТР, ПЕРО. 11,1 х 9,7). Исполненная
тростниковым пером, она сохраняет всю свободу и непосредственность
мгновенного наброска с натуры или по памяти, когда рука художника едва
успевает наметить главные линии. Вместе с тем в графических произведениях
зрелого Рембрандта даже самые, казалось бы, приблизительные очертания
наделены огромной силой обобщения. Может быть потому в маленьком наброске,
принадлежащем музею, так поражает умение передать несколькими штрихами не
только позу и облик женщины, но и душевное состояние и даже ту атмосферу
любви и доверия, которая словно окутывает ее и ребенка.
Рембрандт ценил в человеке не знатность, не богатство, не внешнюю красоту,
а способность мыслить, чувствовать, переживать. Любимыми героями
произведений Рембрандта были простые люди. На его полотнах человек
радуется, скорбит, печалится, страдает.
В необычайно волнующих и проникновенных портретах Рембрандта как бы
ощущаешь прожитую человеком жизнь. Изображая своих близких, друзей, нищих,
стариков, каждый раз с удивительной зоркостью передавал он изменчивые
душевные движения, живую трепетность выражений лица, смену настроений.
Портрет пожилой женщины, по традиции (но без достаточных оснований),
именуемый „Портретом жены брата", написан Рембрандтом в поздний период его
творчества, когда были созданы самые прославленные из его портретных работ.
Моделями для многих из них служили либо друзья художника, либо люди из
близкого ему круга. В таких портретах исчезает привычная дистанция,
отделяющая художника от портретируемого, и между ними устанавливается та
степень доверительного взаимопонимания, которая составляет основу для
проникновенного раскрытия внутреннего мира модели. Среди рембрандтовских
портретов 1650-х годов портрет из нашего собрания выделяется особой
концентрированностью образного и композиционного замысла. Светом выхвачены
лишь лицо и верхняя часть фигуры; сложенные руки, обычно столь
выразительные у Рембрандта, спрятаны в рукава. Темно-красный платок,
обрамляющий голову, подчеркивает богатство пластической нюансировки лица и
одновременно усиливает впечатление отъединенности героини от окружающего,
ее полную погруженность в свой внутренний мир. Произведение это принадлежит
к тому типу рембрандтовских работ, которые называют портретами-биографиями.
Женщина изображена здесь в состоянии особой внутренней сосредоточенности,
когда мысль и чувство слиты воедино и размышление предстает в ореоле
тончайших эмоциональных оттенков, а глубокое переживание неотделимо от той
мудрости, которая воспринимается как итог прожитой жизни. И сама
рембрандтовская живопись, его знаменитая светотень — контрасты мрака и
света, динамика их сложнейших градаций от прозрачных теней до пламенеющих
цветовых рефлексов — выступает как зримое воплощение духовного богатства
человеческой личности.
Одна из его поздних картин - «Возвращение блудного сына». Здесь изображён
человек, который когда-то покинул отчий дом и после долгих лет скитаний,
нищеты, унижений вернулся к отцу. И престарелый отец, ослепший от горя,
прощает его, обнимая дрожащими руками.
К самым значительным созданиям позднего пери ода его творчества принадлежит
картина „Артаксеркс, Аман и Эсфирь"(1660 ХОЛСТ, МАСЛО, 73 х 94). Ее сюжет —
эпизод библейской легенды о царице Эсфири, обличившей перед своим супругом,
персидским царем Артаксерксом, коварные замыслы его приближенного Амана,
грозившие уничтожением целому народу. Скупые, но красноречивые жесты и позы
персонажей раскрывают драматический конфликт между ними. В картине царит
напряженная атмосфера ожидания. Только что закончила свое слово Эсфирь,
Артаксеркс устремил взгляд перед собой, рука его готова поднять жезл; под
грузом обвинений согнулся Аман. Сжавшись, он ожидает приговор царя.
Торжество правды, осуждение зла, воодушевленность Эсфири и подавленность
Амана выражены в картине через сложные сопоставления света, тени и цветовые
оттенки. Фигура Эсфири озарена сиянием, ее одежда с длинным шлейфом
сверкает, как если бы она была покрыта драгоценны ми камнями. В глубокую
тьму погружен Аман. Рембрандт достигает удивительной глубины в передаче
внутренней жизни своих героев, их духовной энергии. В напряженной
эмоциональной среде картины оттенки света и цвета воспринимаются как
аналоги духовных и этических ценностей.
Рембрандт был не только живописцем, но и выдающимся мастером офорта.
Творческие поиски не были поняты современниками Рембрандта, заказов не
стало, художник впал в бедность. Только его сын Титус и вторая жена
Хендрикье Стоффельс были преданы ему. 50-60-е годы - время расцвета гения.
Портреты, во множестве написанные в эти годы - это удивительное
проникновение во внутренний мир человека, сложный, противоречивый, но
неизменно прекрасный ("Портрет старика в красном", 1652-54;"Портрет старого
еврея"). Фактура и цвет помогают понять замысел художника. Неровный, то
густой, то тонкий слой краски создает впечатление, что образ рождается на
глазах у зрителя. Свет идет как будто изнутри полотна, проявляя духовную
жизнь персонажа. Появляется этот удивительный рембрандтовский коричневый
цвет, "цвет судьбы", по словам О.Шпенглера.
Рембрандт Харменс ван Рейн последние годы жил в нищете, забытый всеми.
Никто из богатых заказчиков и не вспоминал уже о великом голландском
художнике. В беднейшем квартале Амстердама нередко встречали его -
одинокого старика, чья ветхая одежда была запачкана красками. Но суровые
жизненные испытания не сломили его. Он продолжал упорно работать и писал
так, как подсказывало ему сердце. В поздних работах Рембрандт предстает
подлинным философом и гуманистом. Он поднимает сложные нравственные
проблемы, показывает людей в трудные моменты их жизни, но никогда не
морализирует, не учит жить, а просто напоминает человеку о его
предназначении(“Давид и Саул”, 1660-е;”Давид и Урия”, 1665;"Возвращение
блудного сына", 1663, “Исаак и Ревекка”, 1665).
Конец жизни великого мастера был печален. Умерли все, кто любил его,
ученики его предали, соотечественники о нем забыли. Он умер 4 октября 1669
г., не успев закончить картину "Симеон в храме".
| |
