|
Реферат: Импрессионисты (Искусство и культура)
Импрессионизм - течение главным образом во французской живописи,
характеризующееся стремлением передать средствами искусства мимолетные
впечатления, богатство красок, психологические нюансы, подвижность и
изменчивость атмосферы окружающего мира.
Во второй половине прошлого века начала работать группа молодых
художников. Впервые в истории искусства художники сделали для себя правилом
писать не с мастерской, а под открытым небом: на берегу реки, в поле, в
лесу.
Стараясь максимально точно выразить свои непосредственные впечатления от
вещей, импрессионисты создали новый метод живописи. Его суть состояла в
передаче внешнего впечатления света, тени, рефлексов на поверхности
предметов раздельными мазками чистых красок, что зрительно растворяло форму
в окружающей свето-воздушной среде. В излюбленных своих жанрах (пейзаже,
портрете, многофигурной композиции) они стремились передать свои мимолетные
впечатления от окружающего мира (сцены на улице, в кафе, зарисовки
воскресных прогулок и т. п.). Импрессионисты изображали жизнь, полную
естественной поэзии, где человек находится в единстве с окружающей средой,
вечно изменчивой, поражающей богатством и сверканием чистых, ярких красок.
После первой выставки в Париже этих художников начали называть
импрессионистами, от французского слова «impression» - «впечатление». Это
слово подходило к их работам, потому что в них художники передавали свое
непосредственное впечатление от увиденного. Художники по-новому подошли к
изображению мира. Главной темой для них стали трепетный свет, воздух, в
который как бы погружены люди и предметы. В их картинах чувствовался ветер,
влажная, нагретая солнцем земля. Они стремились показать удивительное
богатство цвета в природе. Импрессионизм был последним крупным
художественным движением во Франции XIX века.
Нельзя сказать, что путь художников-импрессионистов был легок. Сначала их
не признавали, их живопись была слишком смелой и необычной, над ними
смеялись. Никто не хотел покупать их картин. Но они упорно шли своим путем.
Ни бедность, ни голод не могли заставить их отказаться от своих убеждений.
Прошло много лет, многих из художников-импрессионистов уже не было в
живых, когда их искусство было, наконец, признано.
В чем же сущность импрессионизма, его художественного метода?
Импрессионисты стремились передать в своих произведениях непосредственное
впечатление от окружающей среды — impression, впечатление, прежде всего от
современного города с его подвижной, импульсивной, разнообразной жизнью.
Это впечатление они стремились воплотить на полотне, создав живописными
средствами иллюзию света и воздуха, богатой световоздушной среды. Для этого
они разложили цвет на весь спектр, стараясь писать чистым цветом, не
смешивая его на палитре и используя оптическое восприятие глаза, сливающего
на определенном расстоянии отдельные мазки в общий живописный образ. Они
стремились быть максимально приближенными к тому, как тот или иной предмет
видит человек.
В русле этого направления работал один из крупнейших французских
художников XIX века Эдуард Мане.
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
|«Балкон» |
Мане родился в семье крупных чиновников, и рисовать начал уже в колледже.
Он воспротивился предназначенной ему карьере юриста и поступил в морскую
школу. В 1848 году отправился в поход на корабле в Рио-де-Жанейро. В 1850
со своим другом по гимназии Прутом (впоследствии автором воспоминаний о
художнике) Мане учится в Школе Изящных Искусств в Париже. Мане провел в
этой школе шесть лет, усваивая навыки четкого рисунка и его моделировки
цветом, законы композиционного построения. Мане много путешествует,
посещает Нидерланды, Австрию, Италию, а позже Германию, Испанию и Англию.
Как и в собраниях Лувра, его везде интересуют «секреты» живописи старых
мастеров, преимущественно Веласкеса, Гойи, Эль Греко, Халса, Рембрандта,
Рубенса, Ван Дейка, Ватто и Шардена. Часто он делает копии с понравившихся
ему произведений, порой довольно произвольные. Уничтожив работы,
исполненные в Школе Изящных Искусств, он решает начать работать
самостоятельно.
|«Купание» |
Первое значительное произведение Мане - это картина «Любительница
абсента» (1858-1859). Сюжет картины мог быть инспирирован влиянием Бодлера,
с которым художник познакомился в это время. В традициях старых мастеров
исполнен и «Портрет родителей» (1860), выполненный как жанровая картина;
Мане одним из первых художников заметил отчужденность людей друг от друга,
изображенные им персонажи находятся рядом, но словно не обращают внимания
на окружение.
В 1863 Мане пишет картину «Завтрак на траве», которая под названием
«Купание» была выставлена в скандально известном Салоне отверженных, где
экспонировались произведения, не принятые официальным жюри. В том же году
Мане пишет «Олимпию».
|«Олимпия» |
В 1867 Мане строит собственный павильон на всемирной выставке в Париже,
для которой он создает картину «Расстрел императора Максимилиана в
Кверетаро», повествующую о бесславной кончине ставленника Наполеона III на
мексиканский престол.
Позже художник сближается с Золя, пишет его портрет. В картине «Балкон»
Мане, сочетая принципы бытового жанра с портретом, вновь показывает
отчужденность людей друг от друга. В 1874 в год первой выставки
импрессионистов, Мане едет «в малую столицу импрессионизма» Аржантей, где
работают Клод Моне и Огюст Ренуар. Мазок в его картинах становится более
дробным, способным чутко улавливать и передавать нюансы изменчивой жизни
природы.
Непосредственными ученицами Мане являлись Б. Моризо, Е. Гозалес и М.
Кэссет, однако он оказал значительное влияние на всю группу художников-
импрессионистов.
Одним из представителей импрессионизма был Клод Моне.
Еще в юности, поступив в колледж Майерай в Гавре, Моне получает
известность благодаря своим карикатурам, многие из которых хранятся сегодня
в Художественном институте в Чикаго.
Около 1858 года Моне знакомится с Буденном, работы которого сначала
совсем не впечатляют художника, но Буден ободряет его. Позже Моне скажет:
«Я понял и уловил, чем может быть живопись, только лишь благодаря примеру
этого художника, влюбленного в свое искусство и независимость. Мне
открылась моя судьба живописца.» Признав склонность сына к искусству, отец
Моне в 1858 году ходатайствует перед муниципалитетом Гавра, чтобы сыну
предоставили стипендию изящных искусств, которая позже позволила бы ему
отправиться в Париж. Натюрморт, сопровождающий эту просьбу, был отклонен.
Не дожидаясь ответа, в мае 1859 Моне уезжает в Париж, чтобы посетить
выставку во Дворце Промышленности. Моне не поступил в Школу Изящных
Искусств, и отец отказал ему в какой-либо материальной поддержке.
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
|«Женщины в саду» |
В 1861 году отец Моне отказался заплатить необходимую сумму, чтобы
освободить сына от армии, и художник отправился в Алжир, где провел два
года. По возвращении на Родину, он вспоминал: «Сначала я не отдавал себе
отчета в том, что впечатления от света и цвета, полученные там,
упорядочатся позже, но зерно моих будущих было посажено именно там».
Соглашаясь на то, что сын будет заниматься живописью, Адольф Моне поставил
ему условие, что Клод будет работать только в мастерской знаменитого
мастера. В 1862 году Моне по протекции своего родственника поступил в
парижскую мастерскую Глейра.
У Глейра Моне познакомился с Ренуаром, Сислеем, Базилем. Здесь
выработались основы их объединения. В январе 1865 Моне работает в
мастерской Базиля, где он встретил Писарро и Сезанна. Позже Моне и Писарро
отправились в Марлотт, где они встретились с Ренуаром и Сислеем. Художники
удалось написать многочисленные виды леса Фонтенбло. Камилла Донсье,
позировавшая для Моне в это время, через четыре года стала его женой. Позже
Моне написал большую картину в сияющей гамме, на светлом фоне - здесь
изображены несколько девушек в его саду, единственной моделью для которых
послужила Камилла. («Женщины в саду» Париж, Мюзэ Д’Орсэ).
Решив создать «Городские этюды», в 1867 году Моне с балкона Лувра написал
«Вид церкви Сен-Жерменл Оксеруа» и «Набережную Лувра». В 1868 году
благодаря Будену Моне участвовал в Международной Выставке в Гавре. После ее
закрытия кредиторы художника раскупили картины Моне.
Позже Моне уехал в Лондон, но вскоре вернулся, проезжая через Голландию,
где написал множество пейзажей. В 1875 году в Париже была устроена
распродажа 75 картин, 20 из которых принадлежали Моне, однако аукцион
потерпел неудачу. Финансовое положение художника становилось все более
критическим. Эдуард Мане купил несколько картин, что дало Моне возможность
поселиться в 1878 году на берегах Сены, где он пишет множество пейзажей.
Смерть Камиллы 5 сентября 1879 года пошатнула нервную систему художника,
но пытается уйти в искусство и ищет уединения. В 1890 году Моне приобрел
дом в Живерни. Он сажает в своем саду цветы и редчайшие растения, строит
маленький японский мостик над прудом. Предметом его исследований становится
«мгновенность», что приводит к созданию картин на один и тот же сюжет. В
1892 году он женится на Алисе Ренго.
Наряду с Дега и Ренуаром, Моне был одним из немногих художников, чьи
работы были выставлены в Лувре еще при их жизни: в 1914 здесь были показаны
14 его картин.
Произведения Моне представлены во всех крупных музеях мира; среди самых
известных – музей Мармоттан в Париже, музей Д’Орсэ в Париже, музей
Метрополитен в Нью-Йорке, музей Изящных Искусств в Бостоне, Художественный
Институт Чикаго, а также Эрмитаж в Санкт-Петербурге и Музей Изобразительных
Искусств им. А.С. Пушкина в Москве.
Жизнерадостное восприятие мира, присуще в целом всему импрессионизму,
особенно отчетливо проявилось в творчестве одного из крупнейших
представителей этого направления Огюста Ренуара (1841-1919).
Его привлекали молодые свежие лица, естественные, непринужденные позы. В
сделанных им портретах нет психологической глубины, но сходство с
оригиналом в них установлено тонко.
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
|«Зонтики» |
Ренуар родился в городе Лимож в феврале 1841 года. Еще ребенком он
работал на фарфоровой фабрике, расписывая изделия из фарфора, в семнадцать
копировал рисунки на абажурах, веерах и шторах. А уже в восемнадцать Ренуар
был принят в художественную академию. Впервые работы Ренуара были
выставлены в Париже в 1864 году, но слава и признание пришли к нему гораздо
позже, в 1874 году на первой выставке художников новой школы
импрессионизма.
С 1877 года у Ренуара уже было достаточно поклонников, и художник не
испытывал нужды ни в чем, впервые в жизни он мог заниматься тем, что его
привлекало больше всего: писать для себя и путешествовать. Поездка в Италию
повлияла на творчество Ренуара, это заметно по его картине «Зонтики», он
начал ее в типичной импрессионистской технике, а после приезда во Францию
снова взялся за работу, но фигуры девочек поражают мягкостью линий и
свежестью цвета.
Одно из значительных полотен Ренуара – «Бал в саду Мулен де ла Галет».
Художник как будто зафиксировал свое мгновенное впечатление от пестрой
подвижной массы людей. Трудно на расстоянии рассмотреть каждый предмет во
всех деталях, и Ренуар рисует лишь в самых общих чертах, словно смотрит
издали. Он, как и другие импрессионисты, отказался от тщательного
выписывания формы каждого предмета, сосредоточив внимание на передаче этой
формы в трепетных бликах того или иного освещения.
|«Портрет Жанны Самари» |
| |
|«В саду» |
Значительное место в жизни художника занимала актриса Жанна Самари, ее
образ запечатлен в трех работах, считающихся одними их лучших. Вообще,
женщин он рисовал бесконечно и всю жизнь. Ренуар обладал и множеством
замечательных человеческих качеств, с какой любовью, чуткостью и
состраданием он пишет свою возлюбленную Маргариту Легран, умирающую от
оспы. Он был потрясен ее смертью.
Судьба другой картины Огюста Ренуара «В саду» необычна. Будучи одной из
наиболее значительных работ Ренуара, она никогда не выставлялась и
практически всегда оставалась неизвестной публике. Барбара Уайт,
современная исследовательница его искусства пишет о картине: «В саду»
большой, но, тем не менее, интимный холст, завершенный в 1885 году, - это
последняя картина, в которой он изображает любовь современного мужчины к
современной женщине в окружении природы, точно так же, как «Зонтики» эта
картина стала последним изображением ухаживания в городском варианте».
Ренуар искал свой путь, стремился к точности рисунки и композиционного
решения, в выборе же сюжета он был свободен. Сюжеты, написанные им на тему
театра или цирка, резко отличались от импрессионистов. Он старался передать
не психологическую остроту какого-либо трюка или какие-либо сценки на
театральных подмостках, а показать обычного зрителя в ожидании праздничного
зрелища. Это картины «Ложа», «Первый выезд» и многие другие.
В 1890 году Ренуар страдал от ревматизма, а в 1912 году болезнь уже
приковала его к постели. Но даже в инвалидной коляске он продолжал писать,
восторгаясь жизнью, красотой окружающего мира, и занялся также скульптурой,
но паралич не позволял ему творить своими руками, поэтому он руководил
своими учениками. К тому времени Ренуар уже был всемирно известен.
Последние двадцать лет своей жизни Ренуар провел на юге Франции в
маленькой деревне, где он и был похоронен.
Ряд
новых творческих задач поставил перед собой Эдгар Дега (1834-1917).
Будущий художник родился в семье парижского банкира, художественное
образование получил в Школе изящных искусств.
В конце 1850-х годов во время своего первого путешествия в Италию
художник изучает и копирует также старых мастеров, а после возвращения в
Париж пишет ряд полотен на "исторические" - в традиционно-академическом
понимании - темы ("Спартанские девушки вызывают на соревнование юношей",
"Семирамида закладывает город" и др.) Однако академическими в этих работах
являлись лишь сами сюжеты: древние греки имели у Дега облик современных
парижан, а живопись отличалась свежестью и внутренней свободой.
В 1860-е годы мастер создает серию замечательных портретных образов, в
которых уже ярко проявились такие характерные для Дега качества, как редкая
правдивость в передаче модели, объективность, неотделимая от скрытой
теплоты чувства, строгое благородство колорита, утонченность и энергия
цветовой нюансировки.
1860 - 1870-е годы - во многом переломные для французской культуры XIX
века. Стремление к современности художественного языка, поиски новых
средств выразительности пронизывали в это время поэзию Бодлера, романы
Флобера, Золя и Гонкуров, живопись Мане, Ренуара, Моне, Писсарро и других
молодых художников, вошедших вскоре в историю искусства под именем
импрессионистов. Дега присоединился к этому движению с самого начала его
возникновения. Аристократически замкнутый, язвительный, необычайно скрытный
в личной жизни, Дега был одержим настоящей страстью к изучению окружающей
действительности. В отличие от других импрессионистов, он писал только
фигурные композиции, но на смену ранним портретам теперь приходят жокеи на
лошадях, скачки, сценки в кафе и кабаре, модистки, прачки, балерины и
женщины «за туалетом». Во всех этих образах утверждалась новая, чисто
современная красота, неотъемлемыми чертами которой были правдивость,
непосредственность и демократизм. Пожалуй, лучше всего об этом сказал сам
Дега в одном из сонетов, посвященном его излюбленным персонажам -
балеринам:
… Пляшите, красотой не обольщая модной,
Пленяйте мордочкой своей простонародной,
Чаруйте грацией с бесстыдством пополам,
Вы принесли в балет бульваров обаянье,
Отвагу, новизну…
Цель своего творчества французский художник видел в воплощении правды
жизни, которая была для него слишком значительной, чтобы нуждаться в
приукрашивании. Каждое его произведение - итог длительных наблюдений и
такой же упорной работы по их претворению в законченный образ.
На протяжении почти всего творческого пути художник занимался также
скульптурой: лепил из раскрашенного воска и глины статуэтки движущихся
лошадей, балерин в позициях классического танца и женщин "за туалетом".
(После смерти Дега эти почти не известные широкому зрителю статуэтки были
переведены в бронзу.) В начале нашего столетия из-за прогрессирующей
болезни глаз скульптура стала единственным видом творчества мастера. Конец
его был трагичным: художник, поражавший современников зоркостью видения,
умер почти полностью ослепшим.
Одновременно с импрессионистами в 80-х гг. Во Франции выступает со своими
картинами голландец Винсент Ван-Гог (1853-1890).
Родился 30 марта 1853 года в Гроот Зюндерт (Нидерланды) в семье
кальвинистского священника. Три дяди Винсента занимались торговлей
произведениями искусства. По их примеру и под их влиянием в 1869 году он
поступил в компанию «Гупиль», продававшую картины, и работал в ее
отделениях в Гааге, Лондоне и Париже, пока в 1876 году не был уволен за
некомпетентность. В 1877 году Ван Гог приехал в Амстердам изучать
богословие, но, провалившись на экзамене, поступил в миссионерскую школу в
Брюсселе и стал проповедником в Боринаже, шахтерском районе Бельгии. В это
время он начал рисовать. Зиму 1880–1881 годов Ван Гог провел в Брюсселе,
где изучал анатомию и перспективу. Тем временем его младший брат Тео
поступил в отделение компании «Гупиль» в Париже. От него Винсент получал не
только скромное содержание, но также и моральную поддержку, несмотря на их
частые расхождения во взглядах.
| |
|«Ирисы на ярко-зеленом фоне» |
В конце 1881 после ссоры с отцом, Ван Гог поселился в Гааге. Некоторое
время он учился у известного пейзажиста Антона Мауве. Эксцентричное
поведение Ван Гога, усугублявшееся застенчивостью, оттолкнуло от него тех,
кто хотел ему помочь. Он жил с женщиной по имени Кристина, происходившей из
низших слоев общества, и часто изображал ее на картинах. Когда она ушла от
него, художник в конце 1883 вернулся к родителям, которые жили тогда в
Нюэнене. В работах нюэненского периода (1883–1885) начинает проявляться
своеобразие творческой манеры Ван Гога. Мастер пишет темными красками,
сюжеты его работ однообразны, в них чувствуется симпатия к крестьянам и
сострадание к их тяжелой жизни. Первая большая картина, созданная в
нюэненский период, – Едоки картофеля (1885, Амстердам, фонд Ван Гога), –
изображает крестьян за ужином.
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
| |
|«Интерьер Ресторана» |
Зимой 1885–1886 Ван Гог отправился в Антверпен. Там он посещал занятия в
Академии художеств. Художник вел полунищенское и полуголодное
существование. В феврале 1886, в состоянии физического и духовного
истощения, он уехал из Антверпена к брату в Париж. Здесь Ван Гог поступил в
мастерскую художника-академиста Фернана Кормона, однако гораздо важнее для
него было знакомство с живописью импрессионистов. Он встречался со многими
молодыми художниками, в том числе с Тулуз-Лотреком, Эмилем Бернаром, Полем
Гогеном и Жоржем Сера. Они научили его ценить японскую гравюру; ее линейный
рисунок, плоскостность и отсутствие моделировки оказали большое воздействие
на формирование новой живописной манеры Ван Гога. Ненадолго он увлекся
дивизионистской техникой Сера, но строгая и методичная манера живописи не
соответствовала его темпераменту.
| |
|«Подсолнухи» |
После двух лет, проведенных в Париже, Ван Гог, не выдержав сильного
эмоционального напряжения, в феврале 1888 уехал в Арль. В этом южно-
французском городе он нашел обилие сельских сюжетов, которые так любил
писать. Летом 1888 художник создал некоторые из своих наиболее спокойных
произведений: Почтальон Рулен (Бостон, Музей изящных искусств), Дом в Арле
(Амстердам, фонд Ван Гога) и Спальня художника в Арле (Чикаго,
Художественный институт), а также несколько натюрмортов с подсолнухами.
Вдохновленный образами японской гравюры и яркими работами импрессионистов,
он написал картину, которая по праву считается одним из лучших его
произведений: Ночное кафе (картинная галерея Йельского университета).
Ван Гог жил в полном одиночестве, питался только хлебом и кофе и много
пил. В этих обстоятельствах визит Поля Гогена в октябре 1888, которого Ван
Гог ждал с нетерпением, закончился трагическим конфликтом. Эстетическая
философия Гогена была неприемлема для Ван Гога; их споры становились все
напряженнее и ожесточеннее. 24 декабря Ван Гог, потеряв способность
контролировать себя, набросился на Гогена, а затем отрезал себе ухо. В мае
1889 он добровольно поселился в психиатрической лечебнице в Сен-Реми. В
течение следующего года его рассудок временами прояснялся, и тогда он
бросался писать; но эти периоды сменялись депрессией и бездеятельностью. В
это время он написал знаменитые пейзажи с кипарисами и оливами, натюрморты
с цветами и копировал по репродукциям картины своих любимых художников
Милле и Делакруа.
В мае 1890 Ван Гог почувствовал себя лучше, покинул приют и, вернувшись
на север, поселился в Овер-сюр-Уаз у доктора Поля Гаше, интересовавшегося
искусством и психиатрией. В Овере художник написал свои последние работы –
два портрета доктора Гаше (Париж, музей Д'Орсе, и Нью-Йорк, коллекция
Зигфрида Крамарски). Последние картины Ван Гога – виды пшеничных полей под
жарким тревожным небом, в которых он пытался выразить «грусть и крайнее
одиночество». Умер Ван Гог 27 июля 1890.
В искусстве Ван Гога доминирует всепоглощающая потребность самовыражения.
В своих лучших произведениях он выступает как первый и наиболее яркий
экспрессионист. Его страдания и борьба с судьбой отражены в яркой прозе
нескольких сот писем, адресованных в основном брату.
Поиски своего особого пути в искусстве характеризуют и творчество Поля
Гогена (1848-1903).
Эжен Анри Поль Гоген родился в Париже 7 июня 1848. В 1865 он
присоединился к команде торгового судна и совершил несколько долгих морских
путешествий. В возрасте 23 лет начал успешную, но кратковременную деловую
карьеру в Париже. Финансовые успехи позволили Гогену заняться
коллекционированием произведений импрессионистов. Гоген не получил
регулярного художественного образования, если не считать нескольких уроков,
которые ему дал импрессионист Камиль Писсарро. В 1883 он оставил
коммерческую деятельность, чтобы полностью посвятить себя живописи; это
привело к нищете и разрыву с семьей. В 1887 Гоген предпринял путешествие на
остров Мартиника; во время пребывания там он осознал, что для творческого
вдохновения нуждается в уединенной жизни в гармонии с природой. В 1888 он
некоторое время провел в Бретани. В своих работах, выполненных в Бретани, в
противоположность ярким произведениям импрессионистов, он сосредоточил
внимание на изображении суровой красоты этой местности и сценах из жизни
крестьян. В одной из своих наиболее известных бретонских работ – Видение
после проповеди (1888) художник акцентирует плоскостность живописной
поверхности, что, возможно, является результатом его знакомства с японской
гравюрой. Лучшие пейзажи Гогена и картина Желтый Христос (1889) тоже
относятся к бретонскому периоду творчества.
В эти годы Гоген становится лидером нового направления – синтетизма,
приверженцы которого по-новому использовали цвет и форму, смело очерчивая
объекты, упрощая образы, сопоставляя большие участки чистого цвета для
достижения эмоционального эффекта.
В конце 1888 Гоген провел несколько месяцев в Арле вместе с Ван Гогом, с
которым познакомился в Париже в 1886. Во время этой поездки он создал
несколько прекрасных рисунков и полотен, но она закончилась ссорой, во
время которой Ван Гог отрезал себе ухо; вскоре Гоген уехал из Арля.
В начале 1891 Гоген устроил аукцион своих работ, чтобы на вырученные
деньги совершить путешествие на остров Таити. Разочарование во французской
колониальной жизни заставило его направиться в глубь острова. В своих
картинах Гоген создал образы людей, живущих в гармонии с природой, ощущение
земного рая и золотого века человечества. Среди произведений этого периода
его творчества – Манао Тупапау – Следящий Дух мертвого (1892) и Таитянские
пасторали (1893, Санкт-Петербург, Эрмитаж).
Болезнь и нищета заставили Гогена в 1893 вернуться в Париж. Двумя годами
позже он вновь приехал на Таити. В своих последних работах Гоген воплотил
образы идеальной жизни вне времени и пространства.
В 1898, почти лишенной средств к существованию, в полном отчаянии, Гоген
пытался покончить с собой. В 1901 он перебрался на остров Доминик
(Маркизские острова), где, больной и одинокий, умер 8 мая 1903
Альфред Сислей (1839-1899). С появлением картин Сислея не связано особых
сенсаций, но это ничуть не снижает неоспоримой ценности и своеобразия его
творчества.
По месту рождения и склонностям неотделимый от Франции, он, тем не менее,
до конца жизни числился англичанином по происхождению. Родившийся в Париже
и восемнадцати лет, посланный в Англию учиться коммерции, Альфред вместо
того увлекся живописью.
По возвращении в Париж Сислей поступил в мастерскую художника Глейра, где
подружился с Клодом Моне и Огюстом Ренуаром. Скоро разочаровавшись в
академическом обучении, все четверо бросают занятия у Глейра. Намереваясь
найти прекрасное в обычном, молодые новаторы поселились в Шайи близ
Фонтенбло. С тех пор навсегда определились мотивы Сислея - изображению
столицы он предпочитает ее скромные окрестности и малоприметные уголки
провинциальных городов. В 1866 году Сислей работает в Марлотте с Ренуаром.
Во время франко-прусской войны Сислей как британский подданный находился
в Лондоне, где завязал весьма полезное знакомство с Дюран-Рюэлем, который
вскоре стал покровителем всех импрессионистов, устроителем их выставок в
своих галереях во Франции и за рубежом.
В отличие от своих предшественников, писавших пейзаж с натуры, но
предпочитавших завершать картину в стонах мастерской, Сислей с товарищами
весь процесс создания картины переносят на природу. В непосредственности
натурного этюда они нашли неисчерпаемые живописные возможности, которые
привели к невиданному доселе высветлению палитры, к господству чистых
несмешанных красок.
Как всех импрессионистов, Сислея в картине занимает не сюжет, а тончайшие
особенности природных состояний, света и цвета. Ненасытный в постижении
мастерства, художник не стыдился учиться у сверстников. Так, вместе с
К.Писсарро он писал зимние пейзажи в Лувесьенне ради изучения открытых
импрессионистами рефлексов и цветных теней, в другое время живопись Сислея
находилась под воздействием Ренуара и Клода Моне. Тем не менее, его
собственная утонченная индивидуальность прорывалась сквозь все влияния
благодаря особой неповторимости его контакта с природой, более
уравновешенного, непритязательного и естественного, чем у друзей.
Сложившись к началу 80-х годов, манера Сислея, не в пример Писсарро или
Мане, впоследствии мало менялась. Сдержанный и застенчивый, сосредоточенный
исключительно на работе, художник испытывал мало интереса к декларациям и
еще меньше к воспринимавшей импрессионизм буржуазной публике и мнению
профессионалов, еже вечерне разговаривавшихся в парижских кафе. Тем не
менее, именно его, молчаливого, но неизменно надежного, выбирали обычно в
комиссии по устройству выставок и для принятия важнейших для всей группы
решений.
После бульвара Капуцинок Сислей участвовал в импрессионистских
экспозициях 1876 и 1877 годов, но затем отошел от выставок. Всецело
отдавшись одной живописи, общаясь только с семьей, он ведет полунищее
существование, получая ничтожные суммы за свои картины и все глубже увязая
в долгах. Но главное, возрастает его одиночество и отчуждение от коллег. С
1882 года Сислей вообще оставляет традиционные встречи импрессионистов.
Радостный свет остается только в его пейзажах.
И в 90-е годы художник не добился того успеха, какой к тому времени
обрели Писсарро, Ренуар и Моне. В 1897 году Сислей делает последнюю
отчаянную попытку вырваться из забвения при помощи персональной выставки.
То, что критика и на нее ответила дружным молчанием, стало для живописца
последним ударом. Тогда только он вспомнил о товарищах юности и вызвал
одного из них для прощания. Через шесть дней по приезде Клода Моне - 26
января 1899 года Альфред Сислей угас в городке Морэ.
Камиль Писсарро. (1830–1903), Родился в местечке Шарлотта-Амалия на
острове Сент-Тома (Виргинские острова) 10 июля 1830. В 1855 Камиль Писсарро
уехал во Францию и стал художником.
Уже в конце 1860-х годов он писал пейзажи, в которых особое внимание
уделял изображению освещенных предметов в воздушной среде. В отличие от
Клода Моне, Писсарро не ограничивался пейзажной живописью, а часто
обращался к сценам из жизни крестьян Понтуаза, где он жил с 1872 до 1882.
Писсарро обвиняли в подражании Жану Франсуа Милле; однако, в отличие от
романтического реализма последнего, живопись Писсарро кажется гораздо более
натуралистичной.
В последние годы жизни, несмотря на ухудшение зрения, художник создал
серию видов Парижа, которая является одним из высших достижений
импрессионизма в передаче света и атмосферных эффектов.
Многочисленные рисунки и гравюры Писсарро не имеют равных среди
произведений импрессионистов.
Умер Писсарро в Париже 13 ноября 1903.
Импрессионизм утверждал красоту повседневной действительности во всем
богатстве ее красок и постоянной изменчивости, разработал законченную
систему пленэра, добившись впечатления сверкающего солнечного света,
вибрации световоздушной среды. Живописная система импрессионизма отличается
разложением сложных тонов на чистые цвета, как бы смешивающиеся в глазу
зрителя, богатством рефлексов и валеров, цветными тенями. Под влиянием
импрессионизма развивалось творчество многих живописцев других стран (К.А.
Коровин, И.Э. Грабарь в России). В скульптуре импрессионизм наиболее ярко
проявился в работах М. Россо в Италии, О. Родена во Франции, П.П.
Трубецкого и А.С. Голубкиной в России. В литературе черты
импрессионистического стиля (предпочтение “впечатления” —
непосредственного, мимолетного, изменчивого — как основного средства в
передаче предмета, события, переживания) свойственны прозе братьев Ж. и Э.
Гонкуров, К. Гамсуна, поэзии импрессионизм Анненского, К. Бальмонта.
Импрессионисты обновили колорит, они отказались от темных, земляных
красок и наносили на холст чистые, спектральные цвета, почти не смешивая их
предварительно на палитре. Они вышли из темных мастерских на пленэр (франц.
Plein air - вольный воздух). Характерна также и краткость, этюдность
творческого метода импрессионистов. Ведь только короткий этюд позволяет
точно фиксировать отдельные состояния природы.
Опыт импрессионизма был успешно освоен в других видах искусства: в
скульптуре, где формы отличались нарочитой пластической незавершенностью,
передачей мгновенного эффекта движения. В музыке (К. Дебюсси) и в
литературе (Ж. И Э. Гонкуры, Ж. Гюисманс, Г. де Мопассан). В целом,
импрессионизм не оставил единой школы, особого художественного стиля, хотя
многие его художественные открытия вошли в современную эстетическую
культуру.
Использованная литература:
Импрессионисты. Истоки современной живописи. Музеи и галереи. Франческо
Сальви
Импрессионизм. Хилл Я.
Эдгар Дега. Письма. Воспоминания современников. 1971г.
Сто памятных дат. 1989 г. Петрончук.
Художественный календарь. Ежегодное иллюстрированное издание. 1996 г.
Мане. Джованни Николетта (изд. «Белый город»)
Импрессионизм. 1999 г. Шарль Дебуар. (изд. «Белый город»)
Содержание.
Вступление
1
Эдуард Мане
2
Клод Моне
3
Огюст Ренуар
4
Эдгар Дега
6
Винсент Ван-Гог
7
Поль Гоген
8
Альфред Сислей
9
Камиль Писсарро
11
Заключение
11
Список использованной литературы
13
|Экзаменнационный реферат |
|На тему «Имрессионизм» |
|Ученицы 9 класс «Б» |
|школы №1260 |
|Ковалевой Элины. |
| |
Реферат на тему: Искусство
Египет
Древнее царство 30-23вв. (распад)
Среднее 21-18 вв. (гиксосы)
Новое 16-11вв.
Позднее 10 в – 343г. до Р.Х.
Изолированная цивилизация. Искусство завязано на заупокойном культе. Шакал
Анос – проводник в загробное царство. Это нац.религия. Политеизм. Сначала –
насколько номов со своими триадами богов, потом, оставались боги
побеждающих номов. Остались Нижний и Верхний – Амон + Ра = Амонра. Ра – бог
солнца, Осирис – предвосхитил Христа, Исида – материнства, плодородия,
Хатор – богиня неба, Тот – бог Луны и времени. Ка, Ба.
Архитектура
Только гробницы, т. к. остальные сооружения – деревянные. Пирамиды. Сначала
– холм, обложенный плитами – мастаба. Потом достраивались ступени. У
египтян – колонны – декор ф-ии.
Первая – Джосера 26 в (60м). Была окружена комплексом погребений. Имхотеп –
её создатель, обожествлённый впоследствии.
Снофру в Медуме. 26в. (75м). Первая классическая после мастаба. Рухнула из-
за большого угла.
Для Снофру в Дахшуре (100м)
Комплекс в Гизе. 26 в. 4-ая династия. Хеопса (146м), Хефрена (143м),
Микерина (80м). Последняя – на возвышении. Сфнкс – Хеопс (20 м).
Геометризм. Соперничество с природой. S=52 900м2 2300000 глыб по 2,5 тонн.
Возводили 100 000 чек 20 лет – по Геродоту.
Углубление пирамид. Комплекс пирамид в Мироэ (н.цар.)
Н. и Ср. царств. – акцент на храмовую арх. Храм Хатшепсут в Деир-эль-
Бахари. Арх. Сенмут 15 в.
Храм Амона в Карнаке 15-13 вв. Бараноголовые сфинксы.
Храм Амона в Луксоре. Злдчий – Аменхотеп Младший 15 в.
Храм Рамзэса II в Абу-Симбеле 13 в. на восток Статуи-20м
Изобразит. искусство
Алебастровый сосуд. (Гробница Тутанхамона)
Плита царя Нармера ~ 30 в. из Гиераконполя. Каир. Египетский стиль
изображения фигур.
«Ти, наблюдающий за охотой на гиппопотама». ~ 24 в. Гробница Ти. Саккара
Барельеф
Фараон Микерин с женой. Гиза. 2571. Бостон.
«Кормление ориксов». ~ 1920. Гробница Хнемхотепа.
Крышка гроба Тутанхамона. ~1340. (250 фунтов). Стиль Эхнат.
Царица Нефертити ~1360 Берлин. 50 см. бюст.
Искусство Крита и Микен и Кикладского архипелага 30-11 вв.
Древнее, среднее и позднее.
На Кикладах – только каменные гробницы. Но среди вещей – мраморные идолы –
женские фигуры со сложенными на груди руками – богиня плодородия Древнего
Востока. Клинообразное тело, овальная голова. Варьируется размер. Кажутся
примитивными, но они – потомки грубых, с женскими атрибутами
палеолитических идолов. Изящные «Девические» фигуры.
Минойское. Самое древнее и богат.
После 20 в возникает письменность, городская цивилиз. с дворцами.
Строительство в Кноссе, Фесте, Маллии. В 17в. – разрушены. Снова выстроены,
в 15в. опять разрушены.
Много мелких помещений, хорошая вентиляция, изящная роспись, качественная
кладка, но колонный – всегда из дерева (ствол, сужающийся книзу, капитель-
подушка). Главные сцены изображения – птицы и животные, обитатели моря,
роскошная растит. Фреска в покоях королевы с изобр. Дельфинов и рыбы.
«Фреска с тореодором» ~1500 – религ. ритуал.
Микенское. Микены – крупнейший город на побережье. До 16в. – бронзовые
орудия и глиняная посуда, но после появляются «гробницы-улья». Расцвет –
13в. «Сокровищница Атреев» 1300-1250 Аккуратные каменные блоки. Дворец –
крепость на холме. «Львиные ворота». Гигантские глыбы вызывали страх у
потомков. Над воротами – барельеф львов. В фигурах – влияние Передней Азии.
Ордер
3, но на самом деле 2, т. к. коринф. – разновидность ионич.
Портик. Порта – ворота. Колонн – чётное число. Искажения: антаблемент и
стилобат вогнуты, интерколоннии сужали, т.к. они на фоне тёмной целлы.
Каннелюры – для передачи силы вертикальными линиями. Для напряжения – на
1/3 высоты – утолщение (энтазис). Капитель – расплющенное дерево. Желобки
триглифов – движение каннелюров.
Дорич. – самый др. 3 части: ступенчатая платформа, колонны, антаблемент.
Основание – стереобат, стилобат (на нём стоят колонны); колонны – ствол с
каннелюрами, капитель (эхин и абак); антаблемент состоит из архитрава
(продольная балка), фриза (перемежающиеся триглифы и метопы) и карниза
(фронтон (двухскатная крыша), тимпан, наклонный слезник и сима). Отношение
d/h = 1/6.
Ионич. – вытянутые пропорции, наличием базы, валютой вместо эхина,
трехчастным архитравом и единым фризом. Отношение d/h = 1/7. Коринф. – ещё
вытянутее. Капитель стилизована под корзину с цветами. d/h = 1/8.
Предположение, что ордер заимств. у египтян – вывернутый храм, традиционная
имитация дерева.
Храм Гефеста. нач. 5 в.
Храм Посейдона. Пестум. 5в.
Овический орнамент под капителью дор. ордера.
Храм Геры (1). Пестум. 6в.
Храм Конкордии в Акраганде ( 2 пол 5в.)
Акрополь
Иктин и Калликрат. Акрополь (5в.). Перикл решил не восстан. старые храмы, а
построить новый комплекс после персид. войны. Это расцвет классич.
искусства. Основной храм – Парфенон. Всеобщие шествия. В 3 год олимпиады –
больш. Панафинеи - новый пеплос Афине Парфенос (девы). Статуя Геры (12м) –
Фидий в хрисо-элефантинной технике. Через Пропилеи (Мнесикл) (парадные
ворота), мимо Афины Промахос, вокруг Парфенона (идея со всех сторон). На
утёсе – храм Ники апторос (бескрылой). Парфенон (448-432) – 31x70м. Колонны
– 10,5 м. Образ торжественности, праздничности. Равновесие пластики и
простр. Маленький антаблемент. 2 части внутри – задн. (архив,
сокровищница), передняя – П-образн. колоннада (ионическая). По фризу –
изобр. Панафиней. Напротив Парф. – Эрехтейон (421-406). На старом
светилище. Посвящён 3 богам – вост. портик – Афине (глухой), сев. –
Посейдону (глубокий), южн. – Эрехтее (портик кареотид).
Скульптура архаики 7-6в
Стоящий юноша (курос)~ 600 Мрамор. Метрополитен. Очень похож на Микерина,
но греки уже отошли от камня и делают людей, а не статуи. Широко открытые
глаза и взгляд.
Девушка (кора) в дорическом пеплосе. ~530. Афины. «Архаическая улыбка».
Кого они изображали? Это герои - среднее между богами и людьми.
Устанавливались на могилы.
От египтян и Азии заимствовано и монумент. иск. Основное «поле» - фронтон.
«Битва богов и гигантов». Дельфы. ~ 530. Повествовательный х-р, как в
Египте. Чем ближе чек – тем объёмнее.
Позже от групп отказываются. «Умирающий войн» фронтон храма Афайи в Эгине.
~ 490. Органичное и естественное тело, Благородство и твёрдость духа при
смерти воплощаются в великолепных линиях тела.
Скульпт. высокой классики 5в.
Греки научили свои статуи «стоять вольно». Стоящий юноша «Мальчик Крития».
~ 480. Афины. Стоит мягче. Тяжесть на одну ногу (равновесие). Изменение
пластики тела. Нужда в «арх улыбке» - признаке жизни – отпала. Задумчивое
выражение.
Лучшая из статуй такого стиля – более 2м. Обнажённый бронзовый Посейдон
(Зевс) с трезубцем (молнией) в руке. 460г. Грозный жест. Поза атлета.
Монументальная скульпт. тоже изменяется. «Умирающая Ниобида»~440. Рим.
Настолько гармонична, что догадаться о первоначальном предназн. Для
фронтона сложно. Оскорбила Мать Артемиды и Аполлона, что её дети – лучше.
Стрела поразила её в спину. Нагота – драматический приём (первая известная
женская). Переживания и на лице.
Самая большая группа – Остатки фронтона Парфенона. «Три богини» ~438.
Лондон. Поэзия бытия. Тонкие струящиеся одежды. Особое пространство, т.к.
проработан объём. Сложные позы и естественность. Заключены в рамку фронтона
– позже – нет.
Битва греков с амазонками. ~359. Лондон.
«Ника, развязывающая сандалию». Рельеф храма Ники Аптерос. 409г.
Поликлет. «Дорифор». ~440г. Олимпийский победитель в метании копья. Мотив
движения – поднятая пятка.
Поликтет. «Диодумен». Выгнётость тела, классические пропорции.
Мирон. «Дискобол». Очень сложная пластика. Миг статики между двумя
движениями.
Мирон. «Марсий» вплощение природы. Неловкий жест, патлатость.
Лисипп (Апоксимен). «Атлет, счищающий с себя масло и песок». 2 пол. 4 в.
Рим.
Леохар. «Аполлон Бельведерский» кон. 4в.
Скульпт. поздней классики 4в.
После поражения в Пелопонесской войне, афинская традиция существовала ещё 3
века Общественность ослабевает, личность обособляется. В позднюю классику
тяготение к конкретности переживаний и характерности. Появляются опоры Тела
малоустойчивы.
Пракситель. «Гермес с Дионисом». 4в. Особая мягкость лепки.
Пракситель. «Аполлон». 4в. Охота на ящерицу требует напряжения, но он
неустойчив.
Скопас. «Менада». 4в. Антагонист Праксителя. Страстный, огненный художник.
Его образы – динамичны, активны.
Скульпт. Эллинизма 4-1 н. э.
После распада Империи Македонского, эллинская культура оседает во всех
странах-колониях. Именно вещи, созданные в этот период мы считаем за
канонические.
Ника Самофракийская. 4в. Воплощение радостного пафоса
«Афродита Милосская» Агесандр. 3-2в. не характерна для своего времени. Были
в моде более чувственные, пафосные произв. Она слишком спокойна.
«Алтарь Зевса в Пергаме» ~180. В честь победы над галлами. Страшная битва
богов и гигантов. Как здесь их никогда не трактовали раньше: могучие тела,
запутанная композиция, борющимся тесно, масса подавила пространство. Клубок
тел, а они ещё классические.
Классический облик обретает суховатую импозантность – «камея Гонзаго» 3 в.
Эриния. Фрагмент фриза.
Умирающий галл. Копия с бронзового оригинала 230. Из Пергама. Рим.
Афина и Алкионей. Деталь восточного фасада большого фриза алтаря Зевса в
Пергаме. Берлин.
Греческая ваза.
Виды: Кратер (для разбавления вина), Стамнос, Амфора, Гидрия, Пелика,
Ойнохоя, Килик (из него пили), Лекиф, Канфар, Скифос.
В период архаики: улучшение техники изгот. (рецепт, обжиг), появляются
тонкостенные, гладкая поверхность, стойкие цвета, эстетика форм, традиция
подписывать. 7в. центры – Родос, Самос, Коринф, Афины. Чёрнофигурная
техника. После 6в. краснофигурные.
Дипелонская погребальная амфора.
Ваза Франсуа. 560г. Флоренция. Фигурные мотивы.
Эксекий. Амфора с Ахиллом и Аяксом.
Килик Диониса.
Амфора с ласточкой 5в. ГЭ.
Возвращение с пира. 480.
Девушка у гробницы. 2 пол. 5в. Белофонные лекифы.
Конструктивные основы архитектуры Древнего Рима.
6в. до н.э. Капитолийская волчица – кормилица Ромула и Рэма Римляне –
потомки троянцев, выведенных из горящей Трои.
Римская Аппиева дорога.
Важнейшие нововведения:
бетон - смесь особого песка с бутом слегка смочённая и подогретая.
У греков – стоично-балочная конструкция. Излом. Узкие пролёты
Арка. Сила тяжести – на излом, сила – на распор. Их равнодействующая – по
диагонали. Равнодействующие взаимно уравновешиваются арками.
Градостроительство. Во многих провинциях города – на основе военных
стоянок. В Греции – гипподамова система (улицы под прямым углом), в Риме –
2 пересек. Улицы, в центре кот. Площадь с палатой Каструма. 4 ворот. С вот
на зап – Кардум, с сев. На юг – Декоманум. На римском форуме (площадь)
статуи периодически сносились. Форум Траяна 2в. Симметричная форма в
отличие от прежнего.
Римск арх.1
Акведук Клавдия. 72км. 2000м2 воды в день в Рим. 35 частных. Бассейны,
термы, ванны. Функциональное сооружение.
Гарский мост 1-2вв. р. Гар. Город Ним. h=50м.
Портемаджоре – большие ворота. h=27Система пролётов. 2 больших и 3 малых.
1в. до н. э. Аттик может заменить или сочетаться с фронтоном.
Театр
Ниже греч. Трагедии. Популярен мим.
Театр Марцелла 2 пол. I тыс. Римский театр возвышается над землёй, в
отличие от греч (арка, свод). Грек слит с миро, а римляне выстраивают
стенку за сценой.
Театр Верония. Они любили цирк, а не театр.
Амфитеатр (двойной полукруг) Амфитеатр Флавиев. Колоссеум. 75-80гг. Арена
54x86м, общие оси 156x188. Рассчитан на 70000 зрителей. 80 входов,
разделённых стеной. Правильные сектора. Бои групповые, инд.. В честь победы
над дакками – битвы 2 месяца 20000 чек, 19000 животных. Частные школы,
Капуанская школа. Прокат – 50 цистерциев, за смерть – 800.
Разрез Колизея. Сложная система разгрузочных сводов и балок. Толстые стены,
овальный в плане.
Под ареной пол раздвигается и наполняется водой. Водные бои. Навес
выдвигается
4 яруса. 44м. Декоративный греческий ордер. Полуколонны, хорошо выражающие
тяжесть. Дорич., ионич., коринф., пилястры.
Цирк в Дельфах. Конные бега. Овал. 700м.
Термы и госуд. и частн. Места общения, библиотеки, спортзалы. Термы
Каракаллы. 212-217гг. Главное здание 218x112м 1500чек. Фригидарий –
холодная вода, Тепидарий – тёплая вода. Кальдарий – горячая вода. Крестовые
своды, купола.
Римск арх.2
Виаромана. Дом для плебса. 3-4 этажа. Коридорная система. 1в. 1 этаж –
таберны (лавки).
Дом Альбуция Цельса в Помпеях. 1в. до н. э. Зал атриум – домашнего очага.
Перистильный, солнечный двор.
Дом Фавна в Помпеях. 1в.
Гробница-пирамида Цестия 80г. до н.э.
Мавзолей Еврисапа. конец 1в
Триумфальные арки. Пяты арок – импосты, дуга – архивольт, пазух – тимпан.
Арка Тита 81г н.э. Военная победа над еврейским восстанием. Перекрыта
аттиком. Декоративный ордер. Лепнина, прославительные надписи.
Арка Септимия. Трех пролетная. Центральная вдвое выше и шире боковых.
Арка Константина 315. Трёх пролётная много декора.
Триумфальная колонна Траяна 113. Рим.
Др. Римский храм
Приняли греческий пантеон. Но переоценка богов. Большое количество мелких.
Легко включали чужих. Практицизм в отношениях с богами. Суеверия, гадания.
Популярны древние, таинственные боги Востока.
Следование греческим образцам. Квадратный дом в Ниме (Франция) нач. 1в.
Односторонний стереобат. Глубокий портик – традиция этрусков. Предп.
коринф.
Храм Гесты в Тиволи. Круглый Толосс.
Пантеон. 125г. Гигантский цилиндр, перекрытый куполом и приставленный
глубокий портик – рев-ия. Не декорирован. Диаметр купола=высоте=43м.
Интерьер – богатый – золото, мрамор, цветные камни. Пространство
преобладает над пластикой впервые. Европейская архитектура пошла по этому
пути. Ниши – игра светотени, драматизация. Показать толщину стен, чтобы
оправдать мощь купола Кессоны, чтобы измельчить массу. В верху – бычий глаз
– освещение, вентиляция.
Базилика Константина. 315г. н. э. Христианский храм – суть Базилика.
Вытянутое здание в форме латичнского креста, разделённого на нефы (высота
центрального больше боковых).
Изобразит иск. Рима
Статуя Августа из Примо Порта. В рост, в парадных доспехах. Приветственный
жест. Могущество, энергия, сила, мощь. Необутые ноги- героическая нагота
Троян Музей в Остии.
Портрет старого Патриция.
Римлянин с головами предков 7в. до н. э.
Август I. Грекофильский период. Спокойная сила. 1в.
Император Нерва.
Калигула.
Нерон 60-68гг.
Римлянин из рода Флавиев. Рим. 90г.
Антиной. 1 пол 2в.Эпоха грекофилии. Имп. Адриан. 130-е
Время Марка Аврелия. 180-е. Мужской портрет. ГЭ. Пластика лица.
Интеллектуальная жизнь.
Голова юноши.
Сириянка 80-е ГЭ
Каркалла. 209г.
Константин. 330-е г. Музей Капитолия. Общие идеи. Почти фараон. Египетские
традиции.
Максимилиан Бас. Символизм.
Камея Гонзага. Копия.
Росписи. В Помпеях. Римский иллюзионизм. Имитация объёма, глубины. «Дом
Веттиев». Сложные сочетания архитектуры. 63-79гг.
«Вилла мистерий». Умели писать сложные группы. Позы, ракурсы, знание
анатомии.
Роспись дома в Эсквилине. Рим. «Лестригоны, бросающие камни в корабли
Одиссея». Настенная роспись. 1в до н. э.
Раннехристианское иск-во
Первые росписи в катакомбах.
«Молитва. Статика, разобщённость фигур, отсутствие глубины и объёма.
Простые позы, искажение анатомии, большие глаза. Стремление передать не
жизненные позы, а состояние молитвенного экстаза.
Скульптура Христа
Базилика. Трансепт, средокрестие, алтарная апсида.
Раннее средневековье.
Кельтско-германский звериный стиль. Деталь кошеля из погребения короля
англов близ Саттон Ху в ладье. 625-633. Деревянная голова животного из
ладьи в Осеберге. ~825. Осло.
Искусство Ирландии и Англии. Смесь звериного стиля и христианства.
Ирландские монастыри – средоточие науки и искусства. Страница с
изображением креста из Евангелия. ~700. Лондон. Звериный орнамент.
Скриптории – «типографии» Оформление. «Распятие» - пластина с переплёта.
VIII. Дублин.
Каролингская империя. Основана Карлом Великим. Первое Возрождение. «Одо из
Меца». Капелла К. Великого. Ахен 792-805. «План Сен-Галленского монастыря.
Искусство Оттоновской Германии. «Распятие Геро» ~1000. Дерево. Кёльнский
собор. Традиции Византии. «Собор Св. Михаила».Художественная работа по
металлу.
Романика
Условный термин.
Архитектура. Характерно увеличение размера зданий. Множество новшеств.
Церковь Сен-Сернен ~1100. Тулуз. Сложность плана. Большой объём, 4 нефа.
Разноуровневая крыша, контрфорсы.
Собор в Отёне ~1132. Стрельчатые арки – влияние Ислама.
Церковь Сент-Этьенн. Кан 1068г. Фасад почти без декора, только 4
контрфорса. Изящество.
Дерхемский собор. ~1130. Использован нервюрный, крестовый свод. Сложная
конструкция. 2 вида столбов.
Образец тосканской романики – комплекс в Пизе – Баптистерий, собор и
колокольня. 1053-1272гг. Поднялся трансепт, Купол над средокрестием. Декор.
Скульптура и живопись
Апостол. 1090г. Сен-Сернен. Влияние античности, но византийский источник.
Скульптурное изобр. более реально по сравнению с живописным, но и похоже на
идола.
Скульптура льва 1166. Брунсвик.
Работа с металлом. Рейнер из Гюи. Купель12в. Льеж.
В живописи мало изменений. Жанр книжной иллюстрации. «Св. евангелист Иоанн»
12в. Франция.
«Битва при Гастингсе». 11в. Франция. Вышивка.
Готика
Возникает во Франции и распростран. по всей Европе.
Архитектура.
Аббат Сугерий в сер 12 в. Перестраивает Сен-Дени (духовный центр
королевства). Повсеместен крестовый свод и стрельч. арки. Много света за
счёт контрфорсов. Это не изменённая романика, а нечто новое изначально.
Стремление «воплотить теологию в камне».
Нотр-Дам. Париж. Готика в городе. «Эпоха кафедральных соборов». Продольная
ось симметрии. Короткий трансепт. Изящество форм, использованы аркбутаны.
Стало элементом стиля, хотя имело ф-ии опоры. Геометричность, пропорцио-
нальность. Громздкие башни превращаются в ажурную ширму благодаря декору.
Шартрский собор. Сохранились 180 витржей. Впечатление «эфирного, неземного
света». Предельная каркасная конструкция. Цель – высота.
Реймский собор. Построен вскоре после Нотр-Дама.
Английская готика – тоже разновидность французской, а не местной романики.
Собор в Солсбери сер 13в. – раннеанглийский стиль. Собор растянулся. Башня
на средокрестии взвилась ввысь, а башенки сошли на нет.
Глостерский собор сер 13в.
В Германии готика приживается дольше. Сер. 14в. Церковь Св. Себальда в
Нюрнберге. Тяготение к зальности.
Итальянская готика стоит особняком. Церковь Санта-Кроче 13в. Флоренция.
Деревянный потолок. Готическая эмоциональн.
Флорентийский собор – гражданская гордость. Арнольдо ди Камбио. Особенность
– восьмиугольный купол.
Скульптура
Статуи косяка портала, Шартрский собор. Каждая имеет собств. ось, выдаётся
от стены. Возобновление скульптуры, реалистическая тенденция. Библейские
пророки, цари, царицы; Иисус с евангелистами и апостолами.
«Благовещение и встреча Марии с Елизаветой», западный портал Реймского
собора. 1245г. – вершина готического классицизма.
«Пьета» (Оплакивание Христа). Нач 14в. Дерево. Трагическая
противоположность Мадонне с младенцем
Никколо Пизано «Рождество Христово». Деталь кафедры. Баптистерий.
Джованни Пизано «Рождество Христово», Пизанский собор.
Лоренцо Гиберти. «Жертвоприношение Авраама. Нач. 15 в. Флоренция.
Живопись
Витражи. Новые – готические. Сотни кусочков стекла. «Иоиль 1220. Буржский
собор.
Дуччо. «Вход Господень в Иерусалим». Оборот алтаря Сиенского собора.
Капелла дель Арена. Падуя.
Джотто. «Вход Господень в Иерусалим 1306г. фреска. Падуя.
Симонс Мартини. «Путь на Голгофу». Ок 1340г. Лувр.
Пьетро Лоренцетти. «Рождество богородицы». 1342г. Сиена.
Амброджо Лоренцетти. «Сиенская коммуна» 1340г.
Франческо Траини. «Триумф Смерти». 1325-1350.
Братья Лимбург «Октябрь». 1413-1416. Музей Конде.
Джентиле да Фабриано, «Поклонение волхвов». 1432г. Уффици.
Раннее Возрождение
Возрождение. Сначала только в Италии, потом и на Севере. На территории
Италии традиция полностью не умирает. На севере – романика.
Пизанский комплекс 70-е годы 14в.
Собор Барньетто. Меньше стрельчатых арок.
Дворец дожей 14-15в.
Николо и Джованни Пизано – кафедра Сиенского собора.
Кафедра Пизанского собора нач. 14в. Тяжесть фигур, отсутствие пространства.
Джотто (см. выше) фрески в 4 яруса. Дважды богоматерь на фреск
Поцелуй Иуды.
Оплакивание Христа.
Дворяне высланы за территорию Флоренции. Власть захватили цеховые банкиры,
получившие герцогский титул. Медичи. Флоренция – центр развития искусства.
Создаётся прослойка гуманистов-интеллигентов: Данте, Боккачо, Петрарка.
Основа – филологическая.
3 друга Брунелески (1377-1446) – архитектор. Санта Мария дель Фиоре.
Большой купол, барабан. Фонарик.
Скульптура
Донателло – скульптор. Самая крупная индивидуальность 14 в. «Памятник
Кондотьеру» (военный предводитель города). Гаттамелато. Изображение
сильного, храброго чека. могучий, но спокойный конь – власть наездника.
Индивидуальные внешние черты. В парадных доспехах с непокрытой головой.
Магдалина 56г. Флорентийский собор. Новые идеи и христианская проблематика
измождённого чека. Драматический аспект. Самоистязание.
Гиберти 1388-1458. Восточные врата баптистерия. 1424-1455. Отливка.
Современники: «Райские врата». 5 полей на каждой створке.
Рельеф – жизнь Иосифа. Разноглубокий. Свойственна многофигурность,
подробный рассказ.
Встреча Соломона с Царицей Сафской.
Вероккио 1436-1488. Первый учитель Леонардо. «Кондотьер Коллеони» 1488г.
Венеция «Площадь Джовани и Паола». Боевые доспехи, шлем. Агрессия,
воинственность.
Бернардо Росселино. Скульптурное надгробие Леонардо Бруни (1443-50г.)
Флоренция. Санто-Крочи. Перспектива и ретроспектива в одном.
Антонио Росселино. «Портрет Келлиния». 1456г. Флорентийский врач ~85лет.
Лондон Мрамор.
Майано. Портрет Меллини. 1474г. Флоренция. Внешнее сходство. Роскошные
одежды. Майолика (обожжённая терракота, покрытая эмалью). Этой техникой
владела только одна семья – Белла Роббиа. Капуччини – монастырь (Лика де ла
Роббиа- мастерскаяс эксклюзивной техникой). Очень модный стиль.
Живопись.
Для кватроченто характерна роспись капелл. Семейные храмы. Жития нескольких
святых, перемежающиеся с ветхозаветными сценами.
Мазаччо (1401-1428). Роспись капеллы Бранкаччи 1427-28. «Жития Святых Петра
и Андрея».
«Чудо со статиром». 3 фигуры Петра на фреске. Появляется перспектива.
Открытие прямой перспективы (божественной). Глухая цветовая гамма.
Свободные фесты.
«Изгнание из рая». Драматический сюжет.
«Троица» 1425г. Санта-Мария Новелла.
Пьерро делла Франческа (1410-1492) «Роспись Сан-Франческо в Ареццо» 1452-
59. 3 уровня: Победа Константина над Максимилианом, царица Савская,
распятие
«Благовещение». Тонкий колорист. Тонкое сочетание цветов. Скульптурный
объём фигур.
«Парный портрет герцога Федериго де Монтефельтра с супругой» 1465г. Уфицци.
Живописный портрет в самостоятельный жанр. Читсый профиль. Остранение от
зрителя. Полное внешнее сходство.
Оборот досок – на колесницах едут друг у другу. Это аллегория.
Алтарь Полиптих. Мадонна с ангелами, младенцем и избранными святыми. Sacre
conversazione (святое собеседование). На заднем плане – яйцо на ниточке из
раковины.
Андреа Монтенья (1431-1506)
Северная Италия. «Алтарь Сан-Узено в Вероне». 1456-59 Цельное пространство,
разделённое колоннами
«Мёртвый Христос». Сильный, сложный ракурс. Жёсткая, безвоздушная живопись.
Страшное, мёртвое тело.
Роспись камеры дель Испози (1464-75). Мантуйя. Комплекс светских росписей.
«Чета герцогов Мангуанских».
Приезд к герцогу его сына – кардинала. Обзор владений кардинала.
Антанелло да Миссина (1430-79) Работал в основном, как портретист. Чистый
жанр. Полуповорот. Погрудные мужские портреты.
Св Себастьян 1475. Дрезден. Символическое изображение христианских
мучеников. На отвлеченном городском фоне. Обломок колонны у ноги –
сломленное язычество.
Поллайоло. «Св Себастьян». 1475. ЛНГ.
Ботичелли (1444-1502) Утончённо-придворный стиль. «Рождение Венеры» 1485.
Уфицци.
Весна. 1478г. Уфицци. Плавный танцевальный ритм, особое изящество.
Мадонна де Магнификат 1488. Тондо (круглый формат) Меланхолия.
Благовещение. ГМИИ
Джованни Беллини (1430-1516). Венеция. «Мадонна с деревцем 1487г. Венеция.
Причная пирамидальная композиция. Выражения пятнами.
«Душичитилище» 1490. Уфицци Активная роль пейзажа в Венеции Спокойные воды
р. Леты.
Венецианский дож – «Леонардо Лоридане» 1490-е Развитие портрета Всё больше
поворот лица. Почти поясной портрет.
Фра Биата Анжелико. «Снятие со креста». 1440-е годы. Средневековые
элементы. Сказочное впечатление.
Высокое возрождение
Архитектура.
«Храм в Тоди». 1500. Стираются региональные различия. В И | |
