|
Реферат: Творчество Марка Шагала (Искусство и культура)
Гастиловичская средняя школа
Творчество Марка Шагала и его оценка
(реферат)
Руководитель__________________
Выполнил(а)___________________
Гастиловичи, 2001
Биография
«Наперекор всем трудностям нашего мира во мне сохранились часть той
одухотворенной любви, в которой я был воспитан, и вера в человека,
познавшего Любовь. В нашей жизни, как и в палитре художника, есть только
один цвет, способный дать смысл жизни и Искусству, Цвет Любви.»
Марк Захарович Шагал
Введение
Марк Захарович Шагал родился 24 июня (6 июля) 1887 года в городе
Витебске в семье торговца селедкой. Всего в семье было восемь детей. Марк
был первенцем. Первоначальное образование получил в хедере. Осенью 1900
года Шагал поступил в городское четырехклассное училище с ремесленным
классом. В 17 лет он "оставил" это учебное заведение.
Несмотря на то, что для Марка учеба не была любимым делом, именно в
это время в нем проснулся интерес к живописи. Юношу принимает в свою студию
знаменитый витебский художник Юдель (Юрий) Пэн. Только два месяца посещает
Шагал эту студию, добросовестно срисовывая гипсовые головы и орнаменты,
строго повинуясь всем требованиям и указаниям учителя. Но этих месяцев
оказалось достаточно, чтобы маэстро полюбил своего ученика. Что же касается
Шагала, то он до последних дней своей жизни боготворил своего первого
учителя.
Уйдя от Ю. Пэна М. Шагал стал работать ретушером, но живопись по -
прежнему являлась главным в жизни молодого человека. Вместе с Ю. Пэном он
ходил на этюды. В 1907 году М. Шагал уезжает в Петербург на учебу. Не
поступив в училище искусств и ремесел барона Штиглица, он отправился в
школу при Обществе поощрения художеств. Здесь его приняли, а учил Н. Рерих.
Два года, проведенных в этом учебном заведении Марк Захарович впоследствии
назовет потерянными напрасно. В 1910 году он переходит в школу искусств Е.
Званцевой. Его учителями здесь были Леон Бакст и Мстислав Добужинский.
Но одним из первых заметил, выделил и стал покровителем начинающего
Шагала известный русский юрист и общественный деятель Максим Винавер.
Именно он осенью 1910 года предоставил Марку Шагалу стипендию в размере 125
франков в месяц для продолжения учебы во Франции. Шагал поселился в
знаменитом "Улье" на Монпарнасе. Уже в мае 1914 года в берлинской галерее
журнала "Штурм" состоялась персональная выставка М. Шагала. А месяц спустя
он возвратился в Россию.
25 июля 1915 года состоялась свадьба М.Шагала с Беллой (Бертой)
Розенфельд, дочерью богатого торговца ювелирными изделиями. М. Шагал с
юношеской страстью любил свою Беллу все 29 лет их совместной жизни. Она
была для него не только любимой женщиной, матерью его дочери и
хранительницей семейного очага, а и вдохновительницей.
"Марк и Белла"
Познакомились Шагал и Бела (Берта) в конце лета в 1909 году. Бела
только что вернулась из-за границы. Была в Вене, Берлине. Пришла рассказать
подруге Тэе Брахман о своих впечатлениях.
Тэя жила на берегу Двины, недалеко от вокзала, на тихой улице с окнами
на проезжую часть. Бела часто приходила к подруге. Дружили родители. У Тэи
дома играли на фортепьяно, на скрипке. Ставили театральные пьесы и "живые
образы". Была состоятельная семья. Судя по всему, с Тэей Шагала познакомил
Виктор Меклер, художник, который ездил вместе с ним в Петербург.
Познакомились, когда Тэя училась в Петербурге, она позировала ему. Нанимать
натурщицу было дорого. Виктор Меклер был тоже из состоятельной семьи. Шагал
его учил рисовать. В доме была Тэя и Шагал.
"Удивили его глаза, я вижу, они голубые, как небо. Глаза удивительные,
не такие, как у всех, продолговатые, похожие на миндаль... Я никогда не
видела таких глаз, разве только на иллюстрациях к сказкам про зверей. Рот
приоткрыт, не знаю, или он хочет, что-то сказать, или укусить белыми
острыми зубами. Все в нем от движений затаившегося зверя". "О чем он
думает? Я вижу как глубокая морщина прорезает его лоб. Он приближается ко
мне. Я опускаю глаза. Никто не говорит ни слова. Мы оба чувствуем, как
стучат наши сердца".
"Он разговаривает! Разговаривает со мной! Он не боится молчания! Он
убивает меня! Я ничего не понимаю, он же не знает меня. Что ему от меня
надо."
"Лицо парня живет во мне, как мое второе "Я", дышит рядом, его голос
звучит в моих ушах. Мне доводилось встречать художников в нашей компании,
но ни у кого не было такого лица..." - позднее напишет Бела Розенфельд
(Шагал) в книге своих воспоминаний.
Вторая встреча произошла на мосту. Марк, Тэя и ее собака Маркиз пошли
гулять. Встретили Белу.
"Он говорит со мной так, словно видит меня каждый день. Он совсем
нестрашный. У него спокойный сдержанный голос. Его ласковая и теплая рука
уже не такая чужая. Он уже не смеется с меня. Я смотрю на него. Кучерявые
волосы выбиваются из-под шапки, развиваются словно он хочет улететь вместе
с ветром. Его глаза смотрят прямо в мои глаза. Я опускаю голову."
"Я хочу очутится дома. Но ноги не слушают меня. Он мой проводник. Я
иду вместе с ним. Он не такой страшный, как я думала. Он рядом со мной,
сильный, как крестьянин, словно берет свою силу от стальной реки."
Они стали встречаться. Много гуляли по берегу реки. Шагал отлично знал
реку, берег. Однажды Бела попросила брата Менделя сходить с ней вечером
погулять и попить сельтерской воды в магазин Будревича, который находился
рядом с вокзалом. Снова встреча с Шагалом. "Я стою рядом с ним. Я ждала
его? Искала? Меня трясет. От него я теряю рассудок. Раньше я была такая
спокойная, жила в тишине нашего дома, читала книгу за книгой, избегала
людей, как злых духов, пряталась за шторами от братьев и их шуток. И вот
приходит молодой человек, его слова ударяют меня, как гром, и разрушают
спокойствие моих дней."
Бела Розенфельд родилась 15 декабря 1895 года в Витебске в купеческой
семье. Была самой младшей в семье. Каждый класс гимназии заканчивала с
золотой медалью. Братья учились в религиозной школе (ешиве) и не мечтали о
светской школе. Бела продолжила образование в известной московской школе
Герцье: изучала историю, философию и литературознание. Потом занималась
актерским мастерством в одной из студий Станиславского.
Родители жены имели три ювелирных магазина в Витебске. Продавались
золотые и серебряные украшения, часы и т.д. Один магазин в самом центре
перед мостом через Витьбу, на углу Смоленской и Подвинской улиц. В этом
доме была одна крупнейшая и фешенебельная гостиница "Брози", по имени
швейцарского кондитера Христиана Брози, которому долгое время принадлежал
этот дом, кондитерская и ресторан "Жан Альберт", писчебумажный магазин Ш.
Яхнина и ювелирный Ш. Розенфельда, второй магазин - на Вокзальной, третий -
на Замковой. "Я писал, писал, а кончилось тем, что как я ни противился
пышной церемонии, но в один дождливый вечер оказался героем брачного
обряда, под свадебным балдахином - точно, как на моих картинах. Получил
благословение - честь по чести." Свадьба была 25 июля 1915 года. "После
свадьбы новоиспеченные шурины отвели меня домой, а их сестра - моя жена,
осталась под родительским кровом. Так требует строгий обряд."
Марк с первых дней с большим уважением относился к мнению Беллы. "Ни
одной картины, ни одной гравюры я не заканчивал, пока не услышу ее "да" или
"нет". ("Моя жизнь" стр. 119). Беле посвящена большая серия работ:
"Прогулка", "Над городом", "Серые любовники", "Свадьба", "Зеленые
любовники", "Голубые любовники", "Бела в черных перчатках", "Бела с
виолончелью", "Бела с шалью" и другие.
Возвратившись в Россию летом 1914 года для женитьбы, М. Шагал не смог
из-за начавшейся вскоре 1-ой Мировой войны вновь уехать в Париж. Его
мобилизовали в армию. В этой ситуации помог брат Беллы, возглавлявший один
из отделов Центрального военно-промышленного комитета в Петрограде. Работа
в нем заменяла военную службу, поэтому новоиспеченный родственник забрал в
свой отдел художника. Чиновничья служба совсем не привлекала Шагала, но
зато давала ему возможность периодически ездить в Витебск и проводить там
немало времени.
Октябрьские события 1917 года застали М. Шагала в Петрограде. Его
кандидатуру выдвигают в министерство искусства. Но месту в министерстве
Шагал предпочел родной город.
В Витебске Марк Шагал появился в сентябре 1918 года с мандатом
уполномоченного по делам искусств Витебской губернии. Главной задачей,
которую поставил перед собой М. Шагал - организация Художественного
училища. И благодаря огромному энтузиазму и ходатайствам М. Шагала училище
было открыто в конце 1918 года. Официальное открытие учебного заведения
состоялось 28 января 1919 года. Возглавил народную художественную школу по
просьбе Марка Захаровича его учитель по училищу Е.Званцевой Мстислав
Добужинский, а сам М.Шагал - одну из мастерских.
В феврале 1919 года М.Добужинский возвратился в Петроград. М.Шагалу
пришлось самому возглавить учебное заведение. В стенах училища были
представлены и свободно функционировали руководства и мастерские всех
направлений от "левых" до "правых" включительно, что и привело к
разагитации аудитории Шагала. 29 июля 1920 года Марк Шагал вместе с семьей
уехал в Москву, совсем не подозревая о том, что навсегда расстается со
своим любимым городом.
В конце мая художник отправляется в Каунас для организации там своей
выставки. Переехав летом 1922 года из Каунаса в Берлин, Марк Шагал
познакомился там с владельцем картинной галереи и издателем П.Кассирером,
который решил издать мемуары художника с его собственными иллюстрациями. Из-
за заминки с переводом текста на немецкий язык в 1923 году Кассирер издал
только иллюстрации в виде отдельного альбома. Первое полное издание
мемуаров было осуществлено в 1931 году парижским издательством "Сток" в
переводе на французский Беллы Шагал. С тех пор "Моя жизнь" М. Шагала
неоднократно переиздавалась на многих европейских языках. На русском языке
она была впервые выпущена в 1994 году московской фирмой "Эллис Лак" и
проиллюстрирована рисунками и офортами "Дом на Песковатиках", "Улица", "Дом
на улице Покровской", "Витебск. Железнодорожная станция" и др.
Оставшись по воле случая навсегда за границей, Марк Захарович 15 лет не
принимал французского гражданства, все еще надеясь когда-нибудь вернуться
на родину.
В 1941 году, чудом вырвавшись из рук фашистов в оккупированной ими
части Франции, он уехал в США. Активно сотрудничал с комитетом помощи СССР,
передал ему несколько своих работ. Узнав о страшной судьбе родного города,
который за три года немецко-фашистской оккупации был почти полностью
разрушен и потерял все население, Шагал написал "Письмо моему родному
Витебску", которое было опубликовано 15 февраля 1944 года в одной из
американских еврейских газет.
Витебские улицы и площади, памятники архитектуры и влюбленные
изображены на многих работах Марка Шагала. Выступая на открытии выставки в
Третьяковской галерее летом 1973 года, он сказал: "У меня нет ни одной
картины, на которой вы не увидите фрагменты моей Покровской улицы. Это
может быть, и недостаток, но отнюдь не с моей точки зрения." Родной город
стал тем источником, из которого Марк Захарович всю свою долгую жизнь
черпал вдохновение и сюжеты для работ.
За свой долгий век (прожил 98 лет) Марк Шагал многое познал: неудачи и
успех, полуголодное существование и материальное благополучие, равнодушие и
всемирную славу. Только одного при жизни он был полностью лишен - признания
на родине. И очень из-за этого страдал. Но времена меняются. В январе 1991
года прошли первые Шагаловские дни. В июне следующего года на Покровской
улице открыт памятник художнику, а на его домике - мемориальная доска.
Проводятся в Витебске Шагаловские пленэры и музыкальные фестивали.
Дмитрий Сарабьянов,
доктор искусствоведения
МАРК ШАГАЛ
На земле и в небесах
Марк Захарович Шагал прожил без малого сто лет (1887--1985) и лишь
немногим больше трети этого срока провел в России. Его детство и юность
прошли в Витебске. В 1910 году он на четыре года уехал во Францию, затем
вернулся на родину, жил в Витебске, Петербурге и Москве, а после этого
эмигрировал из Советской России и многие годы провел в Берлине, в Париже, в
Соединенных Штатах Америки и под конец вновь во Франции на берегу
Средиземного моря. Большая часть творческой жизни была отдана Франции, и во
многих энциклопедиях мира после имени Шагала стоит название страны, которой
он принадлежит, -- Франция. По этому поводу сам художник говорил: "Меня
хоть в мире и считают интернационалистом и французы берут в свои отделы, но
я считаю себя русским художником, и это мне приятно" (Из письма Марка
Шагала Павлу Эттингеру).
Когда смотришь на картины художника, сначала приходит мысль, что все
свои годы он летал где-то в небесах, а если и ходил по земле, то по такой,
которая живет по каким-то своим особым, неизвестным нам законам, не ведая
современной цивилизации. На самом-то деле Шагал всегда пребывал в одной
стране -- в родном Витебске, рисовавшемся его памяти и сознанию не
губернским городом старой России, а захолустным, хотя и фантастическим
еврейским местечком -- со своими привычками и традициями, со своими тонами,
цветами и запахами. В Париже ему чудился Витебск, а когда под старость он
приезжал в Иерусалим, чтобы создать там витражи для синагоги, перед его
глазами вновь возникали покосившиеся строения и домашние звери из детских
снов.
Слова Шагала, что он русский художник, сказаны им неспроста. Его
творчество могло возникнуть только в России. Образный мир его картин
наполнен контрастами и противоречиями, содержит в себе абсурд в таком
чистом виде, какой мог сложиться лишь на русской земле. В число
свидетельств русского абсурдизма, как известно, входил, еврейский вопрос.
Лишенные элементарных гражданских прав, евреи в старой России жили
обособленно, замкнуто, соблюдая свои обычаи, тщательно исполняя религиозные
обряды, жившие в их сознании, сохраняли память о своей великой истории. Эта
память народа и собственная память легли в основу творчества Шагала.
Они соединились с необыкновенной фантазией, присущей художнику, и с
той прямотой взгляда на мир, которая позволила Шагалу открыть великую
правду в самых простых и обыденных явлениях, хотя и переселенных его волею
с земли на небеса. Сила его искусства была так велика, что она позволила в
полный голос говорить о вкладе в мировую культуру российского еврейства,
которое к рубежу столетий стало активной творческой силой.
Cудьба Шагала как художника сложилась чрезвычайно своеобразно. Он
фактически нигде не учился, хотя и не подолгу занимался в витебской школе
художника Ю.Пэна, в Петербурге в школе Е.Званцевой, где преподавали
знаменитые мастера Бакст и Добужинский, а в Париже в частных академиях
«Гранд Шомьер» и «Ла Палетт».
Молодой Шагал, как уверяет он сам, всюду чувствовал себя чужим. Ему
претили светскость и манерность, «А я -- сын рабочего, -- писал он в
воспоминаниях, -- и меня часто подмывает наследить на сияющем паркете».
И хотя позже Шагал выставлял свои произведения вместе с Бакстом в
«Мире искусства» и был вхож в дома самых утонченных интеллектуалов мира, он
следил, где мог -- грубыми, как казалось многим, красками и мазками,
вывернутыми линиями, перекрученными головами своих персонажей, бесстыдно
растопыренными ногами женщин. Но с миром культуры Шагал общался не в
светских гостиных, а на высшем уровне.
Перебравшись в 1910 году из Петербурга в Париж, обосновавшись со
временем в знаменитом «Улье» -- здании бывшего выставочного павильона, где
нашли себе приют мастерские парижан Леже, Модильяни, Сутина, позже ставших
знаменитыми, он вошел в круг лучших поэтов, художников, критиков Франции
(Робер Делоне, Блез Сандрар, Макс Жакоб, Гийом Аполлинер). В художественной
столице мира молодой витебский еврей оказался среди избранных, хотя это
обстоятельство никак не переменило направления, в котором он двигался с
первых шагов своей художнической деятельности.
Творческое развитие художника трудно объяснить, исходя из привычных
стилевых категорий, установившихся в представлениях о европейском искусстве
первых десятилетий ХХ века. Шагал оказался рядом с основными направлениями
живописи или в промежутке между ними, но ни одному из них практически не
принадлежал. В России до отъезда в Париж он успел соприкоснуться с русским
неопримитивизмом, и в его раннем творчестве можно заметить следы влияния
Натальи Гончаровой. Он участвовал в выставках «Бубнового валета» и
«Ослиного хвоста», но к числу русских неопримитивистов его вряд ли можно
причислить.
В Париже Шагал вплотную приблизился к кубизму, выполнил несколько
произведений в кубистической системе, но кубистом не стал. Опыт футуризма
достался ему из вторых рук.
В Италии он не побывал, но Париж не зря слыл художественной столицей
мира: там работали некоторые итальянские мастера, да и в орфизме Делоне
футуризм (с его совмещением разновременных эпизодов в одном времени) вошел
в золотой сплав французской живописи.
Один из друзей художника сообщал ему из Германии об успехе, какой
имела его выставка 1914 года в берлинской галерее «Штурм». Он писал: «Твои
картины породили экспрессионизм». Оставим такое суждение на совести автора
этих слов. Мы знаем, что экспрессионизм в Германии появился раньше и Шагал
в его развитии не участвовал; но многие черты его творчества сближают его с
искусством экспрессионизма. В таких же отношениях оказывается он и с
сюрреализмом. Пожалуй, нет ни одного значительного стилевого направления
первых десятилетий ХХ века, с которым нельзя было бы сблизить искусство
Шагала.
И вместе с тем ни в одно из этих направлений он не входит. Словно
Всевышний услышал голос молодого художника и откликнулся на его мольбу. Сам
Шагал так вспоминает о том трудном времени, которое предшествовало его
отъезду из Витебска: «Я бродил по улицам, искал чего-то и молился:
«Господи, Ты, что прячешься в облаках или за домом сапожника, сделай так,
чтобы проявилась моя душа, бедная душа заикающегося мальчика. Яви мне мой
путь. Я не хочу быть похожим на других, я хочу видеть мир по-своему».
Он и увидел его по-своему. Уже самые ранние его работы, выполненные до
отъезда в Петербург, такие как «Смерть» (1908), «Рождение» (1909),
«Свадьба» (1909), предрекают или уже несут в себе существенные качества
шагаловского искусства. Без колебаний, без робких предварительных проб
художник прикасается к самым главным звеньям человеческого бытия. Простая
правда, без прикрас, смотрящая вам в глаза, словно продравшаяся сквозь
фантастические сновидения, а скорее вызванная ими к жизни, -- именно такое
впечатление производят эти произведения.
Уже здесь, а чем дальше, тем больше, шагаловские герои ведут себя
странным образом: сначала они экстатично воздевают руки кверху, застывают,
как каменные, в странных позах, потом выворачивают головы, эти головы
отскакивают от туловища, фигуры переворачиваются кверху ногами, отрываются
от земли, летят. Так же ведут себя не только витебские горожане, но и
артисты цирка (что более естественно), герои античной мифологии, библейские
персонажи, коровы и ослы, стулья и дома. Мир быта, которым наполнены его
картины, изображающие чаще всего сцены в интерьерах или на улице,
оказывается в каких-то сверхъестественных ситуациях. В этих ситуациях
воплощены символы, которые не теряют связи с бытом. У Шагала -- бытовой
символизм. Но тем ближе он к обычным проявлениям окружающей жизни и тем
острее воспринимаются в его картинах каждый персонаж и каждая деталь.
Картины художника, созданные в 1910-е годы -- сначала в Париже, а
после начала мировой войны в России, -- дают лучшие примеры его стилистики
и поэтики. К числу таких произведений следует отнести:
> «Я и деревня» (1911),
> «Продавец скота»(1912),
> «Посвящается Аполлинеру»(1911--1912),
> «Голгофа»(1912),
> «Голубые любовники» (1914) (а есть еще «зеленые», «серые» и «розовые» ),
«Окно на даче. Затишье» (1915),
> «Над городом»(1914--1918),
> «Прогулка» (1917--1918),
> «Свадьба»(1918), целый ряд автопортретов.
Разумеется, этот перечень неполон, почти каждую из упомянутых вещей можно
заменить другой, равноценной.
В первой из перечисленных картин зритель как бы сталкивается с
головоломным ребусом, разгадка которого вряд ли может быть точной и
однозначной. Здесь собраны в единый образ фрагменты, эпизоды, персонажи
сельской жизни, которые все вместе составляют некий символ деревенского
бытия. Но они соединены друг с другом произвольно. Выдвинутое на первый
план лицо художника, взятое в профиль и окрашенное в зеленый цвет,
противопоставлено такому же профилю коровьей морды. Их глаза вонзились друг
в друга, а носы приблизились почти вплотную. Головы скреплены единым
кругом, ставшим центром композиции. Это как бы и есть круг деревенской
жизни. Возле него разворачиваются разные эпизоды. Под коровьим глазом --
сама корова и доящая ее крестьянка. Рядом -- косарь с косой на плече и
женская фигура, повернутая вверх ногами. Улица, дома, церковь, ветка с
цветами и листьями в руке художника, крупноформатные головы -- все это
вписано в систему линий, которые как бы круглят землю, расширяют
пространство, создают атмосферу деревенской вселенной. Каждый конкретный
эпизод происходит в своем дискретном времени. Но все вместе они сливаются в
общее, как бы нейтральное время, в некое надвременье, в котором свободно
сосуществуют разновременные явления.
В любом произведении Шагала мы найдем эту свободу фантазии. Но каждый
раз фантастическое предстает перед нами как совершенно реальное. В картине
«Над городом» художник и его жена Белла летят над Витебском. Они делают это
так же естественно, как если бы шли по улице или сидели на скамейке. Он
придерживает ее тело, словно оберегая его от неверного поворота или
неаккуратного движения. Она с грустью смотрит вдаль и машет рукой -- то ли
прощаясь с кем-то, то ли кого-то приветствуя (или козочку, щиплющую траву
на задворках, или случайного прохожего, справляющего нужду у высокого
забора). Их души доверены друг другу и открыты, как ни в одном
реалистическом портрете XIX века, славившегося своим психологизмом.
Только у Шагала люди умеют так летать. Только у него умеют так
внимательно и жадно смотреть, как смотрят те же персонажи, вплотную
приблизив свои головы к оконному стеклу, в картине «Окно на даче. Затишье»--
на зелень травы, на расцветший сад, на вытянутые кверху стволы берез.
Простая бытовая сцена приобретает сновидческий характер. Сон всегда у
Шагала перемешан с явью -- даже тогда, когда на его картинах изображены
самые простые и обыденные явления жизни.
Как в сон, погружается подчас Шагал в размышления. Окружающие предметы
-- (Часы»(1914), (Зеркало»(1915) -- возбуждают мысль о главных категориях
бытия. Маленькие фигурки, притулившиеся возле часов, зеркала и лампы, в
этом зеркале отраженной и излучающей свет, как бы воплощают мысль о тщете
всего земного, о малости человека перед лицом вечности, бесконечности
пространства и величия света.
В течение долгой жизни, на протяжении которой лишь незначительно
менялась живописная манера, а творческий порыв ни на минуту не ослабевал,
Шагал сумел распространить свой опыт, свое мастерство, свою фантазию на
разные сферы художественной деятельности. Путь Шагала-монументалиста
начался в Москве в 1920 году замечательными росписями Камерного еврейского
театра и закончился в 1981-м витражами собора в Сент-Этьене. Литографии,
офорты в камне, керамика -- везде оставил свой след неутомимый Шагал. И
всюду он оставался самим собой.
В 1973 году он ненадолго приехал в Москву и Ленинград и был
восторженно встречен художественной общественностью этих двух столиц его
родины. Наверное, тогда он почувствовал, что сбылись его надежды, которые
были заключены в последних словах его книги «Моя жизнь», написанной в 1922
году: «И может быть, вслед за Европой, меня полюбит моя Россия».
Стихи о Шагале
Он стар…
(Виктор Берковский)
Он стар,
он похож на свое одиночество,
ему рассуждать о погоде не хочется.
Он сразу - с вопроса:
- А вы не из Витебска?..
Пиджак старомодный на лацканах вытерся...
Нет, я не из Витебска...
Долгая пауза.
А после - слова монотонно и пасмурно:
- Тружусь и хвораю...
В Венеции - выставка...
Так вы не из Витебска?...
- Нет, я не из Витебска...
Он в сторону смотрит.
Не слышит, не слышит.
Какой-то нездешней далекостью дышит,
пытаясь до детства
дотронуться бережно...
И нету ни Канн, ни Лазурного берега,
ни нынешней славы...
Светло и растерянно
он тянется к Витебску, словно растение...
Тот Витебск его - пропыленный и жаркий -
приколот к земле каланчою пожарной.
Там свадьбы и смерти, моленья и ярмарки,
там зреют особенно крупные яблоки
и сонный извозчик по площади катит...
- Так вы не из Витебска?..
Деревья стоят
вдоль дороги навытяжку.
Темнеет...
...И жалко,
что я не из Витебска.
... М. Шагалу
(автор неизвестен)
Мы вместе с тобою летели по небу,
Как будто слетели с картины Шагала.
Смешались в сознаньи былое и небыль,
И полночь незримо за нами шагала.
Мы вместе с тобою летели, обнявшись,
И шпили церквей проплывали под нами,
А звезды смеялись о чем-то вчерашнем,
И хлопало время мгновений дверями.
И скрипки звучали далеко и нежно,
И было немного тревожно и грустно,
И города профиль - прекрасно небрежный
Растаял в тумана движеньи искусном.
А ветер нас гнал за поля за рекою,
И мчалась навстречу нам леса громада,
И я любовался тобою такою
И думал, что большего мне и не надо.
Когда мы вернулись - ты быстро уснула,
Прижавшись ко мне и обнявшись с гитарой,
А постер Шагала, приставленный к стулу,
Глядел на меня пролетающей парой.
17 июня 1997 года
Высказывания Шагала
> Лично я не уверен, что теория -- такое уж благо для искусства.
> Импрессионизм, кубизм -- мне равно чужды.
> По-моему, искусство -- это прежде всего состояние души. А душа свята у
всех нас, ходящих по грешной земле.
> Душа свободна, у нее свой разум, своя логика. И только там нет фальши,
где душа сама, стихийно, достигает той ступени, которую принято называть
иррациональностью."
> С ранней юности я был очарован Библией. Мне всегда казалось и кажется
сейчас, что она является самым большим источником поэзии всех времен.
Библия подобна природе, и эту тайну я пытаюсь передать.
Приложение
Рис.1. Автопортрет с букетом цветов
[pic]
Рис.2. Три свечи
[pic]
Рис.3. Свадебный букет
[pic]
Рис.4. Цирк
[pic]
Рис.5. Солнце над Парижем
[pic]
Реферат на тему: Творчество Нестерова на уроках
ДИПЛОМНАЯ РАБОТА
По теме: Изучение творчества М.В. Нестерова
на уроках МХК общеобразовательной школы
2004
СОДЕРЖАНИЕ:
Введение ………………………………………………………………3
Глава 1. Творческое наследие М.В. Нестерова в контексте
русского искусства второй половины IXI – первой
половины XX в
1. Общая характеристика Российского искусства эпохи ………….6
2. М.В. Нестеров – как художник переходного периода
рубежа XIX – XX вв …………………………………………..12
3. Становление М.В. Нестерова как художника
и характеристика его творчества ……………………………..20
Глава 2. Изучение творчества М.В. Нестерова на уроках МХК
в 5 – 6-х классах общеобразовательной школы
2.1. Специфика структуры уроков по МХК ………………………...33
2.2. Организация процессов восприятия учениками
5 – 6-х классов творчества М.В. Нестерова ………………….39
2.3. Экспериментальный урок по предмету МХК
в 5 – 6-х классах общеобразовательной школы ……………...46
2.4. Методические рекомендации учителям ………………………..53
Заключение ……………………………………………………………..
Список литературы ……………………………………………………
ВВЕДЕНИЕ
Тема данной дипломной работы «Изучение творчества М.В. Нестерова на
уроках МХК общеобразовательной школы».
Интерес к этой теме вызван тем, что творчество талантливого русского
художника М.В. Нестерова – это поиск духовно-религиозного и этического
идеала, обращение к воплощению просветленной и чистой душевной красоты
людей, пренебрегших мирской суетой.
Тихая созерцательность, эмоциональная роль пейзажа в образном строе
его произведений внесли новые поэтические ноты в русскую живопись.
М.В. Нестеров создавал не только картины – сказки, картины – легенды,
картины – иконы, но также он работал в области монументальной живописи, был
талантливым мастером портрета. Многие исследователи посвятили свои работы
изучению портретной живописи М.В. Нестерова.
Г.В. Ляхова и К.А. Дятлова, в своем труде «Мастера портрета»,
упоминают о том, что М.В. Нестеров обратился к портретной живописи в
завершающий период своего творчества, но и за это недолгое время он успел
прославиться как талантливый портретист.
Художник создал целую галерею изображений видных деятелей науки и
искусства. Чаще всего мастер показывал свои модели в процессе труда. С
течением времени портретные образы М.В. Нестерова становились все более
выразительными и глубокими. Исследователь С. Дурылин замечает, что для
портретного мастерства М.В. Нестерова, становятся характерными черты,
найденные в предшествующие годы, - отражение душевного строя человека в
единении со средой, интерьером и пейзажем.
Внимание к образной символике сближало многие произведения М.В.
Нестерова.
Он был тонким мастером лирического пейзажа.
Во-вторых, меня заинтересовала проблема такой темы в
общеобразовательной школе. Уроки МХК строятся по интегративному принципу, а
это делает их содержание не похожим на традиционные учебные дисциплины.
Специфика предмета обучения – сложнейший мир художественной культуры и
художественной деятельности людей в мировом историческом контексте – для
этого нужны особые формы и методы обучения.
Цель данной дипломной работы: определить историко-культурологический
подход к изучению творчества русского художника второй половины XIX -
начала XX в. М.В. Нестерова учащимися 5 – 6-х классов общеобразовательной
школы.
Цель определяет задачи:
1. Показать место и роль русского искусства второй половины XIX –
первой половины XX в. в мировой культуре.
2. Раскрыть значимость творчества М.В. Нестерова.
3. Проанализировать педагогические и психологические особенности
преподавания творчества М.В. Нестерова в 5 – 6-х классах
общеобразовательной школы.
Поставленные задачи помогают последовательно выстроить текст
дипломной работы, т.е. определить ее структуру.
Структура дипломной работы: введение, две главы, заключение, список
использованной литературы.
В первой главе «Творческое наследие М.В. Нестерова в контексте
русского искусства второй половины XIX – первой половины XX в.
рассматривается общая характеристика эпохи, и краткая характеристика
творчества М.В. Нестерова.
Во второй главе, «Изучение творчества М.В. Нестерова на уроках МХК
в 5 – 6-х классах общеобразовательной школы» - методика преподавания
творчества М.В. Нестерова.
Представлено изучение психологических особенностей учащихся 5 – 6-х
классов, даны эстетические принципы преподавания творчества М.В.
Нестерова в курсе МХК.
В заключение сделаны выводы по теме.
Объект исследования – изучение творчества М.В. Нестерова в 5 – 6-х
классах общеобразовательной школы. Предмет исследования – особенности
развития познавательных процессов учащихся 5 – 6-х классов при
ознакомлении с творчеством М.В. Нестерова.
Исследование осуществлялось в 3 этапа:
1. Историко-теоретический.
На данном этапе изучается творческое наследие М.В. Нестерова в
контексте русского искусства второй половины XIX - начала XX в.
2. Опытно-экспериментальный.
Урок в 5 – 6-х классах общеобразовательной школы .
3. Заключительно-обобщающий.
Представление методических рекомендаций по изучению творчества М.В.
Нестерова.
Практическая значимость данного исследования заключается в его
направленности на усвоение знаний о творчестве М.В. Нестерова, формирование
навыков художественного анализа и эстетического вкуса, нравственного идеала
подростков.
Теоретическая значимость данного исследования заключается в раскрытии
такого аспекта психолого-педагогической деятельности, как развитие
нравственных черт в личности и формирование художественного вкуса, идеалов
у учеников 5 – 6-х классов.
ГЛАВА 1. ТВОРЧЕСКОЕ НАСЛЕДИЕ М.В. НЕСТЕРОВА В КОНТЕКСТЕ РУССКОГО ИСКУССТВА
ВТОРОЙ ПОЛОВИНЫ XIX – ПЕРВОЙ ПОЛОВИНЫ XX ВЕКА
1. Общая характеристика российского искусства эпохи
Вторая половина XIX в. несла на себе печать реформ Александра II, а
после его гибели в 1881 г. преддверия революционных событий первых двух
десятилетий XX в. Исходя из общественного бытия этого большого периода,
можно сказать, что искусство играло тогда огромную роль в формировании
национального сознания.
В культуре России, во всех ее направлениях преобладал критический
реализм, стремившийся раскрыть обществу глаза на углублявшиеся социальные
проблемы, углублявшийся раскол между различными слоями и группами в
российском обществе.
Именно художники 60-х гг. XIX в. Показали свое критическое отношение к
действительности, проявив в этом свою гражданскую и нравственную позицию.
Их искусство было остросоциальным, соответствовавшим новой системе видения
задач творчества, которые давали подробную оценку новым работам художников.
Искусство критического реализма носило характер проповеди,
размышления. Живопись была тесно связана с литературой (Ф.М. Достоевский,
Л.Н. Толстой, Н.А. Некрасов). Произведения художников являлись не только
иллюстрацией к этой литературе, но и к самой жизни.
70-е годы XIX века - это пора расцвета русского демократического
реализма. Прогрессивная демократическая живопись завоевала тогда
общественное признание. Появились критики - Стасов, И.Н. Крамской, в это же
время П. Третьяков начал коллекционировать самые значительные произведения.
Петербургская Академия художеств продолжала давать академическое
образование с требованием тем дипломных работ на мифологические темы.
В 1863 году борьба за отражение реальной действительности вылилась в
так называемый Бунт 14 ти, которые отказались писать картины на
предложенную руководством Академии тему, т.к. они считали, что есть темы
намного важнее, чем религиозная тематика. Они ушли из Академии художеств и
организовали свою «Петербургскую артель художников». Одним из организаторов
этого бунта и артели был И.Н. Крамской.
Артель просуществовала недолго, но вскоре московские и петербургские
художники объединились в Товарищество передвижников (передвижные выставки с
1870 г.). Тематика произведений была социально-направленной, что будоражило
общество, вызывало неоднозначную реакцию со стороны разных слоев.
Наибольший расцвет передвижники достигли в 80-е годы XIX века. У них была
своя четкая идейная программа - отображать жизнь со всеми ее социальными
проблемами.
Бытовой жанр был лишен анекдотичности, основная направленность -
гражданственность. Товарищество было создано по инициативе И.Н. Крамского и
Г.Г. Мясоедова, их поддерживали В.Г. Перов, Н.Н. Ге, И.И. Шишкин, А.К.
Саврасов, В.Е. Маковский и др.
Членами учредителями был составлен и 1-й устав Товарищества.
В 70 - 80-е годы к ним присоединились такие художники, как И.Е. Репин,
В.Н. Суриков, В.М. Васнецов, Н.А. Ярошенко, Н.А. Касаткин и др. А с
середины 80-х гг. в передвижных выставках приняли участие В.А. Серов, И.И.
Левитан, В.Д. Поленов.
Основной задачей передвижников было многостороннее отражение
современной им жизни, их творчество будило общественную мысль, привлекало
зрителя к наболевшим вопросам современности.
Особенно ими развивался бытовой жанр, а также историческая, портретная
и пейзажная живопись. В этих жанрах прослеживались тенденции к созданию
монументальной картины - эпопеи на современную и историческую тему, серий
батальной живописи, портреты - картины, лирического и эпического жанров.
Переходным направлением в российской живописи рубежа XIX - XX вв. стал
модернизм, яркими представителями которого во всей его многоликой ипостаси
стали М. Врубель, К.Ф. Юон, М. Шагал, К. Малевич и др.
Свое видение жизни они показывали в произведениях, далеких от реализма
и классицизма, при этом считая, что их искусство стало преддверием
революции 1905-1917 гг.
Революции 1917 г. внесли свою лепту в развитие изобразительного
искусства России: появилось множество течений, групп, ассоциаций, которые
до 1925 г. существовали автономно и только дискутировали между собой,
доказывая истинность своего видения искусства для народа.
В 20 - 30-е гг. XX в. - это время существования разных группировок, у
каждой из которых была своя идея, манифесты, программа и выразители
средств. Наибольшее значение приобрела тогда «АХРР» («Ассоциация
художественной революции России»), поддерживавшая политику государства
(возникла в 1922 г. на базе Товарищества художественных передвижных
выставок). С 1928-го г. была переименована в «АХР» («Ассоциация художников
революции»). В нее вошли художники из «Союза русских художников» и др.
Основная программа - отражение быта рабочих, крестьян и т.д.
Были организованы ими выставки: «Жизнь и быт рабочих» (22 г.), «Жизнь
и быт Красной армии» (23 г.), «Жизнь и быт народов СССР» (26 г.). Эти
художники работали почти во всех жанрах. Основная тематика - революционная,
в которой ведущую роль сыграл И.И. Бродский, создававший серию «Лениниада».
В бытовом жанре работал Е.М. Чепцов. Его картины посвящены повседневной
жизни крестьян и рабочих («Заседание сельской ячейки»). Произведения Н.А.
Касаткина посвящены жизни и быту рабочих («Шахтерка», 1894 г., «Углекопы.
Смена.» 1895 г.).
Батальный жанр представлял М.Б. Греков, писавший картины о
революционных событиях в романтическом ключе («Отряд Багратион»).
Впоследствии он повлиял на развитие батальной живописи.
В жанре портрета работал С.В. Малютин («Портрет инженера Передерия»,
«Портрет писателя-бойца Д. Фурманова»), Г.Г. Ряжский.
В 20-е г. заметно обращение к портрету, где сочетаются индивидуальные
черты с чертами, характерными для этой эпохи. Они отражают социально-
обобщенное лицо модели («За учебу. Пионерка с книгами», «Председательница»
Н.А. Касаткина).
Новый образ строящейся страны прослеживается в пейзажном жанре. Так
возникает индустриальный пейзаж («Транспорт налаживается» Яковлевой,
«Купола и ласточки» (21 г.) К.Ф. Юона, «Мойка. Белые ночи.» (27 г.)
Осмеркина, «Голубая весна» (30 г.) Бакшеева и др).
Объединение «Четыре искусства» - выдвинуло на 1-й план вопросы
специфики изобразительности искусства и выразительности художественной
формы, лаконичность простых форм (Петров-Водкин К.С., П. Кузнецов и др.).
«Общество молодых художников» («ОМХ» 1928 г.) стремилось передать
материальное богатство мира с помощью энергичной лепки объема, смелой свето-
теперовки (П.П. Кончаловский, А.В. Куприн, Р.Р. Фальк), («Снедь московская»
Маликова и др.).
Скульптура 20-х гг. овеяна революционной романтикой И.Д Шадра
(«Булыжник - оружие пролетариата»). Он стремился в своем творчестве
использовать традиции мирового искусства, в частности, Родена.
После смерти В.И. Ленина правительство поставило перед деятелями
искусства задачу отражения в нем образа Ленина, как вождя мирового
пролетариата. Был объявлен конкурс скульптуры вождя для Финляндского
вокзала, победил проект скульптуры Авсеева «Ленин на броневике». Также
работал в то время С.Д. Меркулов, тяготевший к монументальности в
портретном жанре. Он снимал посмертную маску с Ленина, на основе которой
возникла его композиция «Смерть вождя».
Памятники Ленину создавались для разных городов.
В портретной скульптуре работала А.С. Голубкина, Домогадский и
Николадзе. Скульптор С. Лебедева смогла уловить и показать в своих работах
индивидуальность характера, но с чертами своей эпохи («Женский портрет»). В
классической манере работал А.Т. Матвеев, который в 1929 г. создал
композицию «Октябрь». В 1926 г. сформировалось общество русских скульпторов
(«ОРС»), в него входили многие мастера разных школ и направлений, их
объединял интерес к современности. Просуществовало оно до 1932 года.
В архитектуре начала XX в. Ведущим направлением был конструктивизм. В
нем подчеркивалась, в первую очередь, функциональность. Принципы
конструктивизма были разработаны на Западе. Советский конструктивизм
представлен в проекте «Дворец труда» (в Москве, братья Леснины), но не был
осуществлен. Однако, он способствовал утверждению конструктивных форм в
архитектуре, широко использовался в строительстве общественных зданий,
театров, дворцов культуры, домов культуры («Дом на набережной Мосова»,
«Мавзолей Ленина» Щусева А.В и др).
В 20 - 30-е гг. возникло соперничество между конструктивизмом и
неоклассицизмом. К концу 30-х гг. неоклассицизм стал явно преобладать над
конструктивизмом. В середине 30-х гг. возводятся станции Московского
Метрополитена. С роскошной внутренней отделкой (мозаика, скульптура,
фрески, витражи, мрамор и бронза и мн. др.). Но при этом произошла
перегрузка советской символикой (пятиконечные звезды, серпы с молотами,
чрезмерная помпезность), что шло в ущерб здравому смыслу и удобству.
Это направление просуществовало вплоть до 50-х гг. - его называют
сталинским ампиром.
Таким образом, краткий взгляд на эпоху позволяет сделать вывод, что
искусство России второй половины XIX в до середины 50-х гг.XX века прошло
очень большой путь до неоклассицизма (сталинского ампира), перешагнув при
этом через множество направлений модернизма, футуризма и других «измов»,
что до сих пор высоко оценивается во всем мире. И значительное место в этом
периоде развития русской живописи занимает творчество М.В. Нестерова.
[1]
2. М.В. Нестеров - как художник переходного периода
рубежа XIX - XX веков
Михаил Васильевич Нестеров (1862-1942), родился в г. Уфе. Уфа в то
время была одним из губернских городов России.
Купечество составило основную массу в городе. К этому сословию
принадлежала и семья Нестеровых. Род Нестеровых происходил из новгородских
крестьян. Позднее они переселились на Урал, где стали крепостными Демидовых
- владельцев знаменитых горноделательных заводов. Позднее они получили
вольную. Впоследствии дед художника записался в купеческую гильдию.
Отец М.В. Нестерова, Василий Иванович, торговал мануфактурными и
галантерейными товарами, а позднее стал одним из инициаторов создания
общественного городского банка.
Мать художника, Мария Михайловна, происходила из елецкой купеческой
семьи Ростовцевых, богатых торговцев пшеницей.
Известно, что М.В. Нестеров любил рисовать с детства, обладал
редкостной фантазией и удивительным умением воображать себе несуществующие
события.
В гимназии (1872 г.) он учился плохо. Чувствовал влечение лишь к
предметам учителя В.П. Травкина - рисованию и чистописанию.
В 12 лет отец повез его в Москву, поступать в Императорское
техническое училище. Он сдал экзамен лишь по закону Божьему, рисованию и
чистописанию, к остальному он не имел интереса и провалился.
Тогда его определили в училище К.П. Воскресенского. Там он сделал
заметные успехи в рисовании. Его учителем по этому предмету был А.П.
Драбов. Вскоре его отдали в Училище живописи, ваяния и зодчества. Здесь он
стал учиться у В.Г. Перова.
В 1881 г. М. Нестеров уезжает в Петербург и поступает в Академию
художеств по классу П.П. Чистякова.
На ученических выставках М.В. Нестеров показал свои эскизы жанровых
сценок, но они не принесли ему настоящей радости. Он чувствовал, что
бытовой жанр не его призвание.
Пробовал работать и над историческими сюжетами, но они его не
устроили.
Требования Академии художеств не отвечали его стремлениям.
М.В. Нестеров подолгу работал в Эрмитаже. Там он познакомился с М.
Врубелем, Крамским.
Нестеров возвратился в Москву с намерением восстановиться в Училище
живописи к В.Г. Перову. Но к тому времени В.Г. Перов был уже при смерти.
М.В. Нестеров пишет умирающего В.Г. Перова. Он был очень расстроен его
болезнью и его смертью.
После смерти своего учителя М. Нестеров возвратился в Петербург, в
Академию художеств. Но вскоре он вновь покидает Академию.
Лето 1883 г. М. Нестеров провел в родной Уфе. Там он познакомился со
своей будущей женой М.И. Мартыновской, для которой написал рисунок «Первая
встреча» («Конский топ»), положивший начало многим изображениям М.И.
Мартыновской.
Там же он написал эскиз к картине «Домашний арест» и подарил его М.И.
Мартыновской с подписью, содержащей слова: «Ученик В.Г. Перова». Вскоре он
восстановился в Училище. В Училище живописи, где на экзамене в 1885 г.
получил за все эскизы первые номера, а за эскиз «Призвание М.Ф. Романова» -
награду и почетное решение совета училища взять эскиз в «оригиналы».
В этом же, 1885, году М.В. Нестеров женился на М.И. Мартыновской. В
1886 г. вышел альбом рисунков М.В. Нестерова и С.В. Иванова. М. Нестеров
получил звание классного художника и большую серебряную медаль за картину
«До государя челобитчики».
В этом же году у художника родилась дочь Ольга. Но при родах умерла
его жена. М. Нестеров написал посмертный портрет М.И. Мартыновской.
Акварель, изображающая умирающую, подписана рукой художника так: «Последнее
воскресенье. 1 июня 1886 г.».
В 1887 г. М.В. Нестеров написал три варианта картины «Царевна», где он
снова запечатлевает образ покойной жены. Потом он написал «картину -
воспоминание» - «Христова невеста» - с лицом любимой жены.
В 1888 - 1889 гг. М. Нестеров отправляется в поездку по Волге, затем
ненадолго заехал в Уфу, там сделал наброски «За приворотным зельем», и
одновременно работал над картиной «Пустынник». Позже он поселился под
Москвой, в Троице - Сергиевом Посаде. Впервые посетил дом Мамонтовых в
Абрамцеве, где он познакомился с В.Д. Поленовым, В.Н. Суриковым, В.А.
Серовым. Здесь же увидел картины В.М. Васнецова.
Вскоре М.В. Нестеров дебютировал «Пустынником» на XVII выставке
Товарищества передвижников. Картина была приобретена П.М. Третьяковым.
Потом художник поехал в Петербург. А чуть позже он впервые поехал за
границу (Вена, Венеция, Флоренция, Рим, Неаполь, Капри, Париж, Дрезден).
В 1889-1890 гг. М.В. Нестеров работал в Троице-Сергиевом Посаде и в
Москве над картиной «Видение отроку Варфоломею». Картину в Москве смотрят
И.И. Левитан, В.И. Суриков. Она была куплена П. Третьяковым. И также она
была показана на XVIII выставке Товарищества передвижников.
В 1890-1895 гг. М.В. Нестеров переехал в Киев. Там он познакомился с
В. Васнецовым. Работал во Владимирском соборе. Сблизился с семьей Прахова.
В 1891 г. он работал в Киеве над картиной «Юность Сергия
Радонежского». В Москве, Зоологическом саду писал «мерзкую тварь» для этой
картины. И продолжал работу над ней в Уфе.
В 1892 году Нестеров привез картину «Юность Сергия Радонежского» в
Москву. Показывал ее братьям Васнецовым, П. Третьякову. Потом он
возвратился в Киев и работал над головой Сергия.
В 1893 году картина «Юность Сергия Радонежского» после горячих дебатов
была принята жюри Товарищества передвижников. Поездка за границу во второй
раз была им осуществлена в том же году (Константинополь, Греция, Италия).
Весною 1895 года М.В. Нестеров поселился в окрестностях Троице-
Сергиевого Посада - «у Черниговской». Там он написал картину «Под
благовест». Вскоре он отправляется в поездку по старым русским городам
(Переславль-Залесский, Ростов, Ярославль, Углич).
В 1896 г. М. Нестеров был избран членом Товарищества передвижников.
Пишет картину «На горах» - это первая часть его «романа в картинках».
В 1897 г. М. Нестеров в Киеве пишет картину «Великий постриг».
В 1898-1999 гг. М. Нестеров пишет другую картину - «Дмитрий царевич
убиенный». Потом он выставляет картины «Чудо», «Под благовест» на
художественной выставке в Мюнхене. В том же году был избран академиком
живописи (по представлению И.Е. Репина, Поленова, В. Васнецова).
В 1899-1904-х гг. М.В. Нестеров работает над росписями в храме
Александра Невского в Абастумане.
В 1900-1901 гг. произошла его встреча с М. Горьким (в Ялте) и началась
их дружба.
В этот же период М.В. Нестеров работает над этюдом к картине «Святая
Русь». Позже он едет на Белое море, в Соловецкий монастырь. Пишет
портретный этюд М. Горького. Знакомиться с художественным театром,
сближается с Ф. Шаляпиным.
В 1901-1905-х гг. М. Нестеров работает над картиной «Святая Русь».
В 1902 году художник женится на Е.П. Васильевой.
В 1905 году М. Нестеров едет в Париж, а затем по Волге и Каме. В это
время он пишет картину «За Волгой» - третью часть «романа в картинках».
Также он пишет в это время портреты своей второй жены Е.П. Нестеровой, а
также портреты своей дочери О.М. Нестеровой и портрет И.Г. Яшвиль.
В 1906 году М. Нестеров написал портреты Яна Станиславского, О.М.
Нестеровой («Амазонка»). Тогда же отправляется в поездку к Л. Толстому в
Ясную Поляну.
В 1907 году у М. Нестерова была большая персональная выставка в
Петербурге и Москве. Были выставлены картины «Святая Русь», «Дмитрий
царевич убиенный». Всего 85 произведений, в том числе - неожиданные для
зрителя - «Свирель», «Два лада». Потом он второй раз едет в Ясную Поляну, и
пишет там портрет Л. Толстого.
В 1908 году М. Нестеров вновь едет в Италию (Неаполь, Капри). В этом
же году он отклоняет предложение стать профессором Академии художеств.
В 1908 - 1911 гг. М.В. Нестеров работает над росписями для Марфо-
Мариинской обители в Москве.
В 1909 году художник участвует в Международной художественной выставке
в Мюнхене. Дарит свою коллекцию картин русских художников Уфе (она
составила основу Музея, открытого в 1920 г.).
В 1910 году он окончательно переезжает из Киева в Москву, где был
избран в том же году действительным членом Академии художеств.
В 1911 году он снова отправляется в поездку в Италию. Также он
участвует в Международной художественной выставке в Риме.
В 1913 - 1914-х гг. М. Нестеров работает для Собора в Сумах.
В 1914 году пишет картину «Лисичка» и портрет Н.М. Нестеровой.
В 1914 - 1916 гг. он пишет картину «На Руси», задумывает картины
«Христиане», «Душа народа». В это же время пишет такие свои произведения,
как «Философы», «Архиерей», «В лесах», «Соловей поет».
В 1918 - 1919-х гг. М.В. Нестеров пишет автопортрет. В этот же период
едет на Кавказ, пребывает в Армавире с семьей.
В 1920 году он возвращается в Москву. В 1921 - 1922-х гг. была им
написана картина «Мыслитель».
В 1923 году М. Нестеров написал портрет своей второй дочери Н.М.
Нестеровой («Девушка у пруда»).
В 1925 году им были написаны портреты А.Н. Северцова, П.Д. Корина,
В.М. Васнецова. А также женский портрет .
В 1926 году было празднование 40-летия творческой деятельности М.В.
Нестерова в Государственной академии художественных наук. В этом году он
начал писать воспоминания («Давние дни»).
В 1927 - 1928-х гг. пишет портреты С.И. и Н.И. Тютчевых.
В 1928 году он пишет автопортрет (два варианта). Совершает поездки в
Ленинград и Киев. Пишет портрет В.М. Титовой, «Большая девушка», «Элегия».
В 1930 году - пишет портрет П.Д. и А.Д. Кориных. Первый портрет И.П.
Павлова.
В 1931 году - портретный этюд А.М. Нестерова.
В 1933 - 1934-х гг. - первый портрет С.С. Юдина.
В 1934 году М. Нестеров написал портрет И.Д. Шадра, второй портрет
А.И. Северцова.
В 1935 году у художника была выставка 16-ти картин в ГМИИ в Москве.
Также он написал портреты В.Г. Черткова (1935), второй портрет С.С.
Юдина (1935), второй портрет И.П. Павлова (1935), Е.П. Разуновой (1936),
Е.И. Таль (1936), К.Г. Держинского (1936-37), О.Ю. Шмидта (1937), Е.С.
Кругликовой (1939), В.И. Мухиной (1939-1940).
В 1936 году было празднование 50-летия творческой деятельности М.В.
Нестерова.
В 1941 году художник получил Государственную премию первой степени за
портрет И.П. Павлова (1935). В этом же году портрет А.В. Щусева.
В 1942 году вышла из печати книга М.В. Нестерова «Давние дни».
Чествование М.В. Нестерова связанное с его 80-летием, было отмечено в этом
же 1942 году, и в это же время его наградили орденом Трудового Красного
Знамени и присвоили ему звание заслуженного деятеля искусств РСФСР.
В этом же году он написал свое последнее произведение - картину-пейзаж
«Осень в деревне».
М.В. Нестеров скончался 18 октября, на 81-м году жизни.
Таким образом, краткий взгляд на жизнь и творчество этого художника
показывает, что картины М. Нестерова говорят о взаимоотношениях художника с
окружавшими его явлениями, событиями, большими темами русской истории и
действительности, русской культуры, русской живописи его времени. И речь
здесь идет не о том, как лично относился к этому всему М.В. Нестеров,
художник и человек, а о том, какое место, какая «ячейка» была ему отведена,
что им найдено в общей мозаике сложной, противоречивой и все же
диалектически целостной картине его эпохи, России конца XIX в и начала XX
в.
Перед М. Нестеровым, как и перед его сверстниками, вставал вопрос об
«излитии» любыми приемами накопившегося в сердце и в совести. Нестеров был
одним из самых взыскательных художников в истории не только русского
искусства, но и мирового. Для него не могло быть «все равно как», а надо
было «хорошо», «особенно». И не «все равно, что», а тоже - «нечто большое и
важное», «народное и русское».
То, что выбрал М. Нестеров, было, без сомнения, «внутренним», не
«внешним», и не «историей» (на этот путь встали художники В.И. Суриков и
А.П. Рябушкин), и не «иконой» или былиной (как В.М. Васнецов), а «поэзией и
легендой», или, как это выразил исследователь С. Дурылин (9), «легендой, и
песней, и сказкой».
[2]
3. Становление М.В. Нестерова как художника и характеристика его
творчества
Следя за ростом, за эволюцией М.В. Нестерова - художника, можно
увидеть, как целеосознанно и последовательно он осуществлял особую
программу, им в словах, естественно, не формулируемую. Происходит развитие,
увеличение его образов. Он втягивается, подобно Сурикову, в историческое
прошлое своей страны. То, что Нестеров был реалистом, в лучшем смысле слова
художником правды, связанным с Россией, и с народом, в этом сомнений нет.
Говоря о его раннем творчестве, можно заметить, что Нестеров - один из
замечательнейших исторических иллюстраторов в нашем искусстве. В лучших
своих произведениях он никогда не шел по пути внешней иллюстрации.
Считаются чудесными фантастически-реальными иллюстрации М. Нестерова к
«Коньку-Горбунку», и совсем забытые, очень хорошими - к А.С. Пушкину.
Художник с необычной последовательностью воплотил в ряде образов
судьбу русской женщины, ее «недолю» в старое время. В «отшельницах» и
«отшельниках» Нестерова отсутствует самый мотив молитвенного экстаза,
самомучения, покаяния, аскетизма. Горестная грустность, щемящая покорность
судьбе - это налицо. Но вокруг нестеровских героинь не толстые стены келий,
а природа, которая аккомпанирует даже картине «Великий постриг». Судьбу
русской девушки М. Нестеров не погружает в горестный крестьянский быт, как
это делали С.В. Иванов и В.М. Максимов, и никак ее не идеализирует, как это
себе позволяли салонные художники К.Е. Маковский и С.С. Сагочко, а
стремится ее образ обобщить.
«Не живопись была главным, - говорил М.В. Нестеров про своего
«Пустынника» - первую картину, которая его прославила, - «Мне, как Перову,
нужна была душа человеческая…»[3]. (22, стр. 48)
Также следует отметить картину Нестерова (из его раннего творчества)
«Видение отроку Варфоломею». За нее Нестерова называли декадентом и
мистиком, видели в его живописи сходство с некоторыми французскими
художниками.
В картинах М. Нестерова, посвященных жизни конкретно жившего в Древней
Руси Сергия Радонежского, в детские годы носившего имя Варфоломея, художник
следует легендам, записанным и сохранившимися в рукописной литературе тех
лет. Элементы церковности, сияния вокруг головы у Нестерова - живописца
связаны несравненно более с Пювисом де Шаванном и Филиппо Липпи, нежели с
настоящей русской иконой. В рисунке, в передаче природы, в образах самого
Сергия, мальчика и юноши, право нет ничего декадентского, т.е. нарочито
вывернутого, искаженного, переутонченного, чересчур искусственного.
М.В. Нестеров был убежден в том, что «Явление отроку Варфоломею» - его
лучшее произведение, наиболее полно и совершенно выразившее его
художественный идеал. Он всегда утверждал: «Жить буду не я. Жить будет
«Отрок Варфоломей». Вот если через 30, 50 лет после моей смерти он еще что-
то будет говорить людям - значит он жив, значит жив и я»[4]. (23 стр. 41)
Образ Сергия Радоженского - как народного святого - был близок М.
Нестерову с детства. М. Нестеров на этой картине так поставил фигуру старца
по отношению к отроку, что то, что происходит на картине, вопринимается
зрителем не как «Встреча отрока со старцем» , а именно как «Видение отроку
Варфоломею»: старец мнится, не пришел к дубу, как пришел мальчик по лугу, а
«вдруг отделился от темного ствола большого дерева» - и предстал пред
отроком, пошедшим в поле за конями.
За год до «Христовой невесты» М. Нестеров создал рисунок «У креста»:
среди широкого среднерусского простора девушка-подросток с лицом Марии
Ивановны (первой жены художника) молится у покачнувшегося креста. В этом
рисунке М. Нестеров, как будто приближается к теме «Христовой невесты».
«Христову невесту» он писал назависимо от всех прописей и линеек. Его
творческий почерк здесь самостоятелен, неповторимо своеобразен. У него
здесь не только другие краски, у него другой подход к краскам. Вместо
прописей грубой, суховатой черноты у него теперь иссиня-зеленая мягкая
гамма красок; нежная и прозрачная. Недаром, когда художник писал эту
картину, ему казалось, что от музыкант (24 стр 36): в красочных аккордах
«Христовой невесты» есть музыкальная стройность; это картина-элегия,
выдержанная в одной глубоко прочувствованной и верно подобранной
тональности.
Но самое главное было не в новизне красочного звучания, а в том, что
молодому художнику удалось создать новый поэтический образ - насквозь
русский и глубоко народный. Кто она, эта «Христова невеста»? Обычно
считают, что она инокиня, удалившаяся от мира в глухой лесной скит. Но она
не инокиня. На ней темно-синий сарафан, белая рубаха. Голова покрыта темно-
синим же платком, так как им покрывались все женщины в Нижегородском
Заволжье.
«Христова невеста» она не потому, что уже произнесла обет иночества, а
потому, что она уже не верит в счастье на земле и устремляется своей душой
и сердцем на иной, внутренний путь. Глубокая грусть застыла в ее больших
глазах, и кончится или нет ее тропа в скиту - одно несомненно: для этой
поэтической, чистой душ | |
