|
Реферат: Рок-культура и эстетика (Культурология)
МИНИСТЕРСТВО ОБЩЕГО И ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО
ОБРАЗОВАНИЯ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ
Московский государственный институт электроники и математики
(Технический университет)
Кафедра культурологии.
Реферат на тему
Рок-культура и эстетика.
Преподаватель: Скок Б.В.
Студент: Леляков Е.А.
Группа С-42.
МОСКВА 2004
Содержание.
Введение. 3
Рок: история развития и сущность. 3
Русский рок. 9
Заключение. 13
Использованная литература: 14
Введение.
...Они (подростки) сегодня обожают роскошь, у них плохие манеры, и нет
ни какого уважения к авторитетам, они выказывают неуважение старшим,
слоняются без дела и постоянно сплетничают. Они все время спорят с
родителями, они постоянно вмешиваются в разговоры и привлекают к себе
внимание, они прожорливы и тиранят учителей...
Сократ (470/469-399 гг. до н.э.)
Я не зря выбрал эти слова Сократа о молодежи в качестве эпиграфа. Ведь
рок-культура - это, прежде всего, молодежная культура. И то, что я решил
написать реферат именно по этому вопросу, вовсе не облегчает мне задачу,
как многие могли бы подумать (все-таки, я - представитель молодежи, и
данная тема должна мне быть близка и понятна). Наверное, наоборот,
усложняет. Рок-музыка - настолько спорное направление искусства, что очень
сложно выбрать правильную точку рассмотрения вопроса. К тому же, полностью
осветить рок на нескольких страницах реферата практически невозможно.
Поэтому я слегка сузил круг вопросов. Кроме истории рока, без которой,
понятное дело, нельзя вникнуть в его суть, здесь приводится краткая
характеристика наиболее известных групп, освещены музыка и тексты (чтобы
развеять устоявшееся убеждение, будто рок - дикая какофония, а стихи песен
- не имеющие ничего общего с поэзией пасквили сатанинской направленности).
Также в отдельную категорию я выделил русский рок, который, по
общепризнанному мнению, сильно отличается от западного, а для нашего
слушателя может быть более понятным и доступным. Надеюсь, мне удастся
показать, что рок-культура - вовсе не антисоциальное явление, каким у нас
долгое время ее пытались представить, и что песни Led Zeppelin и Deep
Purple имеют такое же право называться музыкой, как 5-я симфония Л. ван
Бетховена или Бранденбургский концерт И. С. Баха.
Однако по поводу вышесказанного сразу же хочется оговориться, что
любая область человеческой деятельности не лишена “чернухи”, поэтому
некоторые из последующих мыслей не следует распространять на всех
исполнителей и поклонников рок-музыки.
Рок: история развития и сущность.
...Нельзя требовать от трактирщика..., чтобы он выражался также
изысканно, как [те господа], которые охотно превратили бы Чехословацкую
республику в большой салон, по паркету которого расхаживают люди во фраках
и белых перчатках; разговаривают они на изысканном языке и культивируют
утонченную салонную мораль, а за ширмой этой морали салонные львы предаются
самому гадкому и противоестественному разврату...
Я. Гашек, “Похождения бравого солдата Швейка”
А началось все с того, что в 1920 г. советский (!) инженер Л. Тремен
изобрел новый музыкальный инструмент - терменвокс. Он был устроен следующим
образом: высота тона изменялась с помощью приближения к антенне или
удаления от нее руки исполнителя. Желание использовать электричество в
музыке побуждало изобретателей придумывать необычные инструменты с
причудливыми названиями - эмиритон, траутониум, виолен. В тридцатые годы в
результате объединения различных новаторских идей (в основном, под влиянием
Тремена) появились и первые электрогитары. Но с современной электрогитарой
у них найдется мало общего. Просто из побуждения как-то выделить гитару в
оркестре и сделать ее звук более громким к акустической гитаре приставили
звукосниматель. Но и это не вывело гитару на место лидера в оркестре, чего
так хотели добиться. Звук стал громче, но сущность гитары - аккомпанемент -
осталась. Позднее было обнаружено, что посредством обработки звука до
усилителя можно добиться невероятного результата. Тогда и была рождена
электрогитара, которая приобрела со временем цельный корпус и массу
электроники в придачу. Со временем, именно она и стала "первой скрипкой"
рок-ансамбля. Правда, в последнее время бас-гитара, ранее исполнявшая
только функцию аккомпанемента, приобретает такие сольные партии, что и ее с
успехом можно причислить к разряду лидеров в группе.
Обладая новым, необычным инструментом, неутомимые экспериментаторы
пытались создать новую музыку. Характерной чертой ее была резкость звука,
которая и раздражала первых слушателей, привыкших к плавной обтекаемой
передаче музыкальных идей. Вслед за первыми рок-н-роллами конца 50-х -
начала 60-х годов, волной прокатившихся по США и вызвавших бурю упреков и
дифирамб одновременно, появилось то, что мы теперь называем хард-рок.
Дословно это понятие означает “жесткий” или “тяжелый” рок. Но понятие
это настолько всеобъемлющее, что многие вообще не видят разницы между
собственно рок-музыкой и этим ее направлением. Хард-рок, элементы которого
присутствовали в творчестве большинства западных поп-групп с первой
половины 60-х годов, принял относительно четкую форму в музыке “Блю Чиэр”,
“Крим”, “Ярдбердз”, а также легендарных “Битлз” и “Роллинг Стоунз”.
Что касается “Битлз”, то многие считают четырех ливерпульских парней
основателями стиля “рок”. Так ли это? Сложно сказать. Они дали духовную
основу рок-музыки, подготовили для неё аудиторию, но именно с музыкальной
точки зрения их нельзя отнести к основателям рока: относительная простота
музыки и текстов никак не соотносится с роком. Конечно же, эта
примитивность - лишь шаг навстречу молодежи того времени, которая требовала
чего-то простого и доступного для понимания, а вовсе не свидетельство
отсутствия таланта у музыкантов, тем более что у “Битлз” много
действительно выдающихся песен, достойных стать в один ряд с шедеврами
классики. Наверное, правильнее бы было отнести группу к “попсе”. Но роль
Леннона сотоварищи в подготовке молодежной аудитории к необычной музыке
трудно преувеличить.
Что касается “Роллинг Стоунз”, то они начали свое восхождение на рок-
олимп на обломках команды “Блюз Инкорпорэйтэд”. Блюзы и составили основу
репертуара группы, однако их характерной чертой был усиленный гитарный
звук. Группа упорно создавала свой музыкальный язык, свое звучание.
Известность, хотя и несколько скандальная, к ним пришла быстро. Пресса и
публика были шокированы их музыкой, песнями с массой жаргонных выражений,
манерой держаться на сцене, исходившим от них духом неприкрытой
чувственности. Но состояние шока прошло, и у группы появились первые
настоящие поклонники. История “Роллинг Стоунз” после 1965 года, особенно
после песни "Удовлетворение" (нашему широкому кругу слушателей известна по
рекламе "Snickers"),-это история стремительного взлета группы к славе, к
положению лучшего рок-ансамбля мира. Но трагедия в Атламонте в 1969 г.
("ангелами ада" перед сценой убит один из зрителей) стала огромным шоком
для музыкантов. Концерты стали сдержаннее, музыканты по-новому взглянули на
ответственность исполнителя перед слушателем. Они не изменили свой облик,
но надлом произошел. Жертвой его стал зритель: альбомы группы становились
все хуже и неровнее, а в 1987 “Катящиеся Камни” распались. Правда, в начале
90-х группа вновь объединилась, но это скорее была уже дань моде и погоня
за деньгами.
Композиции в стиле "хард-рок" вызывают субъективное ощущение тяжести,
достигаемое за счет выделения ритм-секции на передний план, что требует от
музыкантов виртуозного владения своими инструментами. Также, помимо
"выпуклости" ритм-секции, все входящие в нее инструменты напрямую связаны с
мелодическим лидером-гитаристом, поэтому здесь не может быть обособленной
импровизации одного инструмента, а это означает, что в импровизации
участвуют все инструменты группы, создавая целостность и монолитность
произведения.
Как самостоятельное направление "хард-рок" выделился в конце 60-х
годов, и благодаря тому, что в законченном виде его донес до слушателя
выдающийся гитарист Джимми Хендрикс, "хард-рок" с тех пор предполагает
исполнение виртуозными инструменталистами, что пошло только на пользу и
музыке, и ее поклонникам. К началу 70-х появились группы-исполины,
блиставшие не только тяжестью своего "хард-рока", но и исключительным
композиторским талантом и исполнительским мастерством. "Лед Зеппелин", "Дип
Перпл", "Блэк Сэббэт", "Назарет", "Гранд Фанк Рейлроуд" и многие, многие
другие почти 30 лет назад определили законы и рамки хорошего тона хард-рока
сегодняшнего дня.
Но, конечно же, у всех были свои особенности. “Лед Зеппелин”,
например, исповедовали блюзовую манеру игры. Однако Дж. Пейдж (основатель
“Свинцового дирижабля” и один из лучших гитаристов мира) принес в
классический блюз свое собственное понимание этой музыки, его "чувство
гитары" было поистине уникальным (не говоря о технике игры), он тщательно
"выписывал" каждый звук. Мощнейшая ритм-секция и уникальный для белого
певца негритянский тембр голоса Р. Планта (солист) сделали подражание "Лед
Зеппелин" невозможным (манеру группы можно было лишь слепо копировать).
В заключение можно сказать, что синтез хард-рока с другими
направлениями рок-музыки, как правило, дает интересные результаты-так
появился "тяжелый арт-рок", "хард-фьюжн", "тяжелая психоделия", а также
такие стили, как "глиттер-рок", "тяжелый ритм-энд-блюз", "хард-кор".
Другим крупнейшим направлением рок-музыки, отпочковавшимся от хард-
рока и в свою очередь породившим массу стилей, является хэви-металл.
“Тяжелый металл” или "тяжелые орудия"-так переводится это словосочетание.
Так же как и в хард-роке, основы "хэви-металл" были заложены такими
исполнителями как"Лед Зеппелин", "Блэк Сэббэт", "Гранд Фанк Рейлроуд", "Дип
Перпл", "Блю Чиэр". Выделив из музыки этих групп исключительно мощные
гитарные риффы, доведенные до виртуозности соло и "канонадные" ударные,
группы "новой волны" английского тяжелого рока - такие как "Даймонд Хэд",
"Саксон" и "Айрон Мэйден" - лишь разработали инструментальную структуру
стиля, позже получившую окончательное развитие в музыке представителей так
называемого “спид”- и “трэш-металла".
До сих пор существует путаница в определении "хард-рока" и "тяжелого
металла". Если в США "хэви-метал" - это понятие, объединяющее и "металл", и
"хард-рок", то в Англии классификация очень близкая к нашей, хотя при
сравнении, например, музыки "Металлики" и "Деф Леппард" только первую
группу - по английским стандартам - можно отнести к "металлу".
Элемент импровизации в истинном "металле" практически сведен к нулю,
точнее - он отсутствует в традиционном смысле этого слова, однако опытные
"металлические" группы ("Металлика", "Слейер", "Мегадет") часто вводят в
свои композиции очень сложные изменения ритма, и у неподготовленного
слушателя может возникнуть ощущение какофонии, хотя речь идет о ритмической
импровизации, по духу очень близкой той, которую исследуют серьезные
современные композиторы.
Выражение "хэви-метал" впервые появилось в романе американского
писателя Уильяма Берроуза "Naked Lunch"(1959), где он использует этот
термин для описания резкой, непривычной музыки.Широкое распространение
термин получил после песни американской группы "Степпенвулф" "Born to be
wild"(1968), в которой есть слова "heavy metal thunder", то есть "гром
тяжелых орудий".
Основателем “хэви-металл” можно назвать команду “Блэк Сэббэт”, которая
была образована в 1968 году в Англии, в городе Бирмингем. В исходный состав
группы вошли: Оззи Осборн (вокал), Тони Йомми (гитара), Терри Батлер (бас),
Билл Уорд (ударные). Называясь еще "Земля" будущие " Блэк Сэббэт" решили не
копировать своих предшественников и "учителей" "Лед Зеппелин" и "Дип Перпл"
и одними из первых начали играть так называемый "тяжелый блюз". Хотя сам
Тони Йомми говорил: "Мы не знали как назвать свою музыку, - единственным
нашим желанием было играть ее и как можно громче."
В 1969 году они стали называться "Блэк Сэббэт", взяв для группы
название одноименного фильма. Этот же фильм стал неплохой основой для
нескольких песен с нового альбома коллектива. В принципе ничего
революционного "Блэк Сэббэт" не предложили, но в отличие от "Дип Перпл" и
"Лед Зеппелин", они решили избавиться в своих песнях от различных
"аранжементных" добавок. Полностью были исключены клавишные, исчезли
фольклорные напевы, никаких любовных песенок, никакой ориентации на
шлягеры, способные войти в хит-парады. Ужасы и оккультная тематика песен
(автор текстов, в основном, Батлер) стали визитной карточкой “Блэк Сэббэт”,
которые стали неожиданно очень популярными среди студенческой молодежи. На
самом деле сверхужасного в их песнях ничего не было - тексты больше
напоминали сказки для взрослых. В начале 70-х годов “Блэк Сэббэт”
зарекомендовали себя еще и как самая громкая группа в мире, и этот факт
нашел свое место в Книге рекордов Гиннеса.
В 1975 году появились первые проблемы. Альбомы "Торжество техники" и
"Не унывай" не могли повторить успех предыдущих пластинок, и часть фанатов
отвернулась от группы. Сам Йомми объясняет это факт следующим образом: “В
те годы мы брали с собой на концерты в качестве разогревающих такие группы,
как "Ван Халлен" и "Аэросмит". Они работали перед нами, и это сыграло нам
отрицательную роль. Ребята пели о сексе, любви причем их музыка была проще
и доступнее, как и тексты. Мы видели, что с появлением конкурентов нас ждет
кризис, если мы не создадим нечто новое. Кроме этого во время гастрольного
турне неожиданно ушел Оззи Осборн, и встала проблема с поисками вокалиста”.
В 1980 году в “Блэк Сэббэт” пришел Рони Джеймс Дио из "Рэйнбоу", что
сразу же принесло группе огромный приток новых фэнов. Был найден новый
продюсер и альбомы "Рай и Ад"(1980) и "Законы толпы"(1981) стали
фантастическими примерами классического английского "хэви-метал". В
следующем году состав группы стал постоянно меняться, и поклонники стали
сомневаться: а не набирает ли Йомми футбольную команду? Нет нужды описывать
все изменения состава, достаточно лишь сказать, что в нем успели побывать
Йен Гиллан, Бев Беван и Винни Эпайс (виртуозные музыканты, впоследствии
отметившиеся в других коллективах). Затем последовало фантастическое
выступление на фестивале "Life End" в первоначальном составе, который
продержался вместе лишь один день. Злоключения с составом продолжались. В
1986 году удалось записать пластинку "Седьмая Звезда", но она осталась
маловыразительной, а из оригинального состава в группе остался лишь Йомми.
Наконец, в 1987 году в “Блэк Сэббэт” был приглашен Тони Мартин, с чьей
помощью был записан "Aternal Idol" - вокал был просто идеален, тем более,
что он был очень похож на голос Дио. Взяв в состав еще и ветерана рок-н-
ролла на ударные, они тотчас же записывают "Headless Cross" - альбом,
имеющий очень высокие оценки критиков, часть из которых вообще называют его
лучшим среди всех альбомов “Блэк Сэббэт”. Группа же осталась навеки
вписанной в историю мировой рок-музыки как основатель нового направления.
Но все вышесказанное относилось в основном к истории рока. Что же
сейчас пропагандирует хард-рок, какие идеи он защищает? Прежде, чем
поговорить о текстах некоторых групп, надо сказать несколько слов о рок-
фестивалях, проходящих под девизом “Нет - алкоголю”( войне, наркомании и т.
д.) Я думаю, всем хорошо известен фестиваль "Вудсток", о котором нет нужды
говорить. А вот об одном из беспрецендентнейших случаев, о фестивале,
проходившем в Москве в 1989 году поговорить стоит.
Речь идет о Московском Музыкальном Фестивале Мира, в котором
участвовали такие звезды, как Оззи Осборн, "Скид Роу", "Мотли Крю",
"Синдерелла", "Бон Джови", "Скорпионс", и который музыкальные критики всего
мира назвали ни чем иным, как "Вудстоком на Москве-реке". Если взглянуть на
московский рок-фестиваль с чисто технической точки зрения, то можно
сказать, что звучание Оззи Осборна, "Бон Джови", "Парка Горького" было не
очень хорошим. Можно сказать, что в первый день "Мотли Крю" разнесли на
сцене свои инструменты, сделав это в лучших традициях "стадионного рока"
конца 60-х. Можно сказать, что “Скорпионс" и "Синдерелла" "откачали" свои
программы с безукоризненностью хорошо смазанных механизмов, а молодые "Скид
Роу" захлестнули публику рвавшейся через край энергией, в то время, как
"Парк Горького" выступили более спокойно, но не менее интересно. "Бригада
С" во главе с Игорем Сукачевым выглядела вполне профессионально, а
концептуальная музыка "Нюанса" уже во время фестиваля привлекла такого
солидного продюсера, как Питер Габриэль. Короче, можно было описать это
событие именно так, как описывают обычные концерты зарубежные обозреватели,
и поставить точку: фестиваль состоялся.
А можно взглянуть на свершившееся так, как, собственно, и видел
московскую акцию весь мир: впервые в СССР на одной площадке выступали
звезды мирового рока, причем не погасшие или несостоявшиеся, коих так любил
Госконцерт, а лидеры сегодняшнего дня, которых, в отличие от Сюзи Куатро,
Бони Тайлер и "Дюран Дюран", поклонники не забудут в паузе между двумя
очередными пластинками.
Коммерческий хард-рок сейчас достиг своего пика - пока будущее этого
направления представляется безмятежным, а интерес зрителя - стабильным. Как
сказала приехавшая на фестиваль английская журналистка: “Максимальная
"катастрофа", которая грозит стилю "хард-энд-хэви" - прекращение вокруг
него истерики и слияние с существующим мейнстримом”, то есть переход из
категории "модное" в "классическое", что вряд ли можно рассматривать как
кризис.
Если говорить о международных рок-фестивалях, которых в Европе и США
проводится достаточно, то очень легко недооценить московский: ежегодное
"пиршество" в Карл Доннингтон, под названием "Монстры рока" по набору
исполнителей вряд ли уступает московскому: здесь Оззи и "Синдерелла", там
“Металлика”" и "Ганз энд Роузез", здесь "Мотли Крю" и "Скорпионс", там
"Айрон Мэйден" и "Кисс". Сравнения и параллели возможны. Как и в
большинстве аналогичных массовых концертов, фестиваль был изначально
пронизан высокой идеей, которая как цементирующий состав скрепила в единый
монолит исполнителей и миллионы зрителей не только в СССР, но и во всем
мире - это лозунг фестиваля "Против алкоголизма и наркомании!". И весьма
немаловажно, что идея исходила из нашей страны, став еще одним этапом в
окончательном разрушении осыпающегося в те времена стереотипа СССР, как
"империи зла". Многие великие музыканты ушли из жизни наркоманами.
Музыканты, которых молодые считают своими кумирами. Нет ничего плохого в
том, что поклонники и до сих пор восхищаются их музыкой, но будет очень
печально, если кто-то, восхищаясь, решит попробовать их образ жизни и сам
станет наркоманом или алкоголиком. Такого не должно случиться. Фонд "Make a
difference" и фирма грамзаписи "Полиграм" осуществили международный проект.
Сегодняшние рок-звезды, участвовавшие в ММФМ'89 записали песни из
репертуара погибших от наркотиков Элвиса Пресли, Дженис Джоплин, Джимми
Хендрикса, а также групп, потерявших в разное время своих участников,
страдавших наркоманией: "Ху", "Лед Зеппелин", "Дорз", "Секс Пистолз",
"AC/DC", "Роллинг Стоунз", "Ти Рекс"и других (к сожалению, сейчас этот
список увеличился). Вся прибыль от продажи этого альбома передана в фонд
"Make a Difference", осуществляющий ряд программ по защите детства от
наркотиков.
Завершая этот обзор, надо сказать, что после этого фестиваля прошло
множество других концертов "грандов" в Москве. Ее посетили: Йен Гиллан,
"Металлика" и "АС/DC", "Napalm Death", "Sepultura", "Iron Maiden",
"Accept", "Nazareth", "Faith No More","Kreator". К сожалению, все музыканты
в своих послеконцертных интервью вторят Винсу Нейлу из "Мотли Крю": "Меня
угнетало огромное количество военных на поле стадиона, казалось, что
выступаешь в армейской части.". Ну что ж, это наша болезнь, которая,
однако, вопреки мнению многих, провоцируется не только фанатами, но и самой
милицией и войсками.
Что касается текстов песен, то их хорошо описывает статья некого Н.
Арефьева “О чем поют западные рок-группы”, помещенная в газете “Аргументы и
факты” в 1988г. Но, конечно же, без комментариев ее читать нельзя.
Насколько необразован в области рока автор статьи становится ясно с первых
же строк, ну а к середине статьи разбирающийся в роке человек понимает, что
его сознательно вводят в заблуждение.
Итак, автор делит тексты различных групп на 3 категории:
а) Вариации на тему любви.
К сожалению, Н. Арефьев причисляет к этой категории исключительно поп-
группы, явно забывая при этом послушать "Скорпионс", "Европу", "Парк
Горького" и множество других "хард-роковых" групп. Правда некоторые истины
не избегают пера автора: он пишет, что песни этого направления легко
воспринимаются на слух, и что социальные песни - это скорее исключение в
поп-музыке, это удел других групп (может быть в этом и кроется неприязнь
автора, да и не только его, к року? Ведь именно за постановку в песнях
острых социальных проблем русский рок, о котором подробно будет рассказано
во второй части реферата, гоняли из подвала в подвал).
б) Боевой рок.
Здесь, видимо, автор имеет в виду "агитационно-пропагандистский рок",
который обозначился в 80-х годах, с возникновением в роке таких движений,
как "Рок против войны", "Рок против апартеида" и т. д. Это объединение
довольно условное, т.к. группы различаются по стилям, положению и
единственное что у них есть общего - это ярко выраженная социальная
направленность текстов и поддержка прогрессивных общественных акций и
движений. Сюда автор совершенно справедливо причисляет Пола Уэллера, группы
"Стайл Каумел", "Уэм", "Мэднесс" и других. Хорошо характеризуют это
направление слова Тэла Саттона, гитариста английской группы "Уэй": "Рок и
политика должны идти рядом. Я не могу писать песни безотносительно того,
что происходит вокруг".
в) И Сатана там правит бал.
Отношение автора к "хэви-метал" и более жестким стилям совсем не
радужное. Видимо в желании отпугнуть молодежь от "этих пакостей" и в
надежде, что родители, прочитав его статью выкинут магнитофоны своих чад в
окно, автор сочиняет такое...
Итак, прервав статью из журнала "Роллинг Стоунз" автор пишет, что
альбом группы "Джудас Прист" 1984 года оценен как "Садомазохизм и
апокалипсическая истерия". Конечно, на первых порах эта группа немного
увлекалась сценами ада, но видимо вид музыкантов так ошеломил Арефьева, что
он забыл, что "Джудас Прист" переводится как “Иудейский священник” и слова
“под вдохновением Господним соберу все силы, чтобы править железной рукой”
вовсе не следует воспринимать так прямо.
Так же прервав песню группы "Motley Crue" под названием "Девочки,
Девочки, Девочки" автор умудряется обвинить группу в призыве молодежи к
хулиганству.
Отдельный разговор о группе "Слейер". Автор приводит такие строки:
“Расчленяй на куски, отделяй мясо, выкалывай глаза, расчленяй на части”,
при этом ссылается на песню "Некрофобия". Да, эти слова есть, правда не
призывающие, а описательные ("Разделение... и т. д, то есть идет описание
жизни человека, страдающего некрофобией. А в конце песни для особо
непонятливых указано: "Некрофобик не может контролировать паранойю, зовущую
его убивать". А в другой песне после призыва убивать стоит строчка
объясняющая зачем: "Во славу арийской расы" - эта песня, также носящая
описательный характер, называется “Ангелы смерти”" (короче - войска SS),
чего автор статьи явно не хочет замечать. Правда, стоит сказать, что
музыканты также не питают симпатий к христианству, как и к Сатане. Они
нейтральны.
Конечно, с точки зрения эстетики даже описание таких явлений как
некрофобия вряд ли можно назвать прекрасными либо возвышенными, скорее
ужасными. Но ведь и трагическое, ужасное играет в жизни не последнюю роль.
Сокрытие тяжелой правды и страшных явлений, наверное, не позволит избежать
их повторения. А рассказ о них предостережет, даст возможность бороться с
ними. Форма выражения при этом не важна - важно содержание (имеется в виду
форма рассказа).
г) Больше категорий автор не выделял, но мне бы хотелось добавить, что
существует множество групп, использующих в основе своих песен сказки и
мифы, как-то: "Manowar", Alice Cooper и другие. Их песни представляют собой
эпические сказания, насыщенные элементами мифологии и фольклора и
обязательно с хорошим концом.
В завершение первой части хотелось бы привести слова Брюса Диккенсона
из "Айрон Мэйден" в одном из интервью:
- В ваших песнях часто фигурируют слова: огонь, грех, насилие,
убийство, смерть. Что означает для вас насилие?
- Вы произвольно вырвали слова из контекста. Мы не хотим, чтобы
публика действовала под их влиянием. Мы поем о борьбе, борьбе добра со
злом. А приведенные слова так или иначе сопутствуют теме борьбы...
Русский рок.
...На данном этапе “Аквариум”, “Алиса”, “Кино”, “ДДТ” - идеологические
банкроты. Пока народ на них ходит. И ажиотаж будет все раздуваться и
раздуваться, потому что это, видимо, кому-то выгодно. Борис Гребенщиков
напишет еще кучу песен и напоследок совершит переход из христианства в дзен-
буддизм, Юра Шевчук провозгласит очередную революцию, Витя Цой будет
кумиром молодежи чуть помладше 14-ти. Костя Кинчев тоже не в лучшем
состоянии: напоследок орущие толпы, напоследок “красное на черном”. Сказать
им всем нечего!..
М. Шишков. “Российская музыкальная газета”, 1990 г.
Русский рок - явление настолько сложное и многогранное, что достойно
написания по меньшей мере курсовой работы. Пришедший в СССР в начале 70-х,
он на долгие годы осел в подвалах и коммунальных квартирах, отзвучал в
струнах раздолбанных гитар и рваных барабанах, прошел сквозь гонения и
запрещения, сохранился, выжил, расцвел и превратился в абсолютно уникальное
направление музыки, которое даже не с чем сравнить. И пишу я это вовсе не
потому, что сам являюсь страстным поклонником русского рока и пытаюсь
приумножить и без того многочисленную армию его “фанатов” - для этой цели
мне надо было бы писать статью в газету, а не реферат. Просто, как мне
кажется, в рамках эстетики, изучавшейся долгие годы с марксистко-ленинских
позиций, русскую рок-культуру незаслуженно обделяли вниманием. Все, что
было связано с протестом - а рок это, прежде всего, песни протеста -
отметалось как антисоветское. И, естественно, антисоветское искусство не
могло найти лестных отзывов в советской науке. Когда же пришла так
называемая демократия, русский народ, которому свойственно бросаться в
крайности, начал воспевать рок и поклоняться ему как символу
антитоталитаризма. От этих дифирамбов все также быстро устали, перейдя к
более понятной и простой “попсе”. Рок же вновь отошел на задний план. В чем
же причины этого?
У песни две составляющие: мелодия и текст. Обычно, сыгранная на
синтезаторе музыка, которую в большинстве своем используют поп-исполнители
(живой звук у них - редкость) приятна и легко воспринимается. Конечно,
энергичные, мощные, резкие звуки, характерные для рока, часто режут ухо и
отпугивают слушателя. Но ведь и острый гитарный рифф, сыгранный
профессионалом, может быть мелодичным и приятным на слух. И для большинства
современных рок-групп красивые и плавные мелодии - скорее правило, чем
исключение. То есть дело тут вовсе не в музыке.
Следовательно, главную роль играют слова. Тяжелая жизнь, вечная борьба
за заработок, неулыбающиеся и неприветливые лица на улицах - таково
теперешнее состояние нашего общества. Избыток проблем в быту требует какой-
то разрядки, выплескивания энергии. Поэтому прослушивание песен с острыми
социальными текстами не располагает к отдыху, а наоборот, усугубляет
чувство отчаяния, навеваемое жизнью. Незамысловатые, едва зарифмованные
стишки типа “Ксюша, Ксюша, Ксюша - юбочка из плюша”, сопровождаемые
приятной мелодией, расслабляют человека и отвлекают его от проблем
насущных. Эти песни можно слушать как фон за едой, во время отдыха, в
компании с друзьями. Другое дело рок.
Концы не смыкались с началом,
Когда политрук объяснял тебе жизнь.
Помнишь, как матери вас провожали?
Как голосили: “Сыночек вернись!”
Я знаю, ты сам рвался в пекло.
Я тебе верю - ты шел до конца.
Но чем круче взял, тем страшнее похмелье.
Когда ты вернулся, ты сжег ордена...
Или
Перемен требуют наши сердца!
Перемен требуют наши глаза!
В нашем смехе и в наших слезах и в пульсации вен...
Перемен! Мы ждем перемен!
Вряд ли песни с подобными текстами подойдут в качестве фона за обедом.
И вряд ли после их прослушивания на душе станет легко и приятно, а жизнь
покажется простой и веселой. Скорее, наоборот.
Но популярность “попсы” приходяща и очень нестабильна. Многие же рок-
группы держатся уже десятилетия. Давайте поразмыслим, какие коллективы не
только становились, но и долгое время оставались популярными? К каким
авторам интерес не иссякает? А к тем авторам, для которых слово - это не
вспомогательный материал для создания песни, для которых текст - это не
“рыба”, а стержень всего произведения. То, что делают на сцене эти авторы,
включает в себя много составляющих. Рок-музыка - жанр синтетический. Можно
даже сказать - синкретический, где составляющие нерасчленимы. Песня группы
“Алиса”, например, - это и текст, отмеченный поэтическими удачами, это и
адекватная ему музыка с все более сложной драматургией, это и сценической
движение всех участников группы, и танец лидера, и костюмы (особенно
тщательно продуманный костюм Кинчева), это и работа светооператора, и
задник с алисовской символикой, созданный художником группы. Уберите хотя
бы одну из составляющих, и песни, несомненно, многое потеряют. Песни хороши
и сами собой, под акустическую гитару. Но в таком варианте они и есть -
песни Кинчева. На сцене же, когда включаются все составляющие, это уже не
просто песни - это музыкально-поэтический театр (почему-то не хочется
употреблять здесь слово “шоу”).
С другой стороны, оставьте все: актерские способности членов группы и
особенно лидера, интересные аранжировки, индивидуальный стиль художника-
сценографа, сценическое движение, танец. Уберите только поэзию, уничтожьте
слово. Театр останется. И, возможно, неплохой театр. Но главное уйдет, то,
ради чего все делается.
Дмитрий Ревякин, лидер группы “Калинов мост”, на вопрос, что для него
главное в работе над песней, отвечал: “Конечно, слово”. В конце 70-х годов
Борис Гребенщиков, рассказывая о творчестве своей группы, сказал: “Поэт -
это радиоприемник, который улавливает сигналы, идущие свыше”. Он сказал
именно “поэт”, а не музыкант, рок-музыкант, рокер и т.п.
Порой, кажется, что наиболее популярные, “серьезные” наши рок-
музыканты само слово “рок” воспринимают вовсе не в его англоязычной
ипостаси, не просто как составную часть английского “рок-энд-ролл”, а
именно в русской его семантике: рок – участь, судьба, доля. Причем,
непременно судьба с эпитетами невеселыми: злой рок, тяжкий рок, злая,
лихая, трагическая судьба... Давая интервью французской телекомпании
“Антенн-2”, Константин Кинчев (лидер “Алисы”) говорил:
-Рок? Что это такое? Ну... Рок - он завис над Россией и... висит...
Для него рок-музыка и рок - трагическая судьба его родины - вполне
синонимичны.
Российская народная мудрость гласит: “Слово - серебро, молчание -
золото”. И вот в пору своего взлета Борис Гребенщиков написал, может быть,
лучшую свою песню - “Серебро Господа моего”. Молчание - золото - избранный
удел подвижников. Слово - серебро - избранный удел поэтов.
Еще в 1987 году в журнале “Знание - сила” появилась статья одного из
самых интересных рок-журналистов Ильи Смирнова. Называлась она “Фольклор
новый и старый”. Смирнов пишет: “Интересно, что наша новая волна породила
самобытный национальный рок как ба против собственной воли: подражая волне
англосаксонской, она, естественно, перенимала и ее эстетику, а вместе с
новой эстетикой в песни входил и новый герой - человек с улицы, с улицы
ленинградской, московской, потом уфимской или архангельской, но никак не
лондонской”. Илья Смирнов был одним из первых, кто обратил внимание на это
обстоятельство. Но мне кажется, он был неправ, думая, что именно новая
волна могла повернуть отечественный рок на путь самобытности. На путь
трансформации заимствованной с запада рок-музыки в духе национальной
традиции некоторые наши рок-группы встали не потому, что “волна несла с
собой реализм, оптимизм и энергию”, как полагает Смирнов. Да и найдем ли мы
среди наших “корифеев” представителей чистого стиля? Музыка “Аквариума”,
“ДДТ”, “Машины времени”, “Алисы” включает в себя элементы разнообразных
стилей, направлений. Ошибка Ильи Смирнова была в самой сути. Ведь он
полагал, что “...в роке на первом месте стояла музыка - язык
интернациональный, не требующий перевода, а у бардов - несомненно, текст.
И, наконец, если рок-музыканты подчеркивали свою принадлежность к
международной моде, то барды опирались на национальную традицию”.
Эта статья вышла в 1987 г. А в еженедельнике “Россия” весной 1992 года
появилось другое высказывание того же Ильи Смирнова: “Отечественный рок 80-
х в равной мере может считаться продолжением рок-н-ролльной и бардовской
традиций. Его ключевая фигура - ПОЭТ С ГИТАРОЙ...”
Юрий Шевчук, лидер “ДДТ”, как-то сказал: “Чтобы писать хорошие песни,
недостаточно смотреть видеомагнитофоны и слушать диски. Нужно читать
Соловьева и Ключевского”.
У Катаева есть рассказ о том, как в молодые годы они устраивали с
Юрием Олешей шутливые соревнования, кто придумает лучшую метафору. Они
сравнивали все со всем. Например, осень с цыганкой в цветастой шелковой
юбке и т.п. Я думаю, что многие наши рок-музыканты выиграли бы по этой
части любое соревнование. Например Константин Кинчев, который, по мнению
Анатолия Наймана (литературного критика, в свое время работавшего с Анной
Ахматовой и опубликовавшего воспоминания о ней), является одним из самых
интересных русских поэтов. Если бы он жил в начале века, имажинисты охотно
бы приняли его в свой круг. Иногда мне кажется, что он уж слишком
“перегружает” свои вещи, создавая удивительные кружева, нанизывая образы
один на другой.
Смирное время, смирные дни,
Боль и радость почистили зубы и спят,
Звук, которым когда-то был крик,
В рот набрал воды и прикусил язык.
Ржавчина выжженных звезд
Отражает промежутки сомнительных лет,
Плесень несет свой пост,
Прикрывая покрытый коростой погост,
Волчья ягода, черная кровь,
Немое темноводье водит тени по дну,
Языки публичных костров лижут лица.
Эй, начальник, покорных в ров!
Пот напомаженных туш,
Жирные рты плетут слюной кружева,
Зверь лакает из луж
Души тех, кто принял печать.
Маэстро, туш!
Это отрывок из песни “Земля”, который лично меня поражает своими
причудливо переплетенными сравнениями и метафорами. Или еще одно
стихотворение того же Кинчева, которое вполне сравнимо с произведениями
Тютчева или Пушкина.
По дороге лунной, зыбкой,
Где деревья кроны сжали,
Проплывала невидимкой
Ночь в сиреневой вуали.
Шевелила своды сосен,
Расплетала косы ивам,
Величавые утесы
Звездной пылью серебрила.
Лес стоял суров и мрачен,
Крался страх по лапам елей,
Чуя скорую удачу,
Пни мерцали и скрипели.
Росы ядом наливались,
По корням ползли туманы,
Извиваясь, издеваясь,
Рожи корчили обманы.
Лес пропитан был угрозой,
Лес не знал, что будет дальше,
Только белые березы
Пели лесу: “Наш ты! Наш ты!
Мы не верим чарам темным,
Что зловеще шутят с нами,
Выйдет в облаке ажурном
Утро с синими глазами,
Золотистою ресницей
Сбросит наважденье тьмы,
И в сияющем пурпуре,
Снова выстроимся мы”.
Наверное, подобные строки как-то не вяжутся с образом самого Кинчева:
серьга в ухе, кожаные перчатки без пальцев, растрепанные волосы с выжженным
перекисью водорода православным шестиконечным крестом... Но именно это
противоречие внешнего образа и души, на мой взгляд, отражает всю
особенность русского рока.
Вообще, многие музыканты, к сожалению, рабы собственного имиджа. И их
поклонники воспринимают, прежде всего, не то, что несут глубокие и
проникновенные песни, а именно эту внешнюю задиристость. А ведь нужно, мне
кажется, не просто прыгать у сцены, показывая “козу”, а следовать тому, что
почерпнуто из песен Кинчева и Цоя, Гребенщикова и Бутусова, Шевчука и
Ревякина. И тогда, возможно, рок будет восприниматься не как нечто
аморальное, противоестественное, а как обыкновенное направление искусства.
И эстетика ничего не будет иметь против.
Что же касается слов (отрывок из одной из статей в “АиФ”), вынесенных
мной в эпиграф ко второй части, то мне кажется, что это просто остаток той
идеологии, которая доминировала у нас 70 лет. Прогноз автора не оправдался
полностью. “Аквариум” покорил США (и вовсе не эмигрантскую публику, как
наши поп-звезды), Юра Шевчук отпраздновал 40-летний юбилей новым альбомом
“ДДТ”, поставившим рекорд продаваемости в Санкт-Петербурге, Кинчев и
“Алиса” также от него не отстают, и хотя Костя и помладше Шевчука, новый
альбом получился не хуже.
Правда, уже 7 лет нет Виктора Цоя. Но тот факт, что за долгие 7 лет,
за которые успели появиться и уйти, наверное, с полсотни исполнителей на
эстраде, “Кино” не потеряло популярность, а наоборот, приобрело еще больше
поклонников, говорит сам за себя. Для меня “Кино” всегда было и будет на
первом месте. Именно Виктор Цой открыл мне глаза на рок - наш рок. Часто
настроения его песен от личностного восприятия переходят к чему-то более
глобальному, и чувствуешь, что устами Цоя поет целое поколение:
Только капля за каплей из крана вода,
Только капля за каплей из времени дни,
Ты пойдешь рубить лес, а увидишь лишь пни...
Или
Наше сердце работает как новый мотор!
Мы в четырнадцать лет знаем все, что нам надо знать,
И мы будем делать все, что мы захотим,
Пока вы не угробили весь этот мир...
В одной из популярнейших песен "Кино" "Хочу перемен" многие в ее
осмыслении делают упор именно на ключевые слова: "Перемен! Мы ждем
перемен!". На самом деле, основное содержание, может быть, всей философии
Цоя в "Кино", содержится в двух "незаметных" строчках Они, по-моему,
являются основными звеньями той цепи, соединяющей сердца тех, для кого
концепция "киношников" является своею жизненной концепцией:
И больше нет ничего. Все находится в нас...
И пусть исписанные стены домов со страстными признаниями и лозунгами
“Цой жив!” - это не очень эстетично, зато они прямо свидетельствуют о
гениальности этого человека (почему-то, да простят мне нетактичность, никто
не пишет “Женя Белоусов жив!”). Когда писалась статья в “АиФ”, последний
год жизни Цоя только начинался. Еще впереди был “Черный альбом” группы
“Кино”. Еще впереди был нескончаемый поток людской к Богословскому кладбищу
в Питере. В этом потоке можно было увидеть и тех, кто чуть младше 14-ти, и
тех, кому за 30, за 40, за 50...
Заключение.
Слезы бывают не только на лице, слезы бывают в сердце. Душа плачет!..
Это так редко происходит, что иногда кажется, что у многих вместо сердца
камень. Но есть явление, изначально способное "пробивать" любое сердце,
даже каменное. Это явление - часть духовной сферы, именуемая искусством.
Среди сотен и тысяч людей, появляются вдруг единицы, идущие наперекор
устоявшимся (скорее застоявшимся!) представлениям об окружающей среде, и
создают свою среду, свой мир, не похожий ни на какие прочие. Неповторимо
прекрасный, несколько даже опасный тем, что очень честный. Он (этот мир) и
живет по законам жизни и смерти, любви и справедливости и какой-то
особенной горечи, и соприкоснувшись с ним, становится по меньшей мере не по
себе, ведь то, что вокруг нас, зачастую чудовищно несправедливо!
Андрей Тарковский писал: "Искусство несет в себе тоску по идеалу. Оно
должно поселять в человеке надежду и веру. Даже если мир, о котором
рассказывает художник не оставляет места для упований. Нет, даже еще более
определенно: чем прочнее мир, который возникает на экране, тем яснее должен
ощущаться положенный в основу творческий идеал, тем отчетливее должна
приоткрываться перед зрителем возможность выхода на новую духовную высоту".
Эти слова нашего режиссёра, несомненно, соотносимы с творчеством рок-
музыкантов.
“Сегодня умрешь - завтра скажут - поэт,”-поется в известной песне
группы “Чай Ф”. Там же говорится “Поплачь о нем, пока он живой”. Так
давайте же чтить наших гениев сейчас, при жизни. И не важно, “рокер” он,
или гениальный скрипач. Посредственностей много, а выдающихся людей почему-
то часто не замечают. Но ведь лучше, на мой взгляд, изучать творчество ныне
живущего человека, чем “культурное наследие безвременно ушедшего из жизни
гениального композитора и поэта...”
Использованная литература:
Н. Барановская “По дороге в рай...”, или беглые заметки о жизни и
творчестве Константина Кинчева.
К. Панфилов (Кинчев). “Стихи”.
В. Рыбин “Как начиналось “Кино”
М. Цой “Виктор Цой”.
“Аргументы и факты” (подборка статей).
“Московский комсомолец” (подборка статей).
"Молодежь Эстонии" (Таллинн) б января 1989 г
Реферат на тему: Роль Пушкина в культуре
КУБАНСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ
АГРАРНЫЙ УНИВЕРСИТЕТ
РЕФЕРАТ
на тему
ПУШКИН
в русской культуре
[pic]
проверила: Янковская Л. В.
Выполнила
студентка ЭО-15
Хилькова О. В.
Краснодар 1998г.
ПЛАН
Пушкин нашей современности.
Пушкин в русской культуре.
Могучее воздействие на художников различных поколений.
Пушкинское восприятие действительности.
Пушкин как пример русского характера творческого и нравственного
совершенства.
Пушкинское творчество как объект пристального изучения. Поэты продолжатели.
Неиссякаемый родник Пушкинских творений.
Список литературы.
Первый русский национальный поэт, родоначальник всей последующей
русской литературы, начало всех начал ее - таково справедливо и точно
признанное место и значение Александра Сергеевича Пушкина в развитии
отечественного искусства слова. Пушкин также впервые - на достигнутом им
высочайшем эстетическом уровне поднял свои творения на передовой уровень
просвещения века, европейской духовной жизни XIX столетия и тем самым
полноправно ввел литературу русскую в качестве еще одной и значительнейшей
национально-самобытной литературы в семью наиболее развитых к тому времени
западных литератур.
Читая Пушкина, слышишь его голос. Он был первым поэтом разрушившим
условность авторского образа: в “Руслане и Людмиле”, “Евгении Онегине”,
Пушкин говорит с читателем “на равных”, как принято между близкими людьми,
схватывающими все с полуслова. Поэт предстает перед нашим современником
уникальной личностью, художником-новатором, мыслителем, историком,
публицистом, фактическим участником борьбы с самодержавием, с
крепостничеством, с основами феодально-абсолюстической идеологии.
Пушкин основал школу самобытного искусства, которую развивали,
предлагая новые и новые пути, Гоголь, Лермонтов, Некрасов, Салтыков-Щедрин,
Достоевский, Л. Толсто, Чехов, Горький, Маяковский, Пастернак, Твардовский
и многие другие писатели. Пушкинская широта в познании и изображении
действительности, философская глубина его творчества, историзм, и вместе с
тем острое чувство современности - все оказало могучее воздействие на
художников различных поколений, обогатила самые разные области искусства.
Не только переводя сюжеты и мотивы Пушкина на язык музыки, но стремясь
следовать самому духу его творчества, разножанровые музыкальные
произведения создавали Глинка, Чайковский, Даргомыжский, Мусоргский,
Римский-Корсаков, Глазунов, Рахманинов, Прокофьев, Асафьев, Шостакович и
Свиридов. С именем поэта связали свое творчество Кипренский, Тропинин,
Айвазовский, Репин, Серов, Нестеров, Перов, Суриков, Бенца, Фаворский. В
истории лучших драматических театров страны пушкинская драматургия заняла
почетное место. Роли в пушкинских пьесах играли такие крупнейшие актеры как
Картыгин, Давыдов, Варламов, Ермолова, Станиславский, Москвин, Качалов.
Тайна безмерного обаяния поэта, по мнению Д. С. Лихачева, в том, что
он и по сей день является образцом доброты и таланта, смелости, простоты,
демократичности, жизнелюбия, верности в дружбе, уважения к труду и людям
труда. Он “...в каждое мгновение жизни в каждой ее песчинке видел, ощущал,
переживал огромный, вечный вселенский смысл. И потому он не просто любил
жизнь во всех ее проявлениях, жизнь была для него величайшим таинством,
величайшим действом. И потому он был велик во всем: и в своих надеждах, и в
своих заблуждениях, и в своих победах, и в своей любви к людям, к природе,
в любви к Родине, к ее истории, ее будущему”[1] . Объясняя истоки
неутолимого влечения к поэту в наши дни, Д. С. Лихачев говорит об
открывшейся поэту ценности восприятия жизни вокруг него и в каждом человеке
как величайшей тайны, требующей серьезного, глубокого ощущения, полной
отдачи. Это залог ощущения счастья, гармонии, полноты существования. И
если, в конечном счете, это идеал каждого человека, то в Пушкине он был
воплощен в полной мере, поэтому он и есть наш идеал, вечно живой...
Художественно-аналитический тип поэтического мышления, величайшее
достижение Пушкина, сложился не сразу. Путь к нему был труден. Лицейскую
его поэзию еще отличает, противоречивое сочетание тем, мотивов, образов,
выросших из наблюдений над окружающей действительностью и вместе с им
хранящих отзвуки карамзинской поэзии. Особенно это проявилось в стихах о
мечтательном уединении , о грусти и беспечных любовных наслаждениях.
Сглаженность языка, ходовые поэтические определения не позволяли
воспроизводить действительность в ее живой конкретности. Обилие
мифологических образов и мотивов, причудливо сочетавшихся с бытовыми
деталями, - тоже следствие стилевых влияний.
Позже, сам Пушкин указал на недопустимость подобных слияний. В
лицейскую пору подготавливалось вытеснение карамзинских стереотипов; таким
образом, формировался новый этап поэтического развития, проявившийся уже в
“Руслане и Людмиле” В поэме явственно прорывается стихия народного языка,
освобождение от оков классицизма. Правда, метод еще достаточно
противоречив. Когда Пушкин, в “Кавказском пленнике” (1821) стремился
воспроизвести образ героя романтически-абстрактно, язык становился
неточным, “туманным”. О пленнике, к примеру, говорится: он “обнял грозное
страданье...” В монологе обращенном к черкешенке -
Его любовь тебе заменит
Моей души печальный хлад.
Те же места поэмы, что явились отражением действительности в ее
реалиях и определяем ости ( например описание быта горцев, которое Пушкин
больше всего ценил в поэме), отличаются точностью и силой поэтического
выражения. Так, Пушкин отстаивал эпитет “под влажной буркой “Бурка не
промокает и влажна только сверху, следовательно можно спать под нею, когда
нечем накрыться, а сушить нет надобности”.
Переломным моментом в развитии пушкинского таланта было начало 20-х
годов, период южной ссылки, когда взгляды поэта достигли большой зрелости.
Именно в это время он пересматривает свою поэтическую практику, активно
ищет новые пути.
В ходе работы над “Евгением Онегиным” определяются принципы нового
метода, в основополагающих моментах реалистичного.
Следующий этап относится к 1825 году, когда создавался “Борис
Годунов”. Затем закономерное обращение к прозе - “Арап Петра Великого”, ибо
именно проза позволяла довершить борьбу за реализм. Наконец в 30-е годы:
Пушкин обратился к изображению героев из низов; его пристальное внимание
привлечено к прошлой и современной истории народа (разрабатываются темы
пугачевского восстания). Одновременно во всех жанрах Пушкин открывает новые
пути, закладывает эстетические основы для последующего развития
классического русского реализма.
Поэт глубоко впитал лучшие национальные традиции, особенности ума
русского, оптимистического, широкого взгляда на жизнь, обусловленного
героической многовековой борьбой народа с иноземными поработителями,
условиями бытия, требовавшего стойкости и веры в будущее. Учась у народа,
Пушкин возвращал ему исторический опыт обогащенным новыми достижениями
мыслителя, художника.
У Пушкина есть очень важное самоопределение. В 1830 году в анонимной
рецензии на альманах “Денница” он обобщил отрывистые замечания И.
Киреевского о своей поэзии словами: “Пушкин - поэт действительности”. Таким
образом, определение, которое впоследствии оказалось исходным для
Белинского в цикле его статей о поэте, принадлежит самому Пушкину.
Великим открытием Пушкина было освоение действительности во всем ее
многообразии как источника и материала поэтического творчества. Говорят,
Пушкин открыл в литературе окно в мир. Нет, это окно было открыто в русской
поэзии до него. Он же разрушил все перегородки, все средостения, отделявшие
поэзию от жизни; ничего не было с тех пор в мире, в обществе, в природе, в
жизни человеческой души, что не стало бы предметом искусства. Он же открыл
метод поэтического творчества, который позволил поэту не быть “эхом”,
повторяющим каждый звук (нет ничего более неверного такого плоского
понимания глубокой и вдохновенной пушкинской декларации). Сферой поэзии
при Пушкине стало самое существенное в жизни человека - гражданский и
патриотический подвиг, мечты, горе народа, лирика природы и любви. Все
осветил поэт великой мыслью. Вот почему поэзия Пушкина воспринимается нами
как целостное жизненное единство, как своеобразная и грандиозная
художественная картина мира.
Поэзия Пушкина отразила все “впечатленья бытия”. В ней отозвались его
героическое и трагическое время, отблески сражений национально-
освободительной войны, чаяния восставших на Сенатской площади. Дух
европейских революций, крестьянских бунтов - словом эпоха, о которой сам
поэт сказал:
...кровь людей то славы, то свободы
То гордости багрила алтари.
В смелом стремлении изменить порядок жизни Пушкин жаждал соединить
“слова” и “дела”, искусство и действие. Его стихотворения “Вольность”
(1817), “Деревня” (1819), “Кинжал” (1821) и другие сыграли огромную роль в
борьбе с крепостничеством, деспотизмом, в формировании движения
декабристов. Мы знаем, что если бы не михайловская ссылка, то 14 декабря
1825 года поэт был бы с теми, кого называл друзьями, братьями, товарищами,
делу которых служил поэзией. В годы жесточайшей реакции, после разгрома
восстания, когда брат боялся оплакивать брата, он сохранил “к судьбе
презренье”, вынес навстречу ей непреклонность, лучше всего выразив это в
произведениях последних десяти лет жизни. В сознании передовой России
героические черты облика поэта сливались с его стихами. В образе поэта
доминировала “гордая совесть” и “лира непреклонная”. Драгоценнейшие
качества поэзии Пушкина позволили А. Герцену видеть в ней “залог будущего
утешения” в самые трудные времена. Определяя связь пушкинской лирики с
революционной эпохой, много позже А. Блок высоко оценил непреходящую роль
поэта:
Пушкин! Тайную свободу
Пели мы вослед тебе!
Дай нам руку в непогоду,
Помоги в немой борьбе!
(“Пушкинскому дому”, 1921)
Как оценить в полной мере силу и мощь импульс данного Пушкиным
развитию отечественной литературы, поэзии? Впервые именно Пушкин открыл в
русской словесности человека в конкретности его исторического,
национального, социального бытия. Вместе с тем поэт сумел постичь
своеобразие национальных характеров других народов, раскрыл особенности
быта и нравов жителей Италии, Англии, Франции, Испании.
Пушкин с уважением и сочувствием запечатлел жизнь народов, населявших
Россию. Он писал о вольнолюбивых горцах (“Кавказский пленник”), восхищался
прекрасными печальными песнями Грузии. Широта охвата действительности была
благотворной для развития нового поэтического метода, а художественный
метод в свою очередь, способствовал расширению мира поэтического
творчества.
Разнообразию пушкинской поэзии соответствовало разнообразие формы -
отсюда интонации небывалого раньше диапазона: от торжественной ораторской
речи в одах “Вольность” и “Клеветникам России” (1831) до шепота уединенной
беседы в стихотворении “Ночь” (1823); разнообразие и гибкость ритма. В
каждом стихотворении Пушкина все элементы формы кажутся единственно
возможными, незаменимо точными для выражения мысли.
Важной стороной новаторства Пушкина явилось открытие такого способа
художественного постижения жизни, при котором любые явления, всякая деталь
изображения проникнуты могучей энергией оценки, отчетливо выраженным
приятием или отрицанием автора. Какую бы тему ни разрабатывал поэт, он
решает ее не как некую художественно отвлеченную идею, а как итог
осмысления определенных жизненных реалий, ситуаций. Отсюда берут начало
пушкинская символика, метафоризация - те элементы художественной формы,
которые в субъективистской поэзии вели к погружению в мир иллюзий. Вот
метафора Пушкина, внешне, казалось бы, напоминающая позднейшие образы
поэтов “бесплотной”, отвлеченной фантазии:
Изгнанник помнил звук мечей
И льдистый ужас полуночи.
Но в ней совершенно точный смысл: страшная для французских захватчиков
русская зима 1812 года.
Главной идеей Пушкина было прославление жизни героической, во имя
будущего.
Вращается весь мир вкруг человека,
Ужель один недвижим будет он?
Противостояние реакции и застою - пафос поэта. С особой силой звучали
эти мотивы и в пушкинское время - господства авторитарности, умерщвляющей
плоть религии, - и в другие эпохи застоя, власти застарелых догм.
Пушкинская поэзия исполнена утверждения земных радостей как главной
ценности вопреки идее счастья за пределами бытия.
Сила жизни в поэзии Пушкина настолько велика, что даже в стихах,
написанных в минуты душевной усталости, разочарования, сомнения, она
побеждает. Иногда, кажется, - вопреки замыслу стихотворения. В
стихотворении “В степи мирской, печальной и безбрежной...” (1827) поэт
утверждает, что не ключ юности или вдохновения, а только печальный и
холодный ключ забвения “слаще всех жар сердца утолит”. Но вопреки этому
самую высокую эстетическую оценку получает ключ юности:
Ключ юности, ключ быстрый и мятежный,
Кипит, бежит, сверкая и журча.
При чтении этого стихотворения чувствуется как убыстряется ритм,
подобно переливам звонкого, чистого источника.
Мысль Пушкина живет в образе, а образ включается в цепь его общих
представлений о смысле и цели жизни. Поэт говорил о себе, что он думает
стихами. Мимоходом он сказал о своем творчестве: оно - итог
Ума холодных наблюдений
И сердца горестных замет.
Эти слова точно определяют существо пушкинского метода, аналитическую
ясность изображаемого, согретого живым биением сердца. Отсюда живописная
четкость и скульптурность образов, которые ведут к мгновенным и глубоким
обобщениям. Вспомним хоты бы только один образ из стихотворения “Румяный
критик мой, насмешник толстопузый...” (1830) - русского крестьянина с
гробом ребенка под мышкой:
Скорей! Ждать некогда! Давно бы схоронил!
С каким лаконизмом, психологической глубиной раскрывается
беспросветное горе, забитость крепостного раба, который торопится схоронить
своего ребенка, - “ждать некогда!”
Проникая в современность, Пушкин ставил в своем творчестве проблемы
смысла жизни, утверждал такое понимание прекрасного, которое останется
вечно дорогим для человечества; поэт выражал свои переживания так, что они
становились близкими доля других людей. Обобщенность и индивидуализация
образа открывали для читателя беспредельную возможность соотнесения
изображаемого мира с миром собственных чувств и размышлений.
Как развивали пушкинские художественные принципы его продолжатели,
последователи? Существовала ли “пушкинская школа”? По этому поводу
высказываются порой полярные суждения. На одном полюсе мнение, быть может,
наиболее четко сформулированное в свое время одним из видных советских
поэтов Арсением Тарковским: “... у Пушкина были подражатели, но
продолжателей, учеников не было. Литературную школу создают таланты. Пушкин
“вобрал” в себя Жуковского и Батюшкова, ушел и запер за собой ворота на
крепкий замок”[2]. В разных вариантах такое мнение бытовало в XIX веке,
встречается оно и поныне. Противоположным является утверждение, что Пушкин
своим творчеством открыл шлюзы для нового направления. По его пути
развивалась русская романтическая, а затем и реалистическая лирика. О
громадном воздействии Пушкина на поэтов разных поколений говорилось немало.
Вспомним хотя бы яркие признания пушкинских современников. А. Дельвиг в
письме к автору “Руслана и Людмилы” в 1824 году замечал: ”Никто из
писателей русских не поворачивал каменными сердцами нашими, как ты”.
Сколько подобных признаний! Спектр влияния Пушкина на поэтов - его
современников - был широчайшим. В. И. Тумановский писал ему в 1827 году:
“Твои связи, народность твоей славы, твоя голова... все дает тебе лестную
возможность действовать на умы с успехом, гораздо обширнейшим против прочих
литераторов. С высоты твоего положения должен ты все наблюдать, за всем
надсматривать, сбивать головы похищенным репутациям и выводить в люди
скромные таланты, которые за тебя же будут держаться”.
Общие критерии оценки Пушкиным поэзии своего времени основаны были
прежде всего на его собственном опыте. Если суммировать все суждения
Пушкина о литературе, окажется, что именно единство “мысли” и творческого
воображения, живописности, позволяющей воссоздать жизнь в ее истинности и
вместе с тем в ярком образном выражении, было для него высочайшим критерием
творчества. В 1822 году он замечает, что проза “требует мыслей и мыслей -
без них блестящие выражения ни к чему не служат”. В это время он еще
склонен в какой-то мере соглашаться с общепринятым мнением, что стихи
отличны в этом плане от прозы - “стихи дело другое”. Здесь же, однако,
Пушкин оговаривается: “Впрочем, в них не мешало бы нашим поэтам иметь сумму
идей гораздо позначительнее, чем у них обыкновенно водится. С
воспоминаниями о протекшей юности литература наша далеко не подвинется”. В
дальнейшем он полемически заострит эту мысль: ”У нас употребляют прозу как
стихотворство: не из необходимости житейской, не для выражения нужной
мысли, а токмо для приятного проявления форм”. Нарушение одного из условий
совершенства художественного произведения - единства содержательности и
формы - он определяет характерным словом - “бессмыслица”. “Есть два рода
бессмыслицы: одна происходит от недостатка чувств и мыслей, заменяемого
словами; другая - от полноты чувств и мыслей и недостатка слов для их
выражения”, - писал поэт.
Отсюда требование в самом ходе творчества руководствоваться главной
целью, центральной идеей, соотношением целого и отдельных элементов
произведения: “Истинный вкус состоит не в безотчетном отвержении такого-то
слова, такого-то оборота, но в чувстве соразмерности и сообразности”. В
“Отрывках из писем, мыслях и замечаниях”, где обобщение собственного
творческого опыта соединено с раздумьями над опытом предшественников,
Пушкин иллюстрирует свой критерий художественности - умение “сильно и
необыкновенно” (то есть оригинально) передать “ясную мысль и картины
поэтические”.
С главным критерием - органическим единством “мысли” и образности -
связано и другое определение Пушкиным величайшего достоинства поэзии:
“гармоническая точность”. “Точность” - верность действительности и опять-
таки верное выражение значительной мысли. К критериям силы дарования
относится также смелость изобретения, когда “план обширный объемлет
творческой мыслью”. Из этого исходил Пушкин, когда оценивал творчество
разных поэтов. Например, о Е. Баратынском: “... он у нас оригинален”,
“мыслит по своему”; в сочинениях П. Катенина поэт выделяет: “... шел всегда
своим путем..”; даже в стихах Ф. Глинки, поэта отнюдь не высокого уровня,
Пушкин увидел то, что придает им своеобразие: “... обороты то смелые, то
прозаические, простота соединенная с изысканностью”; “однообразие мыслей и
свежесть живописи, все, что дает особенную печать его произведениям”.
Близость идейных устремлений - одно из условий общности поэтов,
принадлежащих к определенному направлению, но все-таки этим только не
решается вопрос о принадлежности к “пушкинской школе”.
Если ограничиваться только моментами идеологическими и исключить
вопросы метода, то понятием “школа” могут быть объединены все поэты,
которые занимали прогрессивные позиции в общественном движении, примыкали к
борьбе с реакцией в жизни и литературе и разрабатывали гражданские темы.
Тогда понятие “пушкинская школа” окажется вполне подходящим для того, чтобы< | |
